sábado, 14 de marzo de 2020

Las excentricidades de Gibson



Hasta finales de los años 50 los diseños, de las guitarras Gibson de cuerpo macizo habían sido muy tradicionlaes. Pero todo aquello cambió con lo que la compañía llama bases guitarras "modernistas": la Flying V, la Explorer y la Moderne. Antes de que aparecieran estos modelos, de guitarras eléctricas de cuerpo macizo se habían atendido al diseño clásico de la guitarra acústica: un cuerpo redondeado, dividido en dos por una "cintura", y con la curva inferior más ancha de la superior.
Pero el terceto de excentricidades de la Gibson presentaba formas completamente originales y muy atrevidas.


Flying V 1958 (arriba)


Esta primera versión es una rareza, ya que sólo se construyeron una 100 antes de interrumpir la producción en 1959, y por lo tanto está muy cotizada. Entre 1967 y 1979 se fabricó una versión con diferentes diseños de controles y apliques normales. Y en 1983 Gibson reeditó el modelo original.



Ted McCarthy, ex presidente de la Gibson, creó las nuevas formas sustituyendo las "tradicionales" líneas curvas o rectas más "modernas", lo cual representa un cambio muy radical de para la época. Tan radical que se encontró con una reacción negativa de los distribuidores y los músicos. A pesar de las expectativas de la empresa, ninguna de estas guitarras heterodoxas se vendió bien, y su producción se canceló acabo de 2 años. Muchos años después, aquellos raros ejemplares empezaron a cotizarse, el renovado interés impulsó a otros fabricantes utilizar los estilos Flying V y Explorer. La propia empresa Gibson ha lanzado algunas reediciones, así como versiones actualizadas de los diseños Explorer y Flying V, de lo cual demuestra que aquellas guitarras innovadoras se adelantaron a su tiempo.

Firebird "invertido" (1963-65)

En 1963, Gibson lanzó la primera serie de modelos Firebird, en cuyo diseño participó el diseñador de automóviles Ray Dietrich, con la clara intención de competir con Fender. Los cuatros modelos I, II, V y VII, llevaban pastillas humbuckers especiales, y todos menos el I tenía cordal con vibrato.



Estas fueron las primeras guitarras Gibson en las que el mástil atravesaba el cuerpo de parte a parte con un par de "alas" añadidas a los costados para completar la forma.
Pero no se vendieron bien y en 1935 se reformó radicalmente su diseño.


Firebird "no invertida" (1965-69)

Gibson no quería correr riesgos con las nuevas Firebird, y prescindió del innovador diseño de atrás a adelante el mástil encolado el cuerpo en lugar de continuar a todo lo largo del mismo que resultaba más caro. Las clavijas regresaron al lateral superior del clavijero y en los modelos I y III se instalaron pastillas P90 de bobina única.

A pesar de los cambios y de mayor permanencia en el mercado, tampoco estas Firebird tuvieron mucho éxito, aunque las versiones "invertidas" empezaron a cotizarse en años posteriores, dando lugar a imitaciones y reediciones de la propia casa Gibson.




domingo, 8 de marzo de 2020

¿Qué es un Cuarteto de base?

Saludos amigo, el formato mas usado en la actualidad para una banda es de 4 personas, aunque hay de 3, 5 o mas... Esto no siempre fue así. En este articulo les explicare como fue evolucionando los ensambles en la historia reciente de los grupos y bandas de rock. 

Lo que ahora se llama cuarteto de base (bajo, batería, voz y guitarra) fue un día trío de base (lo mismo pero sin guitarra). Siempre se ha preguntado cómo se consigue colarse la guitarra en el formato básico de grupo moderno. La pregunta es ¿por qué ocurrió y cuándo ocurrió?




Debemos irnos en las primeras décadas del siglo pasado, más concretamente a Nueva Orleans, para encontrar la raíz del asunto y para comprenderlo hemos de ponernos en situación. 

Los tríos de base que trabajaban en las salas de Nuevo Orleans usaban el piano como una pieza insustituible, por su triple función de instrumento rítmico, armónico y melódico. Muchos músicos se ganaban también la vida en las "marching band", es decir tocando de día en la calle (o en fiestas privadas). Es un hecho, el pianista no podía entonces salir a la calle llevando su piano a cuestas. El instrumento armónico que sufrió el piano en la calle fue el banjo. Sus características sonoras para suplir el piano como instrumento armónico al aire libre eran perfectas: gran ataque, gran proyección de sonido y peso discreto. Basta con que nos detengamos a imaginarlo por un momento, para darnos cuenta de que una guitarra acústica rodeada de instrumentos de viento, en plena calle, no podía rivalizar con el banjo en ningún aspecto. 



Es una de las razones por las cuales se produjo un gran auge de las "banjistas" a lo largo de los dos primeras décadas del siglo, porque su presencia en los trabajos diurnos se hacía insustituible. Como parte activa de la banda, alguno de esos banjistas debieron aprender a tocar la guitarra. Ya en las salas de baile, por la noche, los temas más lentos y delicados no se lleva nada bien con la sonoridad nasal y estridente del banjo. De modo que el banjista tomaba entonces la guitarra. Lo cual no significa que algunas bandas no dispusieran ya de guitarristas en plantilla. Y puestos en situación, es de sentido común ni imaginar el sufrimiento de nuestro pobre guitarrista, rodeado por saxo, trompetas, trombones y demás sin oírse las demás veces. 

Los hubo, aunque las primeras grandes orquestas tuvieron una función exclusivamente rítmica: marcar los cambios armónicos, apoyarse en las negras y estar muy pendientes del pianista. Pero los guitarristas de esa época no tuvieron el derecho a turno de su propio, única y exclusivamente por causa de su falta de volumen. 

En la década de los 30 comienzan a aparecer iniciativas para solucionar el problema. Eddie Durham, en la orquesta de Bennie Moten (1932), acerca de su guitarra resonadora el micrófono, hasta casi tocar lo durante su turno de solo, y según se dice fue uno de los primeros guitarristas en asumir también el papel de solista. 




Hasta la aparición de las primeras guitarras eléctricas no se consolida el papel del guitarrista en el cuarteto de base. En 1935, un joven guitarrista blanco de Chicago, George Barnes, pasa a la historia por ser el primero en grabar una guitarra eléctrica. Confesó haber tenido muchos problemas con las instalaciones eléctricas de la salas, pues las tomas de corriente es más normales eran de corriente continua y no de alterna. 

La aparición de los primeros amplis de guitarra (con apenas 15 vatios de potencia), fue una experiencia liberadora para olvidar lista de principios de siglo, pues ellos conocieron en sus carnes la diferencia entre ser apenas incluidos por el público o claramente escuchados y seguidos, sobre todo ¡como solistas!

Con la plaza guitarra ya fija en el cuarteto, se crea un puente armónico y tímbrico entre el piano y el bajo que antes no existía. De modo que la triple dimensión de la guitarra (armonía, ritmo y melodía) aligerar a los antiguos componentes del trío de muchas de sus funciones: el pianista deja de picar piedra, el bajista tiene doble apoyo armónico y el bate y el batería cuenta con una nueva pieza que puede resultar valiosísima.



La consolidación de la guitarra en el cuarteto de base se produjo a lo largo del periodo de 1935 a 1940. Y de nuevo funcionó el principio estar en el momento y en el lugar adecuados. Porque uno de los primeros grandes divulgadores de la guitarra eléctrica fue Charlie Christian. La meteórica carrera de Christian se debió tanto a su gran talento natural como su sólida formación musical. Pero, además, estuvo en el lugar y en el momento adecuados (junto a los valientes pioneros del be-bop) usando una guitarra eléctrica: ES 150, modelo que Gibson bautizó con su nombre y esa fue en opinión de muchos la catapulta definitiva de una manera lenta pero progresiva más y más formaciones adoptan el nuevo formato de cuarteto base. Pero paralelamente surge una nueva forma de trío base más elástica manejable: la batería, el bajo y la guitarra eléctrica.

lunes, 2 de marzo de 2020