sábado, 14 de marzo de 2020

Las excentricidades de Gibson



Hasta finales de los años 50 los diseños, de las guitarras Gibson de cuerpo macizo habían sido muy tradicionlaes. Pero todo aquello cambió con lo que la compañía llama bases guitarras "modernistas": la Flying V, la Explorer y la Moderne. Antes de que aparecieran estos modelos, de guitarras eléctricas de cuerpo macizo se habían atendido al diseño clásico de la guitarra acústica: un cuerpo redondeado, dividido en dos por una "cintura", y con la curva inferior más ancha de la superior.
Pero el terceto de excentricidades de la Gibson presentaba formas completamente originales y muy atrevidas.


Flying V 1958 (arriba)


Esta primera versión es una rareza, ya que sólo se construyeron una 100 antes de interrumpir la producción en 1959, y por lo tanto está muy cotizada. Entre 1967 y 1979 se fabricó una versión con diferentes diseños de controles y apliques normales. Y en 1983 Gibson reeditó el modelo original.



Ted McCarthy, ex presidente de la Gibson, creó las nuevas formas sustituyendo las "tradicionales" líneas curvas o rectas más "modernas", lo cual representa un cambio muy radical de para la época. Tan radical que se encontró con una reacción negativa de los distribuidores y los músicos. A pesar de las expectativas de la empresa, ninguna de estas guitarras heterodoxas se vendió bien, y su producción se canceló acabo de 2 años. Muchos años después, aquellos raros ejemplares empezaron a cotizarse, el renovado interés impulsó a otros fabricantes utilizar los estilos Flying V y Explorer. La propia empresa Gibson ha lanzado algunas reediciones, así como versiones actualizadas de los diseños Explorer y Flying V, de lo cual demuestra que aquellas guitarras innovadoras se adelantaron a su tiempo.

Firebird "invertido" (1963-65)

En 1963, Gibson lanzó la primera serie de modelos Firebird, en cuyo diseño participó el diseñador de automóviles Ray Dietrich, con la clara intención de competir con Fender. Los cuatros modelos I, II, V y VII, llevaban pastillas humbuckers especiales, y todos menos el I tenía cordal con vibrato.



Estas fueron las primeras guitarras Gibson en las que el mástil atravesaba el cuerpo de parte a parte con un par de "alas" añadidas a los costados para completar la forma.
Pero no se vendieron bien y en 1935 se reformó radicalmente su diseño.


Firebird "no invertida" (1965-69)

Gibson no quería correr riesgos con las nuevas Firebird, y prescindió del innovador diseño de atrás a adelante el mástil encolado el cuerpo en lugar de continuar a todo lo largo del mismo que resultaba más caro. Las clavijas regresaron al lateral superior del clavijero y en los modelos I y III se instalaron pastillas P90 de bobina única.

A pesar de los cambios y de mayor permanencia en el mercado, tampoco estas Firebird tuvieron mucho éxito, aunque las versiones "invertidas" empezaron a cotizarse en años posteriores, dando lugar a imitaciones y reediciones de la propia casa Gibson.




domingo, 8 de marzo de 2020

¿Qué es un Cuarteto de base?

Saludos amigo, el formato mas usado en la actualidad para una banda es de 4 personas, aunque hay de 3, 5 o mas... Esto no siempre fue así. En este articulo les explicare como fue evolucionando los ensambles en la historia reciente de los grupos y bandas de rock. 

Lo que ahora se llama cuarteto de base (bajo, batería, voz y guitarra) fue un día trío de base (lo mismo pero sin guitarra). Siempre se ha preguntado cómo se consigue colarse la guitarra en el formato básico de grupo moderno. La pregunta es ¿por qué ocurrió y cuándo ocurrió?




Debemos irnos en las primeras décadas del siglo pasado, más concretamente a Nueva Orleans, para encontrar la raíz del asunto y para comprenderlo hemos de ponernos en situación. 

Los tríos de base que trabajaban en las salas de Nuevo Orleans usaban el piano como una pieza insustituible, por su triple función de instrumento rítmico, armónico y melódico. Muchos músicos se ganaban también la vida en las "marching band", es decir tocando de día en la calle (o en fiestas privadas). Es un hecho, el pianista no podía entonces salir a la calle llevando su piano a cuestas. El instrumento armónico que sufrió el piano en la calle fue el banjo. Sus características sonoras para suplir el piano como instrumento armónico al aire libre eran perfectas: gran ataque, gran proyección de sonido y peso discreto. Basta con que nos detengamos a imaginarlo por un momento, para darnos cuenta de que una guitarra acústica rodeada de instrumentos de viento, en plena calle, no podía rivalizar con el banjo en ningún aspecto. 



Es una de las razones por las cuales se produjo un gran auge de las "banjistas" a lo largo de los dos primeras décadas del siglo, porque su presencia en los trabajos diurnos se hacía insustituible. Como parte activa de la banda, alguno de esos banjistas debieron aprender a tocar la guitarra. Ya en las salas de baile, por la noche, los temas más lentos y delicados no se lleva nada bien con la sonoridad nasal y estridente del banjo. De modo que el banjista tomaba entonces la guitarra. Lo cual no significa que algunas bandas no dispusieran ya de guitarristas en plantilla. Y puestos en situación, es de sentido común ni imaginar el sufrimiento de nuestro pobre guitarrista, rodeado por saxo, trompetas, trombones y demás sin oírse las demás veces. 

Los hubo, aunque las primeras grandes orquestas tuvieron una función exclusivamente rítmica: marcar los cambios armónicos, apoyarse en las negras y estar muy pendientes del pianista. Pero los guitarristas de esa época no tuvieron el derecho a turno de su propio, única y exclusivamente por causa de su falta de volumen. 

En la década de los 30 comienzan a aparecer iniciativas para solucionar el problema. Eddie Durham, en la orquesta de Bennie Moten (1932), acerca de su guitarra resonadora el micrófono, hasta casi tocar lo durante su turno de solo, y según se dice fue uno de los primeros guitarristas en asumir también el papel de solista. 




Hasta la aparición de las primeras guitarras eléctricas no se consolida el papel del guitarrista en el cuarteto de base. En 1935, un joven guitarrista blanco de Chicago, George Barnes, pasa a la historia por ser el primero en grabar una guitarra eléctrica. Confesó haber tenido muchos problemas con las instalaciones eléctricas de la salas, pues las tomas de corriente es más normales eran de corriente continua y no de alterna. 

La aparición de los primeros amplis de guitarra (con apenas 15 vatios de potencia), fue una experiencia liberadora para olvidar lista de principios de siglo, pues ellos conocieron en sus carnes la diferencia entre ser apenas incluidos por el público o claramente escuchados y seguidos, sobre todo ¡como solistas!

Con la plaza guitarra ya fija en el cuarteto, se crea un puente armónico y tímbrico entre el piano y el bajo que antes no existía. De modo que la triple dimensión de la guitarra (armonía, ritmo y melodía) aligerar a los antiguos componentes del trío de muchas de sus funciones: el pianista deja de picar piedra, el bajista tiene doble apoyo armónico y el bate y el batería cuenta con una nueva pieza que puede resultar valiosísima.



La consolidación de la guitarra en el cuarteto de base se produjo a lo largo del periodo de 1935 a 1940. Y de nuevo funcionó el principio estar en el momento y en el lugar adecuados. Porque uno de los primeros grandes divulgadores de la guitarra eléctrica fue Charlie Christian. La meteórica carrera de Christian se debió tanto a su gran talento natural como su sólida formación musical. Pero, además, estuvo en el lugar y en el momento adecuados (junto a los valientes pioneros del be-bop) usando una guitarra eléctrica: ES 150, modelo que Gibson bautizó con su nombre y esa fue en opinión de muchos la catapulta definitiva de una manera lenta pero progresiva más y más formaciones adoptan el nuevo formato de cuarteto base. Pero paralelamente surge una nueva forma de trío base más elástica manejable: la batería, el bajo y la guitarra eléctrica.

jueves, 27 de febrero de 2020

Iniciación vibrato



Recuerdo que uno de mis ex alumnos me mencionaba que el nunca usaría el bend y vibrato porque eso era "blusero", y que el tocaba metal solamente. Grande es mi sopesa y lógica también, que en la actualidad usa esas técnicas siempre. En este articulo mencionare algunas claves, a saber, para aprender a manejar este recurso tan necesario e importante. 

El uso del vibrato puede convertir un solo sencillo en algo que suene muy intenso. Cómo guitarristas, necesitamos sacar el máximo partido de cada nota que tocamos. Una de las maneras más efectivas para conseguirlo es mediante el uso de la técnica del vibrato. Está funciona variando repetida y ligeramente la afinación de una nota y ayuda a transmitir mayor expresión en las notas largas.


Tipos de vibrato

Hay tres tipos de básicos de vibrato:
  1. Vibrato horizontal:  Toca una nota del diapasón y desplaza la cuerda de lado a lado (izquierda - derecha). Mantén el contacto con la cuerda pero aleja el pulgar de la parte trasera del mástil este tipo de vibrato incrementará el sustain con sólo una ligera variación en la afinación.
  2. Vibrato de muñeca: Mientras el primer dedo pulso en la nota, se puede modificar sustancialmente la afinación rotando la muñeca repetidamente. Este es uno de los vibratos que mejor suena y puede enfatizar un sonido dulce de la guitarra. Sin embargo sólo puede usarse con notas que toque con el dedo índice el maestro indiscutible de esta técnica es leyenda de BB King. BB tiende a mantener el pulgar en el revés del mástil para tener un vibrato rápido, pero con una ligera variación de la afinación; es el llamado stinger vibrato otros guitarristas como Eric Clapton, prefieren alejar El pulgar del mástil para conseguir un vibrato más lento y con una modulación de la afinación más amplia.
  3. Vibrato vertical: Cuando pulses una nota mueve la cuerda arriba y abajo asegurándote de que regrese vuelva la afinación original. Este tipo de vibrato es ideal para añadirlo cuando tocamos una nota con bending, de esta manera se añade más sustain a la nota en cuestión. Dos buenos ejemplos de esta técnica serían, Peter Green y Paul kossoff.  Ritchie Blackmore prefiere usar un vibrato muy rápido después de hacer un bending en cambio Gary Moore y Malmsteen se decantan por un vibrato extremadamente amplio mientras realiza un venden con los dedos 1 y 2.
Mira los 5 vídeos preparados para ti. Para dominar paso a paso estas técnicas...


WE ROCK!

lunes, 17 de febrero de 2020

La Telecaster - HISTORIA


La Fender Telecaster es la guitarra eléctrica maciza que más tiempo lleva fabricándose. Su sencillo y brillante diseño tiene tanta aceptación en la actualidad como cuando se presentó al público en 1951.

En realidad la Telecaster es la misma interna que Leo Fender había presentado un año antes con el nombre de Broadcaster. Hubo que cambiarle el nombre porque Gretsh lo tenía registrado con anterioridad pero el nombre de Telecaster encantó Leo Fender y sus colaboradores del pequeño taller de Fullerton, California, porque la sucesión verbal con un medio en pleno auge como era entonces la televisión, le daban unas connotaciones de modernidad muy adecuadas para un instrumento Igualmente innovado, la primera guitarra eléctrica de cuerpo macizo que salía al mercado.




La Telecaster conocida en forma abreviada como "tele", se caracteriza por su sonido brillante e incisivo y por su facilidad de manejo. Por esta razón es atraído a lo largo de su prolongada historia, a músicos de todos los estilos. Sin embargo han sido los músicos country los que han apreciado sus servicios en especial, su capacidad para emular, si se la sabe tocar los sonidos de un steel guitar. 

El Secreto del sonido de la Telecaster reside en el puente. Las cuerdas atraviesan el cuerpo y se sujetan al dorso mediante 6 virolas, lo cual aumenta la solidez y el mantenimiento del sonido. El puente lleva incorporada una pastilla en posición oblicua, que realza los tonos agudos de la guitarra.

Sea cual sea la causa, el distintivo sonido de la Telecaster garantiza que, por lo menos durante 40 años más, el instrumento seguir atrayendo a los guitarristas que valoran ante todo la sencillez, eficacia y la versatilidad.



La evolución de la Telecaster

La Telecaster ha experimentado muy pocas modificaciones durante sus 40 años de historia. Pocas son las guitarras que han sobrevivido a la mitad de este tiempo sin sufrir importantes cambios. Pero no cabe duda que Fender se dio cuenta desde un principio que el éxito de la Telecaster y va a depender de una gran medida en su escuela sencillez. Sobre estas líneas presentamos las tres únicas modificaciones oficiales introducidas en el la Telecaster original, que es garantizada por su mástil de arce, su acabado natural amarillento y su golpeador negro.

Pero Fender no dejó la Telecaster completamente sola. Además de las variantes que aparecen a la derecha, podemos mencionar a la versión Custom de la Telecaster, que se fabricó entre 1959 y 1970, con acabado "sunburst" cuerpo con reborde. No se la debe confundir con la Telecaster Custom que apareció en los años 70, fácilmente identificable por su pastilla humbucker.



En los años 80, la reducción de costes dio origen al modelo Standard, que tuvo una corta existencia y cuya principal diferencia consistía en las cuerdas no atraviesan el cuerpo, lo cual hacía perder el característico sonido Telecaster. Los dorados hicieron fugaces apariciones en la Telecaster Black Gold, de acabado negro y en la versión Gold de la Telecaster Elite.


martes, 11 de febrero de 2020

¡CABLES, uno barato por favor!


Ahora viene el raje, pero no me importa espero que podamos abrir la cabezota con esta pequeñita investigación que hice toda la madrugada y mi experiencia como profesor ... ahí va:

En la práctica, los que saben dicen que un buen cable suena más "brillante". Así que fíjense, solamente con usar buenos cables es posible mejorar la respuesta tanto de graves como de agudos ¿Fácil, no? Bueno, por ahí no es tan sencillo, pero sí es cierto que una de las cosas a las que menos le prestamos atención es a un cable. Y eso que este elemento es nada más ni nada menos que el responsable directo de transmitir nuestro sonido hasta el amplificador. La calidad del sonido va dependiendo que uso les vayas a dar, un cable apantallado de mucha calidad, te va a transmitir el sonido fielmente, y sin casi nada de ruido, recuerda que entre mas largo el cable mas posibilidades tienes de que el sonido disminuya, y que se capten frecuencias ajenas a tu guitarra (vamos a decir sonidos raros). Definitivamente el oro es mejor conductor que el cobre (material interno del cual están hecho el 99% de cables), eso es obvio, pero el oro es mucho mas caro :

(Extracto de un diálogo de un ing. De sonido) “El oro exhibe un color amarillo en bruto. Es considerado como el metal más maleable y dúctil que se conoce.1 Una onza (31,10 g) de oro puede moldearse en una lámina que cubra 28 m2. Como es un metal blando, son frecuentes las aleaciones con otros metales con el fin de proporcionarle dureza.”



Además, es un buen conductor del calor y de la electricidad, y no le afecta el aire ni la mayoría de los agentes químicos. Tiene una alta resistencia a la alteración química por parte del calor, la humedad y la mayoría de los agentes corrosivos, y así está bien adaptado a su uso en la acuñación de monedas y en la joyería.

La plata también es muy buena conductora, por ejemplo antes teníamos los cables MONSTER no meten nada de ruido, además hay otros como el Planet Waves libre de oxigeno con muy buenos conductores, apantallados , y que transmiten el sonido lo más fielmente posible...

 "Cuánto cuestan los cables? Dame el más barato, total..." No es lo mismo un cable de $8 soles que uno de $50, por más que tengan el mismo largo. ¿Porqué? Muy simple, porque los materiales con los que están hechos no son los mismos. Un cable de baja calidad para instrumentos puede ser ruidoso y poco confiable. El enmallado tiene que estar ajustado y el aislamiento interno tiene que ser lo suficientemente bueno como para prevenir que las señales altas se filtren a la masa. Y ni que hablar de los plugs. Olvídense de aquellos en donde cable y plug sea todo una misma cosa.

Y bueno, después de varias pruebas en mi vida profesional y de enseñanza me he sorprendido de lo que cambia el sonido y la nitidez de una guitarra eléctrica con un cable de calidad.

Te recomido que veas este vídeo con detalles precisos acerca de lo hablado.  WE ROCK!



sábado, 1 de febrero de 2020

La guitarra sin límites Pt. 4

Parque de la  Amistad










Iniciábamos la 4ta fecha del tour de clínicas & conciertos 2019 - 2020. Esta vez nos tocaría la feria Expososund. Aquí se realiza una serie de actividades donde participan tiendas de música, academias, escuelas de educación musical, ingeniería de sonido, lutheria, centros de difusión  musical y todo lo relacionado al mundo amateur y profesional de la música. Hubieron ofertas de todo tipo, clínicas, clases maestras, conciertos y concursos de bandas.


La Escuela Mastermusic 

Esta es la institución donde laboro e imparto mis clases de guitarra eléctrica, metodología y administración de marketing artístico. Y que también participó durante los tres días de feria, del 29 de noviembre al 01 de diciembre. En este stand se dio informes a todos los interesados para que estudien con nosotros, además de ver las propuestas de otras empresas e instituciones... En ciertas horas de estar paseando y mirando la feria, algunas personas me reconocieron, es así que ademas de seguidores de mis redes sociales y también alumnos, nos tomamos muchas  fotos. 


Profesor Jorge - clínica de progresivo
Profesor Pablo - clínica de armonía

El concierto

Esta vez llevamos a un técnico de apoyo, ya que siempre, tocamos con secuencias. ¿Esto que quiere decir? Que aparte de la guitarra, el bajo y la batería, ponemos una pista con metrónomo para que por un lado salga el audio de un teclado y por otro lado hacia la baterista, el metrónomo. Es por eso que si escuchan en vivo a la banda, van a sentir el sonido de un tecladista, ese sonido es la secuencia. 

Nos demoramos aprox. 15 min. para instalar, ya que el ingeniero de sonido que manejaba la consola, realmente estuvo confundido. Así que tanto fue la demora, que nosotros cerramos el concierto de dicha feria. Arrancamos con la canción "Rider" con la cual nunca debo empezar, porque los cambios de velocidad son muy bruscos, y como no tenía la mano "caliente" el tema no salió tan bien, ¡por eso es importante calentar ANTES de tocar!


El orden y la presión del programa

Supuestamente nosotros íbamos a tocar a las 7:30pm , pero como hubo un retraso empezaríamos 8:15 pm, pero no fue así, empezamos 8:30pm y como esto es muy usual en los conciertos, uno debe estar detrás del organizador, para que se cumplan bien los tiempos y así fue.
Uno tiene que lucharla. El organizador me decía ¿a que hora empezaríamos a tocar? y yo le decía "si tú me has movido tres veces el horario". Por el otro lado, tenía los comentarios de la banda acerca de la "caja directa", a que hora empezábamos... y por otro lado tenía temas relacionados con la escuela, porque los alumno iban a tocar... y mi novia enviando muchos mensajes al celular que ya estaba llegando a la feria. Creo que me estoy descargando de ese día por este medio, pero la verdad chicos es que tengo muchas responsabilidades y trato siempre de cumplirlas como se debe. 


Fin del concierto y cena

Mientras filmaban el concierto, conocí como siempre nuevos amigos, y hubieron dos seguidores que me felicitaron mucho después de la presentación, se tomaron fotos y estuvieron muy contentos de nuestra performance, si bien esto es muy común, desde ya puedo decir que esto es una aliciente para continuar con la carrera... y después de esto, empacar y guardar todo nos fuimos a cenar, con la familia del bajista "Baltazar". 

WE ROCK!!!


domingo, 12 de enero de 2020

La guitarra sin límites PT. 3

El viaje a Ayacucho

Huamanga la capital de Ayacucho, (queda 567.1 km de Lima y 8 h 41 min. en auto). Por cuestiones de tiempo y comodidad el viaje sería en avión. Con una maleta nueva, ya que en giras anteriores la aerolínea me la devolvió rota. Llegamos el mismo día de la clínica... y luego, culminando esta,  haríamos el concierto. Como el vuelo se retrasó, a pesar de que todo fue tranquilo, a penas aterrizamos en la ciudad nos fuimos directamente al local en el que haríamos las presentaciones.


En esta gira, llevé mi Fender Stratocaster American Special (La sexy) esta es una guitarra menos costosa que "Celeste" y la "Gringa", la comodidad que posee para mi es alucinante (playing). Del aeropuerto nos fuimos al local y como siempre sucede, nos atendieron de la mejor forma en la capital de dicho departamento; los equipos, el sonido estaban ya casi listos y ahora nuestro el monitoreo estaría basado en "in-Ears".


La clínica

No tuve tiempo de cambiarme, así que empecé desde las 3:30 pm hasta las 5:30 pm aproximadamente. 
Siempre me encanta. ¡Lo que disfruto más en las giras no es el viaje en sí, sino son las personas que con sus preguntas se puede realizar esta actividad muy interesante en el que aprendemos todos! Y si es cierto que siempre son las preguntas clásicas, pero que cada respuesta conlleva un matiz diferente de acuerdo a quien y como te lo pregunta, es así como el tiempo vuela "Tempus fujit". 

Jajajaja... podrán ver las fotos que estoy dictando las clínicas en ropa deportiva, pues de terminando salí al hotel para cambiarme, mientras los demás de la banda ya salían cambiados y listos para el concierto.

El concierto 

Llegando al hotel en mi habitación, al abrir mi puerta me dí con la sorpresa que ya tenía mis maletas listas para abrirlas y cambiarme, no tuve tiempo de bañarme así que me lavé la cara, bajar de nuevo y partir rumbo al local. El almuerzo "fue",  así que llegando subí al escenario, Josie la baterista y Martín el bajista (Baltazar) ya estaban listos, arriba. El repertorio consistió en los temas clásicos como Monitor, Rider y mi nuevo single Mon Glamour.

Terminando el concierto nos tomamos algunas fotos con los asistentes.

La cena

El concierto salió súper chévere, y ya en el hotel nos fuimos a comer pastas, pizza, lasagna y algunos aperitivos, tuvimos una conversación muy interesante y amena con la banda y con las chicas que apoyaron en el evento. Desde un gran agradecimiento a Randy, gestor y promotor del concierto y clínica, y a Susan, Blanca y Nifer.




Continuará...