martes, 23 de junio de 2020

Instagram para músicos. ¡Super importante!



Instagram es una de las plataformas más utilizadas por los grupos de música para promocionarse. Los seguidores y fans pueden ver en imágenes de su grupo favorito, ver cómo es la portada del nuevo disco, etc.
Dentro de las redes sociales, Instagram es una de las favoritas para usuarios por su contenido, es decir, por las imágenes. Si eres músico, y tienes una banda o un proyecto en solitario, ya sabes, una de las mayores dificultades para aquellos que recién comienzan y quieren lanzarse es conseguir una audiencia y seguidores leales. Y si aún no comprendes la importancia de las redes sociales en este proceso, es mejor que empieces a preocuparte.


¡AQUÍ TE DOY  UNOS CONSEJOS elaborados por los especialistas! 

HAGA QUE SU PUERTA DE ENTRADA SEA ATRACTIVA
En primer lugar, debes encontrar un nombre de usuario ideal para ti o ustedes, “exclusivos” y diferentes en sí mismos. La biografía también es muy importante, especialmente para aquellos que aún no te conocen.

¡LAS FOTOS Y VÍDEOS BIEN PRODUCIDOS SON ESENCIALES!
Estamos hablando de cómo rockear la red social que nació con el objetivo de ser una red para compartir fotos. Publicar buenas fotos y videos bien producidos aquí es esencial. 

MANTENTE ACTIVO SIN INUNDACIONES: APUESTA POR EL CONTENIDO DE CALIDAD
Retener a tus seguidores y hacer que quieran leer tus publicaciones es aún más importante que todo. Necesitas estar activo.


PERSONALIDAD Y ORIGINALIDAD: CÓMO HACER QUE TU AUDIENCIA SEA AÚN MÁS LEAL
En un mundo tan competitivo como Instagram, tener personalidad y originalidad es esencial para destacar. No sirve copiar el tradicionalismo y apostar por lo que hacen los demás, principalmente por la creatividad en letras, melodías y clips, apuesta por la misma creatividad para la gestión de la red. Su alimentación consiste básicamente en imágenes divertidas, memes con sus propios miembros y formas creativas de promover programas y nuevas canciones.


LLEGAR A NUEVOS PÚBLICOS 
¡Los famosos hashtags! Y es que la mejor forma para que tu foto llegue a más gente es añadiéndole algunos hashtags relacionados con ella. Puedes añadirlos en la misma foto o en un comentario, pero lo más importante, no abuses de ellos. Algo que también es muy útil a la par que distintivo es crear un hashtag propio, ya sea un juego de palabras o algo muy característico tuyo o de tu banda.

CUENTA UNA HISTORIA
Según nuestra investigación, Instagram Trends 2019 el 37% de las personas prefieren consumir contenido a través de historias. La herramienta es una forma práctica de mostrar las acciones de la banda en tiempo real y conectarse más personalmente con su audiencia. Invierta en las otras características de la herramienta, como boomerang, gifs cortos, filtros y pegatinas para crear contenido visualmente divertido.

¡INVIERTE TIEMPO EN VÍDEOS!
¿Qué te parece reservar media hora a la semana para una actuación acústica en vivo para tus seguidores? ¿O incluso grabar un ensayo de tu banda? Hacer un concierto es una buena oportunidad para mostrar tu sonido y cautivar a las personas que ya aprecian tu música.
Y lo bueno es que todos tus seguidores serán notificados en su teléfono con la advertencia de que has comenzado uno en vivo. Esto aumenta las posibilidades de que la persona haga clic para mirar.


APUESTA POR PROMOCIONES Y SORTEOS EN INSTAGRAM
Una excelente manera de llamar la atención de tus seguidores es ofreciendo un producto de tu banda o proyecto personal, como un CD, un polo o una entrada al concierto, a través de un sorteo de Instagram.

NO OLVIDES COMPROMETER
No puedes crear una cuenta de Instagram y esperar que las cosas sucedan naturalmente. La mejor manera de generar confianza en los seguidores o prospectos es a través del compromiso. Necesitas interactuar. Eso significa dar me gusta y comentar las fotos de los que te siguen (o los perfiles que pescaste en los seguidores de otras bandas). 

Así que a darle duro al INSTAGRAM muchachos, esto también va para los guitarristas solistas. 

martes, 9 de junio de 2020

EL MUSICOTERAPUETA una hermosa vocación


La música como terapia no es un tratamiento actual, sino que ya en el siglo XVIII, se investigó sobre los efectos que tiene la música en las personas, tanto enfermas como saludables, y descubrieron que produce efectos positivos en las fibras del organismo como calmante, incitante y armonizante. Y ya en la Primera Guerra Mundial los hospitales de veteranos contrataban a músicos para la ayuda terapéutica de los heridos, lo que provocó la creación de la Asociación Nacional de Terapia Musical en el año 1950."
 
La musicoterapia es la utilización de la música implementando todos sus elementos como son la armonía la melodía del ritmo y el sonido para obtener un fin terapéutico que mejore la calidad de vida del individuo, esta es impartida por un terapeuta quien sabe como atacar los trastornos humanos por medio de la relajación y concientización de la música y melodías que nos rodean, así como las mas adecuadas para la sensación personal, internamente o externamente según sea el caso.



Ciencia

La música es un arte universal. Diferentes regiones encefálicas están implicadas en procesos relacionados con escuchar y/o crear música (Fig. 1). Existiendo paulatinamente una mayor evidencia científica que revela efectos positivos de la musicoterapia (MT) aplicada en neurorrehabilitación (NR), como potencial opción terapéutica complementaria del daño cerebral adquirido (DCA).

Principales regiones cerebrales que intervienen en el procesamiento de la música. Aunque la figura muestra las regiones lateral y medial del hemisferio cerebral derecho, muchos procesos musicales son bihemisféricos (los dos hemisferios del cerebro).

Las actividades relacionadas con escuchar y/o crear música representan una ayuda importante para activar redes neuronales, producir cambios intra-redes y conexiones entre regiones encefálicas corticosubcorticales distantes. Estos efectos multimodales (que se hace o se presenta de muchos modos) de la música, junto con su aprovechamiento de la red emocional y de recompensa cerebrales, facilitarían la inducción de mecanismos neuroplásticos (significa que el cerebro es flexible y modificable).



Los profesionales

Un musicoterapeuta es un profesional formado en ámbitos de la salud, la educación, la terapia,  la música y que utiliza como herramienta de trabajo, la música, sus elementos, los sonidos, los instrumentos musicales y que implanta un proceso de trabajo con el usuario o grupo, en función de las necesidades propias de cada interesado. Un musicoterapeuta puede ser psicólogo, maestro, músico, médico, terapeuta de diversas ramas y que integra todos sus conocimientos en favor de dicho proceso. Un musicoterapeuta utiliza y aplica diversas técnicas propias de la musicoterapia y también de otras disciplinas, adaptando así sus intervenciones a cada grupo de trabajo.

Es un ámbito profesional se desenvuelve de diferentes formas ya sea grupal o personal, dependiendo que medidas y métodos debe tomar por el terapeuta, pues básicamente es un profesional que tiene un alto grado de conciencia en la música y en el ámbito terapéutico y por medio de estas disciplinas "estimula las sensaciones en las personas o pacientes para la sanación física, emocional, cognoscitiva etc.”. (Alfredo Daniel Flores Hoyos).
“La musicoterapia es un proceso constructivo en el cual el terapeuta ayuda al paciente a mejorar, mantener o restaurar un estado de bienestar, utilizando como fuerza dinámica de cambio experiencias musicales y la relaciones que se desarrollan a través de ésta.” (K.Bruscia).



¿Donde estudiar?

En la actualidad existen muchas ofertas educativas con relación a estudiar la carrera de musicoterapia. Todo dependerá del País en dónde te encuentres o bien hasta dónde estés dispuesta/o a moverte para seguir tus sueños, si es que verdaderamente es tu vocación/profesión. A continuación si buscas una carrera, puedes ver las opciones:

Universidad de Barcelona (España)
Universidad del Salvador
Southwestern Oklahoma State University (Estados Unidos)
Wartburg College Waverly, (Estados Unidos )
Western Sydney University (Australia) 
State university of New York  (Estados Unidos)
Anglia Ruskin University (Reino Unido)
Wilfrid Laurier University (Canadá)

miércoles, 3 de junio de 2020

6 misterios del oído absoluto



Mucho se habla de este tema, y es bastante común la gran fascinación que surge en las personas que inician un instrumento musical. En este articulo abordaremos de una manera sencilla los aspectos mas importantes de esta "disfunción de nuestro cerebro". El oído absoluto no está limitado al campo de la música, o incluso a los seres humanos. Los pájaros cantores y los lobos también exhiben esa habilidad. De hecho, los estudios indican que el oído absoluto es una habilidad más lingüística que musical.

El Oído Absoluto, también conocido como oído perfecto, hace referencia a la “capacidad de identificar la frecuencia de un estímulo auditivo aislado sin la ayuda de un estímulo auditivo referencial” (Moulton, 2014), así pues, se podría definir de un modo informal como la capacidad de leer los sonidos, así es leer, esto significaría poder "ver" los sonidos, un concepto nuevo para nosotros los comunes mortales. Si bien el oído absoluto está predicado sobre la habilidad de percibir e identificar el chroma o «color tonal»,12​ donde el «color tonal» es una interpretación psicológica de la frecuencia vibratoria fundamental,13​ el oído absoluto no es una habilidad realzada para percibir y discriminar finas gradaciones de frecuencias sonoras,14​ sino que más bien es la habilidad de categorizar mentalmente sonidos en áreas «tonales» predefinidas



Un ejemplo de oído absoluto lo podemos observar en grandes genios de la música como, por ejemplo, Mozart, Bach y Tchaikovski o a través de contemporáneos como Stevie Wonder.

¿Qué habilidades poseen las personas con Oído Absoluto?

Se puede afirmar que “el Oído Absoluto es una habilidad que modifica el funcionamiento cerebral de aquellos que la poseen” (Veloso y Guimaraes, 2013), por consiguiente, dichas personas han mostrado diversas habilidades, tales como:
Identificar la/s nota/s de forma aislada o simultánea junto a otras notas.
Reproducir a la perfección una melodía escuchada por primera vez sin la necesidad de una partitura.
Nombrar la tonalidad de una pieza musical.
Cantar o entonar una determinada nota sin una referencia externa.
Nombrar las notas de sonidos ambientales, como por ejemplo una bocina o el sonido de una ambulancia.

¿A qué factores es debido el Oído Absoluto? ¿Nacemos con ello o, por el contrario, se puede adquirir?

Actualmente este tema genera mucha controversia, puesto que no se sabe a ciencia cierta su origen. Ciertos estudios creen que esta capacidad se debe a un talento innato basado en la genética, mientras que otros opinan que la adquisición de Oído Absoluto exige una preparación temprana durante un período crítico del desarrollo (entre los 2-5 años) asociado al desarrollo del lenguaje y sin tener en cuenta la predisposición genética (Veloso y Guimaraes, 2013).
De acuerdo con este abordaje, se puede plantear una influencia de ambos aspectos, es decir, una confluencia de factores genéticos del desarrollo del cerebro humano junto a factores ambientales y la exposición temprana.

10 artistas famosos clásicos y contemporáneos con oído absoluto

1. Johann Sebastian Bach (1685-1750): compositor, organista, violinista, violista, maestro de capilla y cantor alemán del periodo barroco.

2. Amadeus Mozart (1756-1791): considerado uno de los músicos más influyentes y destacados de la historia, Mozart fue un compositor, pianista y maestro del clasicismo.

3. Ludwig van Beethoven (1770-1827): compositor, director de orquestra y pianista alemán, considerado uno de los compositores más importantes de la historia de la música.

4. Miles Davis (1926-1991): trompetista y compositor estadounidense de jazz. Considerado como una de las figuras más relevantes e influyentes de la historia del jazz.

5. Ray Charles (1930-2004): cantante, saxofonista y pianista de soul y R&B, conocido también como “El genio” o “Hermano Ray”, fue pionero en el género del soul de los años 50’s.

6. Barbra Streisand (1942): actriz, cantante, compositora, productora y directora estadounidense. Sus logros en la música, cine y teatro la han convertido en un icono de la cultura.

7. Freddie Mercury (1946-1991): reputado cantante, compositor, pianista y vocalista principal de la banda de rock Queen. Reconocido en todo el mundo por su poderosa voz y extravagantes puestas en escena.

8. Stevie Wonder (1950): cantante, productor y compositor de distintos géneros musicales como el soul, R&B, funk y jazz. Además, también es reconocido por su ceguera, a causa de su nacimiento prematuro sus ojos no desarrollaron correctamente las retinas.

9. Michael Jackson (1958-2009): conocido como el “Rey del Pop”, fue un cantante, compositor, productor, bailarín, actor y filántropo estadounidense. Una de las figuras públicas más importantes del mundo artístico.

10. Ana Torroja (1959): cantante española y vocalista de Mecano, banda formada con los hermanos José María y Nacho Cano.

Otros: Jimi Hendrix, Mariah Carey, Frank Sinatra.


Problemas potenciales del oído absoluto

Las personas que tienen oído absoluto pueden irritarse cuando una pieza es transportada a una tonalidad diferente (o tocada en una afinación no estándar). Dichas personas pueden pasar por un periodo de desarrollo del oído relativo más difícil al seguir la currícula promedio (de entrenamiento auditivo), y el aprendizaje de tareas tales como la transposición puede entorpecerse por el intento de usar su conocimiento del oído absoluto para una tarea en la que es mejor usar el oído relativo. 

Debido a que la comprensión de las notas musicales es categórica antes que espectral,​ a los poseedores de oído absoluto con poco entrenamiento les puede resultar muy difícil el tocar con una orquesta o conjunto que no esté afinada al sistema de afinación estándar la4 = 440 Hz (442 Hz en algunos países). Estos problemas pueden ser superados por un entrenamiento muy cuidadoso diseñado para asegurar que las facultades del oído relativo también sean desarrolladas. Es bien sabido que con la estimulación adecuada se pueden desarrollar ambos, tanto el absoluto (por frecuencias) como el relativo (por contexto).

Si te gusto el articulo, te agradecería que lo compartas en tus redes sociales. Me haría muy feliz. Gracias.

WE ROCK!

jueves, 28 de mayo de 2020

¿Por qué los adolescentes tienen que estudiar música?




Muchos papas en estas épocas de aislamiento social aprovechan para que sus hijos aprendan algo "útil". Aquí algunas razones importantes que todo padre debe conocer, no solo la utilidad si no la importancia. 

Desarrollo de habilidades

La educación musical tiene un impacto en la vida de un joven que abarca ámbitos académicos, sociales, intelectuales y emocionales.
El ámbito académico se beneficia enormemente de la educación musical. En principio, la música contribuye al desarrollo del lenguaje y el razonamiento. El hemisferio izquierdo del cerebro, que “adopta un papel protagonista en el desempeño de actividades relacionadas con el lenguaje y la memoria verbal” (gratacos, 2019), se estimula con la música y más concretamente con el estudio y aprendizaje de la misma de acuerdo a un estudio realizado por la universidad Northwestern en EU, un individuo que ha estudiado música tiene mejores habilidades de lenguaje, lo que se manifiesta con mejores calificaciones en asignaturas relacionadas con la lectura y redacción. cabe mencionar que la comprensión de la lectura es crucial para todos los estudiantes.


La música y la capacidad intelectual 

Otros aspectos en el ámbito académico mejoran con la música, como la memorización. Incluso utilizando una partitura, el músico constantemente depende de su memoria para tocar. La capacidad de memorización es una herramienta indispensable en su educación futura en otros campos de estudio. 
Existe otra característica substancial de la formación musical: el impulso del pensamiento creativo. El músico por naturaleza suele ser más creativo. Esta cualidad le permite resolver problemas de distintas maneras y “pensar fuera de la caja” beneficiándolo en gran medida en su vida académica y laboral. Emoción, expresión, habilidades sociales, teoría de la mente, habilidades lingüísticas y matemáticas, habilidades visoespaciales y motoras, atención, memoria, funciones ejecutivas, toma de decisiones, autonomía, creatividad, flexibilidad emocional y cognitiva, todo confluye en forma simultánea en la experiencia musical compartida. Las personas cantan y bailan juntas en todas las culturas. Sabemos que lo hacemos hoy y lo seguiremos haciendo en el futuro. Podemos imaginar que lo hacían también nuestros ancestros, alrededor del fuego, hace miles de años. Somos lo que somos con la música y por la música, ni más ni menos.

La formación musical y el arte de socializar

Con una formación musical integral los jóvenes mejoran su habilidad de trabajar en equipo, como cuando se toca en ensamble o se es parte de una banda u orquesta. En estas circunstancias, los músicos no solo aprenden a colaborar sino a construir camaradería. La relación de la música con el lenguaje también es objeto de estudio. El procesamiento del lenguaje es una función más ligada al lado izquierdo del cerebro que al lado derecho en personas diestras, aunque las funciones desempeñadas por los dos lados del cerebro en el procesamiento de diferentes aspectos del lenguaje aún no están claros. La música también es procesada por los hemisferios derecho e izquierdo. Evidencia reciente sugiere un procesamiento compartido entre el lenguaje y la música a nivel conceptual. Pero la música parece ofrecer un nuevo método de comunicación arraigada en emociones en lugar del significado tal como lo entiende el signo lingüístico.


Mejora las habilidades motoras

La práctica de un instrumento mejora las habilidades motoras, como la coordinación entre la vista y el manejo de las manos. 

La educación musical y la salud mental

La música tiene un impacto muy positivo en la salud mental de los estudiantes. De hecho, los estudiantes de música suelen estar más desarrollados emocionalmente lo que les permite expresarse mejor y lidiar con problemas de ansiedad.


La habilidad de tocar música mejora la autoestima 

El tocar un instrumento e incluso ver avances en el progreso provee un sentimiento de logro y satisfacción. Se crea el hábito de fijarse metas y esforzarse por lograrlas. 
El fortalecimiento del carácter, la disciplina y la autoestima tienen un efecto muy positivo en el desarrollo humano.

Si te gusto este breve pero importante articulo compártelo. Gracias. 

CITA TEXTUAL (“20 beneficios importantes de la música en nuestras escuelas”, 2014).

miércoles, 13 de mayo de 2020

60 actividades para trabajar, si eres músico


Empleo, formal o informal es el gran reto que esta por venir para todos los músicos, en distintas áreas de la industria musical latinoamericana. La crisis crean nuevas oportunidades, y estas serán acogidas por los que estén atentos para tomarlas, adaptarnos a los nuevos tiempos como por ejemplo profesiones como el e-manager, el vlogger , el reviewer, etc y si no los conoces es por algo. Se vienen épocas de retos, pero sobre todo de valentía para cambiar de estrategia y así obtener éxito en lo que mas nos gusta: LA MÚSICA

He preparado un listado de los diversos trabajos en la que podemos estar y ademas una breve explicación de lo que entendemos por dicha actividad basada en los conceptos de Salazar, The Career Development Center, O'Malley, Baskerville,  Crouch, el catálogo Career in Music de Berklee y Wikström. Y claro el libro (2 tomos) de Negocios musicales de Gino Foppiano. Esta clasificación esta dividida en áreas para que puedas seleccionar la que mas te conviene, memorizarla y compartirla a tus colegas.  

Nota
Antes de empezar, quiero que leas esto atentamente. Quizás pensaras que algunas de estas  actividades y/o labores no corresponden necesariamente a tu estilo de vida, estudios o idea de lo que es ser un músico. Estimado amigo este listado como lo mencione lineas arriba es un compilado serio que se basa en años de estudio acerca de las actividades que músicos con diversas habilidades y estudios complementarios son exitosos en su circulo social, nacional e intencional. 

Ejecución Musical

  1. Agrupaciones musicales con canciones propias. Formado por dos o más integrantes. En este tipo de agrupación uno de sus integrantes el autor de la letra y música de los temas.
  2. Agrupaciones musicales de tributo o cover. Generalmente con un formato de 5 integrantes, realizan canciones con derechos de autor de terceros y arreglos propios. Normalmente los instrumentos utilizados son bajo, guitarra, batería, teclado y voz. 
  3. Banda y orquesta militares. Grupos formados por el personal, generalmente suboficiales, de las diferentes instituciones militares y policiales. Están conformadas por miembros de las fuerzas armadas y policiales.
  4. Corista. Persona que se dedica a realizar las armonías vocales de una pieza musical se distingue por su versatilidad para ejecutar diversos géneros.
  5. Disc-jockey (Dj). Persona que crea, escoge desarrolla y reproduce música propia de otros compositores para diferentes tipos de audiencias, tales como radio, eventos corporativos, fiestas y discotecas.
  6. Instrumentista. Persona que interpreta a cualquier género musical y que mediante un instrumento ejecuta diversas piezas musicales para otras personas. En este grupo se encuentran los músicos contratados por bandas y orquestas.
  7. Músico de sesión. Persona que interpreta cualquier género y es contratado, generalmente para grabaciones específicas y puntuales con un sonido único.
  8. Orquesta sinfónica. Conformado por personas que integran una agrupación tipo orquesta de mayor envergadura, se utilizan instrumentos que viento madera, viento metal, cuerdas percusión, entre otros. Ejecuta temas de género clásico. Algunas veces obras de peliculas o adaptaciones de música diversa.
  9. Performer o cantante. Persona que se dedica el canto de manera profesional puede trabajar como solista o en bandas de distintos géneros como rock, pop, cumbia, salsa, opera, entre otros.
  10. Productor musical. Persona que se encarga de dirigir planear y visualizar una proyecto musical un proyecto musical y que participa en todas las etapas de producción del disco desarrolla y mejora la propuesta musical del artista ayudándolo a encontrar su propio sonido y estilo musical

Composición

  1. Arreglista. Persona encargada de ejecutar y adaptar diversas técnicas con la finalidad de dar un sonido diferente a las composiciones musicales, las cuales serán ejecutadas para un músico solista, banda musical, orquesta, especialista en dominar diversos géneros y técnicas musicales.
  2. Compositor (letras). Persona que se dedica a componer solamente letras de canciones normalmente es socio de empresas que protegen derechos de autor y registro sus composiciones.
  3. Compositor (música). Persona que se dedica a componer solamente la música para letras de canciones, normalmente es socio de empresas que protegen derechos de autor y registro sus composiciones.
  4. Compositor de bandas sonoras. Persona dedicada a la creación de música para cine y medios audiovisuales a través de diversos recursos tecnológicos
  5. Compositor de jingles persona encargada de crear música para medios publicitarios normalmente sucede que registra sus composiciones.
  6. Compositor de música para vídeo juegos. Persona encargada de crear la banda sonora para un vídeo juego reforzando el animación emoción e historia del juego.
  7. Orquestador. persona encargada de escribir música que será ejecutada por orquestas generalmente sinfónicas

Orquesta sinfónica

  1. Cantante lírico, persona con educación musical clásica que interpreta repertorios cómo Opera, Zarzuela, comedia musical y música popular ocasionalmente también se desempeña en la actuación
  2. Director musical, persona encargada de la dirección del artista banda Orquesta entre otros para el desarrollo de productos discográficos o producción en vivo
  3. Miembro de Orquesta, persona con educación musical clásica que pertenece a una sección dentro de la orquesta sinfónica cuerdas, metales, maderas, percusión entre otras
  4. Músico principal, persona encargada de guiar la realización musical durante la presentación, también suele encargarse de los ensayos y otorgar roles a otros músicos de la Orquesta. Normalmente suele presentarse en la sección de cuerdas como primer violín
  5. Solista, persona que se desempeña un rol protagónico durante la ejecución de una o más piezas clásicas musicales.

Tecnología de audio

  1. Director de escenario, stage manager encargado de organizar todos los elementos técnicos y escenográficos durante la actuación montaje y desmontaje
  2. Ingeniero de audio sonido, persona encargada de crear proyectos musicales con el productor musical desarrollando sistemas de audio para el aislamiento de ruido y acondicionamiento acústico se desempeña en una producción musical discográfica o en vivo
  3. Ingeniero de grabación, persona encargada exclusivamente de la grabación de un material musical operando y configurando el equipo de grabación que utilizará, también trabaja conjuntamente con el productor musical en la realización de determinadas producciones
  4. Ingeniero de mezcla y Mastering - Masterización. Producción musical, cuidando aspectos técnicos como la compresión y al resultado de la mezcla final encabeza la última etapa de una producción musical.
  5. Record producer o productor discográfico encargada de crear álbumes y pistas musicales, también maneja y dirige el desarrollo del álbum incluyendo la supervisión de las sesiones grabación.
  6. Técnico de backline persona que se encarga de asistir de manera técnica durante la grabación de una producción musical espectáculo en vivo

Gestión de negocios musicales

  1. Asesor financiero y contable persona encargada de vigilar, revisar, manejar la contabilidad del músico tomando en cuenta la generación de utilidades, su control y el pago de impuestos, debe considerar las opciones de inversión y manejo el dinero.
  2. Asesor legal, persona titulada en derecho, especializado en todas las materias legales que el negocio musical requiere para su funcionamiento. Se realizan negociaciones, revisa contratos, se encarga de la consultoría y la revisión de documentos legales
  3. Booking aggent o agente de contratación, persona encargada de manejar el material publicitario y promocional de los artistas; realiza contratos para los eventos y comunica a los artistas todo el negociado como parte de sus obligaciones dentro del espectáculo.
  4. Directivo de una compañía discográfica. Persona encargada de supervisar la grabación comercialización y distribución de la música o producir como también el manejo y dirección de las disqueras (virtuales o físicas) pertenecientes a la compañía
  5. Directivo de una sociedad de gestión autoral y editorial. Encargada de supervisar las ventas obtenidas por la distribución de material discográfico (física o virtual) registrado en una dicha sociedad
  6. Manager o representante de artistas persona que ASUME el cargo de promocionar representar y vender los servicios de un artista. Busca oportunidades para que el artista puede colocarse en el mercado y también hacerle conocer sus derechos y deberes de contrato y con el fisco. Ahora se llamara el e-manager.
  7. Operador de servicios logísticos de sonido e iluminación externa o interna, encargado de administrar, controlar, planear, coordinar y dirigir todos los servicios que apoyan ejecución de uno o varios eventos, puede trabajar por subcontratación.
  8. Organizador de eventos musicales, persona responsable de la administración de una organización o fuera de ella de programar controlar y supervisar todos los aspectos de logística y además requerimientos.
  9. Productor ejecutivo, persona responsable de la elaboración integral y coordinada de un producto musical Ya sea un material discográfico un evento energía musical u otros
  10. Publisher, editor de música personas que manejan los diversos canales para hacer conocida la música de los diferentes actores de la cadena productiva de la industria musical utilizar todos los canales de distribución y plataformas digitales.
  11. Representante A&R, persona que desarrolla artistas y su repertorio, se encarga de la búsqueda de nuevos ejecutantes, bandas y productos musicales y de supervisar su carrera, en algunos casos actúa como enlace entre los otros artistas y la empresa.
  12. Tour manager o representante de la gira del artista, responsable de la gestión de las programaciones logísticas del viaje, pagos y cobranzas, y fuera del caso, cualquier eventualidad ee imprevisto que surjan en una gira.

Relaciones públicas y publicidad

  1. Asesor de prensa encargado de hacer trascender la música, analizar críticamente lo publicado en los diferentes medios de comunicación y mantener informado el artista y su manager.
  2. Especialista en marketing musical, persona que desarrolla actividades para la satisfacción del consumidor a través de un producto o servicio de índole musical, realiza investigaciones o sondeos de Mercado, publicidad promoción entre otras funciones del marketing mix.
  3. Periodista especialista en temas musicales, persona de la carrera de periodismo que se encarga de escribir sobre crítica musical, difusión musical y noticias relacionadas con la música en los diferentes medios de comunicación social.
  4. Webmaster o desarrollador de contenidos, persona responsable de que un sitio web funcione ordenadamente y este actualizado, se encarga de desarrollarlo, hacerlo funcionar, coordinarlo y administrar los contenidos del sitio.

Radio y televisión

  1. Conductor (Dj Vj), persona que se encarga de presentar la música seleccionada por el programador, discutir sobre temas musicales y comentar sobre la escena musical local.
  2. Gestor o administrador, persona con conocimientos prácticos y conceptuales de gestión de empresas de radio y televisión que ofrezcan contenidos musicales debe desarrollar proyectos musicales y detectar oportunidades de negocio.
  3. Programador musical, persona que labora en el ambiente radial y televisivo, encargado de seleccionar la música que será distribuida por dichos medios, ya sea de manera diaria o semanal.

Educación musical

  1. Clinicista, persona que se ha especializado en instrumento específico, participa de exposiciones y clases maestras en donde expone sus técnicas estilos, géneros, especialidad y hasta en algunos casos marca instrumentos o equipos a los que representa.
  2. Docente en música, persona encargada de impartir conocimientos teóricos y prácticos en cualquier campo de la actividad musical o negocios musicales. Puede ser a nivel universitario en educación superior, técnica, secundaria y primaria.
  3. Profesor particular de música, persona que elabora de manera particular e independiente, impartiendo conocimientos teóricos y prácticos según el nivel del alumno.

Otros roles en actividad musical

  1. Administrador de estudios de grabación, persona encargada de supervisar, planear, coordinar, dirigir y controlar las grabaciones discográficas.
  2. Administrador de salas de ensayo, encargado de supervisar, planear, coordinar dirigir y controlar todo lo relacionado con los espacios físicos donde los músicos ejecutantes realizan prácticas.
  3. Especialista en importación de instrumentos, realiza actividades relacionadas con la importación de instrumentos musicales, ya sean nacionales o internacionales.
  4. Especialista en comercio y venta de instrumentos, persona encargada de la venta instrumentos musicales, exportación instrumentos, servicio de marketing y servicios de reparación.
  5. Especialista en teatro musical, persona que desarrolla los roles del productor guionista director de músicos en escena actor cantante y bailarín otros para la realización de diversas obras de teatro musical.
  6. Especialista en bioacústica, ocupación nueva para emergente en la música que tiene relación con los aspectos fisiológicos y psicológicos en la recepción y producción de sonidos en seres vivos.
  7. Luthier, Persona que se dedica a la fabricación de diversos tipos de instrumentos así como el mantenimiento de los mismos, es una labor que requiere destrezas especiales especiales tanto en la música como en los materiales con los que se fabrica cada instrumento.
  8. Músico ambulante, persona que desarrolla prácticas musicales en lugares públicos, sus ingresos son las propinas voluntarias de las personas que les dan. Latinoamerica se ha desarrollado una cultura de emprendimiento sobre el tema.
  9. Musicoterapeuta. Persona que busca mejorar el bienestar físico, cognitivo y social a través de la música, ya sea por medio de un instrumento o la ejecución vocal. La musicoterapia ayuda a disminuir la ansiedad incrementando el optimismo y disminuyendo el dolor.
  10. Youtuber, persona que difunde y/o realiza a través de esta red social (pueden ser otras también como Facebook) cualquier actividad de las mencionadas anteriormente.

WE ROCK!

Antes de que te retires si ya estas trocando con tu banda mira este vídeo. 

sábado, 14 de marzo de 2020

Las excentricidades de Gibson



Hasta finales de los años 50 los diseños, de las guitarras Gibson de cuerpo macizo habían sido muy tradicionlaes. Pero todo aquello cambió con lo que la compañía llama bases guitarras "modernistas": la Flying V, la Explorer y la Moderne. Antes de que aparecieran estos modelos, de guitarras eléctricas de cuerpo macizo se habían atendido al diseño clásico de la guitarra acústica: un cuerpo redondeado, dividido en dos por una "cintura", y con la curva inferior más ancha de la superior.
Pero el terceto de excentricidades de la Gibson presentaba formas completamente originales y muy atrevidas.


Flying V 1958 (arriba)


Esta primera versión es una rareza, ya que sólo se construyeron una 100 antes de interrumpir la producción en 1959, y por lo tanto está muy cotizada. Entre 1967 y 1979 se fabricó una versión con diferentes diseños de controles y apliques normales. Y en 1983 Gibson reeditó el modelo original.



Ted McCarthy, ex presidente de la Gibson, creó las nuevas formas sustituyendo las "tradicionales" líneas curvas o rectas más "modernas", lo cual representa un cambio muy radical de para la época. Tan radical que se encontró con una reacción negativa de los distribuidores y los músicos. A pesar de las expectativas de la empresa, ninguna de estas guitarras heterodoxas se vendió bien, y su producción se canceló acabo de 2 años. Muchos años después, aquellos raros ejemplares empezaron a cotizarse, el renovado interés impulsó a otros fabricantes utilizar los estilos Flying V y Explorer. La propia empresa Gibson ha lanzado algunas reediciones, así como versiones actualizadas de los diseños Explorer y Flying V, de lo cual demuestra que aquellas guitarras innovadoras se adelantaron a su tiempo.

Firebird "invertido" (1963-65)

En 1963, Gibson lanzó la primera serie de modelos Firebird, en cuyo diseño participó el diseñador de automóviles Ray Dietrich, con la clara intención de competir con Fender. Los cuatros modelos I, II, V y VII, llevaban pastillas humbuckers especiales, y todos menos el I tenía cordal con vibrato.



Estas fueron las primeras guitarras Gibson en las que el mástil atravesaba el cuerpo de parte a parte con un par de "alas" añadidas a los costados para completar la forma.
Pero no se vendieron bien y en 1935 se reformó radicalmente su diseño.


Firebird "no invertida" (1965-69)

Gibson no quería correr riesgos con las nuevas Firebird, y prescindió del innovador diseño de atrás a adelante el mástil encolado el cuerpo en lugar de continuar a todo lo largo del mismo que resultaba más caro. Las clavijas regresaron al lateral superior del clavijero y en los modelos I y III se instalaron pastillas P90 de bobina única.

A pesar de los cambios y de mayor permanencia en el mercado, tampoco estas Firebird tuvieron mucho éxito, aunque las versiones "invertidas" empezaron a cotizarse en años posteriores, dando lugar a imitaciones y reediciones de la propia casa Gibson.




domingo, 8 de marzo de 2020

¿Qué es un Cuarteto de base?

Saludos amigo, el formato mas usado en la actualidad para una banda es de 4 personas, aunque hay de 3, 5 o mas... Esto no siempre fue así. En este articulo les explicare como fue evolucionando los ensambles en la historia reciente de los grupos y bandas de rock. 

Lo que ahora se llama cuarteto de base (bajo, batería, voz y guitarra) fue un día trío de base (lo mismo pero sin guitarra). Siempre se ha preguntado cómo se consigue colarse la guitarra en el formato básico de grupo moderno. La pregunta es ¿por qué ocurrió y cuándo ocurrió?




Debemos irnos en las primeras décadas del siglo pasado, más concretamente a Nueva Orleans, para encontrar la raíz del asunto y para comprenderlo hemos de ponernos en situación. 

Los tríos de base que trabajaban en las salas de Nuevo Orleans usaban el piano como una pieza insustituible, por su triple función de instrumento rítmico, armónico y melódico. Muchos músicos se ganaban también la vida en las "marching band", es decir tocando de día en la calle (o en fiestas privadas). Es un hecho, el pianista no podía entonces salir a la calle llevando su piano a cuestas. El instrumento armónico que sufrió el piano en la calle fue el banjo. Sus características sonoras para suplir el piano como instrumento armónico al aire libre eran perfectas: gran ataque, gran proyección de sonido y peso discreto. Basta con que nos detengamos a imaginarlo por un momento, para darnos cuenta de que una guitarra acústica rodeada de instrumentos de viento, en plena calle, no podía rivalizar con el banjo en ningún aspecto. 



Es una de las razones por las cuales se produjo un gran auge de las "banjistas" a lo largo de los dos primeras décadas del siglo, porque su presencia en los trabajos diurnos se hacía insustituible. Como parte activa de la banda, alguno de esos banjistas debieron aprender a tocar la guitarra. Ya en las salas de baile, por la noche, los temas más lentos y delicados no se lleva nada bien con la sonoridad nasal y estridente del banjo. De modo que el banjista tomaba entonces la guitarra. Lo cual no significa que algunas bandas no dispusieran ya de guitarristas en plantilla. Y puestos en situación, es de sentido común ni imaginar el sufrimiento de nuestro pobre guitarrista, rodeado por saxo, trompetas, trombones y demás sin oírse las demás veces. 

Los hubo, aunque las primeras grandes orquestas tuvieron una función exclusivamente rítmica: marcar los cambios armónicos, apoyarse en las negras y estar muy pendientes del pianista. Pero los guitarristas de esa época no tuvieron el derecho a turno de su propio, única y exclusivamente por causa de su falta de volumen. 

En la década de los 30 comienzan a aparecer iniciativas para solucionar el problema. Eddie Durham, en la orquesta de Bennie Moten (1932), acerca de su guitarra resonadora el micrófono, hasta casi tocar lo durante su turno de solo, y según se dice fue uno de los primeros guitarristas en asumir también el papel de solista. 




Hasta la aparición de las primeras guitarras eléctricas no se consolida el papel del guitarrista en el cuarteto de base. En 1935, un joven guitarrista blanco de Chicago, George Barnes, pasa a la historia por ser el primero en grabar una guitarra eléctrica. Confesó haber tenido muchos problemas con las instalaciones eléctricas de la salas, pues las tomas de corriente es más normales eran de corriente continua y no de alterna. 

La aparición de los primeros amplis de guitarra (con apenas 15 vatios de potencia), fue una experiencia liberadora para olvidar lista de principios de siglo, pues ellos conocieron en sus carnes la diferencia entre ser apenas incluidos por el público o claramente escuchados y seguidos, sobre todo ¡como solistas!

Con la plaza guitarra ya fija en el cuarteto, se crea un puente armónico y tímbrico entre el piano y el bajo que antes no existía. De modo que la triple dimensión de la guitarra (armonía, ritmo y melodía) aligerar a los antiguos componentes del trío de muchas de sus funciones: el pianista deja de picar piedra, el bajista tiene doble apoyo armónico y el bate y el batería cuenta con una nueva pieza que puede resultar valiosísima.



La consolidación de la guitarra en el cuarteto de base se produjo a lo largo del periodo de 1935 a 1940. Y de nuevo funcionó el principio estar en el momento y en el lugar adecuados. Porque uno de los primeros grandes divulgadores de la guitarra eléctrica fue Charlie Christian. La meteórica carrera de Christian se debió tanto a su gran talento natural como su sólida formación musical. Pero, además, estuvo en el lugar y en el momento adecuados (junto a los valientes pioneros del be-bop) usando una guitarra eléctrica: ES 150, modelo que Gibson bautizó con su nombre y esa fue en opinión de muchos la catapulta definitiva de una manera lenta pero progresiva más y más formaciones adoptan el nuevo formato de cuarteto base. Pero paralelamente surge una nueva forma de trío base más elástica manejable: la batería, el bajo y la guitarra eléctrica.

lunes, 2 de marzo de 2020

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jueves, 27 de febrero de 2020

Iniciación vibrato



Recuerdo que uno de mis ex alumnos me mencionaba que el nunca usaría el bend y vibrato porque eso era "blusero", y que el tocaba metal solamente. Grande es mi sopesa y lógica también, que en la actualidad usa esas técnicas siempre. En este articulo mencionare algunas claves, a saber, para aprender a manejar este recurso tan necesario e importante. 

El uso del vibrato puede convertir un solo sencillo en algo que suene muy intenso. Cómo guitarristas, necesitamos sacar el máximo partido de cada nota que tocamos. Una de las maneras más efectivas para conseguirlo es mediante el uso de la técnica del vibrato. Está funciona variando repetida y ligeramente la afinación de una nota y ayuda a transmitir mayor expresión en las notas largas.


Tipos de vibrato

Hay tres tipos de básicos de vibrato:
  1. Vibrato horizontal:  Toca una nota del diapasón y desplaza la cuerda de lado a lado (izquierda - derecha). Mantén el contacto con la cuerda pero aleja el pulgar de la parte trasera del mástil este tipo de vibrato incrementará el sustain con sólo una ligera variación en la afinación.
  2. Vibrato de muñeca: Mientras el primer dedo pulso en la nota, se puede modificar sustancialmente la afinación rotando la muñeca repetidamente. Este es uno de los vibratos que mejor suena y puede enfatizar un sonido dulce de la guitarra. Sin embargo sólo puede usarse con notas que toque con el dedo índice el maestro indiscutible de esta técnica es leyenda de BB King. BB tiende a mantener el pulgar en el revés del mástil para tener un vibrato rápido, pero con una ligera variación de la afinación; es el llamado stinger vibrato otros guitarristas como Eric Clapton, prefieren alejar El pulgar del mástil para conseguir un vibrato más lento y con una modulación de la afinación más amplia.
  3. Vibrato vertical: Cuando pulses una nota mueve la cuerda arriba y abajo asegurándote de que regrese vuelva la afinación original. Este tipo de vibrato es ideal para añadirlo cuando tocamos una nota con bending, de esta manera se añade más sustain a la nota en cuestión. Dos buenos ejemplos de esta técnica serían, Peter Green y Paul kossoff.  Ritchie Blackmore prefiere usar un vibrato muy rápido después de hacer un bending en cambio Gary Moore y Malmsteen se decantan por un vibrato extremadamente amplio mientras realiza un venden con los dedos 1 y 2.
Mira los 5 vídeos preparados para ti. Para dominar paso a paso estas técnicas...


WE ROCK!

lunes, 17 de febrero de 2020

La Telecaster - HISTORIA


La Fender Telecaster es la guitarra eléctrica maciza que más tiempo lleva fabricándose. Su sencillo y brillante diseño tiene tanta aceptación en la actualidad como cuando se presentó al público en 1951.

En realidad la Telecaster es la misma interna que Leo Fender había presentado un año antes con el nombre de Broadcaster. Hubo que cambiarle el nombre porque Gretsh lo tenía registrado con anterioridad pero el nombre de Telecaster encantó Leo Fender y sus colaboradores del pequeño taller de Fullerton, California, porque la sucesión verbal con un medio en pleno auge como era entonces la televisión, le daban unas connotaciones de modernidad muy adecuadas para un instrumento Igualmente innovado, la primera guitarra eléctrica de cuerpo macizo que salía al mercado.




La Telecaster conocida en forma abreviada como "tele", se caracteriza por su sonido brillante e incisivo y por su facilidad de manejo. Por esta razón es atraído a lo largo de su prolongada historia, a músicos de todos los estilos. Sin embargo han sido los músicos country los que han apreciado sus servicios en especial, su capacidad para emular, si se la sabe tocar los sonidos de un steel guitar. 

El Secreto del sonido de la Telecaster reside en el puente. Las cuerdas atraviesan el cuerpo y se sujetan al dorso mediante 6 virolas, lo cual aumenta la solidez y el mantenimiento del sonido. El puente lleva incorporada una pastilla en posición oblicua, que realza los tonos agudos de la guitarra.

Sea cual sea la causa, el distintivo sonido de la Telecaster garantiza que, por lo menos durante 40 años más, el instrumento seguir atrayendo a los guitarristas que valoran ante todo la sencillez, eficacia y la versatilidad.



La evolución de la Telecaster

La Telecaster ha experimentado muy pocas modificaciones durante sus 40 años de historia. Pocas son las guitarras que han sobrevivido a la mitad de este tiempo sin sufrir importantes cambios. Pero no cabe duda que Fender se dio cuenta desde un principio que el éxito de la Telecaster y va a depender de una gran medida en su escuela sencillez. Sobre estas líneas presentamos las tres únicas modificaciones oficiales introducidas en el la Telecaster original, que es garantizada por su mástil de arce, su acabado natural amarillento y su golpeador negro.

Pero Fender no dejó la Telecaster completamente sola. Además de las variantes que aparecen a la derecha, podemos mencionar a la versión Custom de la Telecaster, que se fabricó entre 1959 y 1970, con acabado "sunburst" cuerpo con reborde. No se la debe confundir con la Telecaster Custom que apareció en los años 70, fácilmente identificable por su pastilla humbucker.



En los años 80, la reducción de costes dio origen al modelo Standard, que tuvo una corta existencia y cuya principal diferencia consistía en las cuerdas no atraviesan el cuerpo, lo cual hacía perder el característico sonido Telecaster. Los dorados hicieron fugaces apariciones en la Telecaster Black Gold, de acabado negro y en la versión Gold de la Telecaster Elite.


martes, 11 de febrero de 2020

¡CABLES, uno barato por favor!


Ahora viene el raje, pero no me importa espero que podamos abrir la cabezota con esta pequeñita investigación que hice toda la madrugada y mi experiencia como profesor ... ahí va:

En la práctica, los que saben dicen que un buen cable suena más "brillante". Así que fíjense, solamente con usar buenos cables es posible mejorar la respuesta tanto de graves como de agudos ¿Fácil, no? Bueno, por ahí no es tan sencillo, pero sí es cierto que una de las cosas a las que menos le prestamos atención es a un cable. Y eso que este elemento es nada más ni nada menos que el responsable directo de transmitir nuestro sonido hasta el amplificador. La calidad del sonido va dependiendo que uso les vayas a dar, un cable apantallado de mucha calidad, te va a transmitir el sonido fielmente, y sin casi nada de ruido, recuerda que entre mas largo el cable mas posibilidades tienes de que el sonido disminuya, y que se capten frecuencias ajenas a tu guitarra (vamos a decir sonidos raros). Definitivamente el oro es mejor conductor que el cobre (material interno del cual están hecho el 99% de cables), eso es obvio, pero el oro es mucho mas caro :

(Extracto de un diálogo de un ing. De sonido) “El oro exhibe un color amarillo en bruto. Es considerado como el metal más maleable y dúctil que se conoce.1 Una onza (31,10 g) de oro puede moldearse en una lámina que cubra 28 m2. Como es un metal blando, son frecuentes las aleaciones con otros metales con el fin de proporcionarle dureza.”



Además, es un buen conductor del calor y de la electricidad, y no le afecta el aire ni la mayoría de los agentes químicos. Tiene una alta resistencia a la alteración química por parte del calor, la humedad y la mayoría de los agentes corrosivos, y así está bien adaptado a su uso en la acuñación de monedas y en la joyería.

La plata también es muy buena conductora, por ejemplo antes teníamos los cables MONSTER no meten nada de ruido, además hay otros como el Planet Waves libre de oxigeno con muy buenos conductores, apantallados , y que transmiten el sonido lo más fielmente posible...

 "Cuánto cuestan los cables? Dame el más barato, total..." No es lo mismo un cable de $8 soles que uno de $50, por más que tengan el mismo largo. ¿Porqué? Muy simple, porque los materiales con los que están hechos no son los mismos. Un cable de baja calidad para instrumentos puede ser ruidoso y poco confiable. El enmallado tiene que estar ajustado y el aislamiento interno tiene que ser lo suficientemente bueno como para prevenir que las señales altas se filtren a la masa. Y ni que hablar de los plugs. Olvídense de aquellos en donde cable y plug sea todo una misma cosa.

Y bueno, después de varias pruebas en mi vida profesional y de enseñanza me he sorprendido de lo que cambia el sonido y la nitidez de una guitarra eléctrica con un cable de calidad.

Te recomido que veas este vídeo con detalles precisos acerca de lo hablado.  WE ROCK!