lunes, 26 de septiembre de 2016

El Ejercicio de sentir (vivir) una canción


Muchos grandes músicos en la historia de este tan bello arte como la música, nos han recomendado en muchas oportunidades tener la experiencia de sentir la interpretación cuando la tocamos. En este artículo mencionaremos qué es el vivir y disfrutar de la interpretación al momento que la tocamos para otros.

Cuando iniciamos a tocar algún instrumento, en este caso la guitarra, muchas veces agarramos una raqueta de tenis, una escoba, para simular que estamos tocando, pero algo bien interesante es que cuando tocamos ponemos gestos con el rostro, con las manos, con las piernas, etc. Toda una manifestación de que estamos haciendo una interpretación espectacular con señas, gestos y mímicas. Esto casi siempre pasa cuando estamos solos en nuestro cuarto, jijiji.

Esto desaparece a medida que nos hacemos más "serios" en la música, a medida van pasando los años en nuestros estudios musicales vamos enfatizando la perfección en nuestra ejecución y nos vamos olvidando de disfrutar y emocionarnos con el tema. Tanto así que cuando ya estamos parados en el escenario, estamos tan duros como una piedra. ¿Qué pasó con esos años donde saltábamos frenéticamente e incluso nos tirábamos al piso al momento de hacer la mímica en plena ejecución de la canción?

Ejercicio para volver a sentir una canción
Esta es una herramienta que he inventado en los ya casi 25 años de dictar clases y que la he probado en mis dos últimos años y medio de clínicas, en el 99 % de los casos me h resultado. ¿Qué voy a ganar con esto? Disfrutar de la canción y que el público también disfrute de mi ejecución. Aquí los 7 pasos:

1. Practica lo máximo que puedas una canción que ya domines. Este punto es importante ya que si no sacas bien la canción de nada servirán los puntos siguientes.

2. Si estás nervioso (nerviosa), no es malo, es muy bueno, eso significa que estás emocionado. Una persona que no tiene emociones es como una pila sin energía, no funciona para nada, lo único que tienes que hacer redirigir el nerviosismo. El punto clave aquí es el control. Este es el punto más extenso que me voy a tomar explicando. La primera vez que uno de los más granes guitarristas del rock Angus Young  se subió al escenario, estaba tan nervioso que cuando se paró de una silla para subir a tocar sus piernas le temblaban tanto que no se podía parar. Así que lo acompañaron a subir las escaleras ayudado por amigos. Lo único que pensó en ese momento es correr durante todo el concierto por el escenario, eso ahora es algo típico dentro de sus presentaciones, redirigió sus nervios, los perfeccionó, los controló y ahora es uno de los guitarristas más grandes del mundo.

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Para redireccionar nuestros nervios tenemos que encontrar el don que tengo y meterle fuerza a eso. En mi caso, cuando ejecuto un pasaje rápido como sweeps arpegios, licks y todas las frases que me gustan, en ese momento cierro los ojos y le doy mucha intensidad, siento y me digo "me encanta esta parte", de una forma consciente dialogo conmigo mismo por milésimas de segundo, escucho una voz interna que me habla. Aunque parezco esto esquizofrenia, poco a poco irá saliendo. Algunos cantantes utilizan el atril del micrófono, algunos bajistas golpean el bajo, algunos bateristas juegan con las baquetas y toda una seria de artilugios que tu puedes encontrarlos para direccionar tus nervios. Ojo, pero esto necesita control, por lo tanto, ese don que hayas encontrado para redireccionar tus nervios también lo tienes que ensayar... Ese es el truco.

3. Practicar tu ejecución en vivo sin instrumento, esto quiere decir que vas a imaginarte como lo estás haciendo delaten de gente y tu en escenario. A esto se le llama visualización.

4. Ensayar con instrumento y por momentos cerrar los ojos y sentir la emoción de tocar en vivo sin preocuparnos tanto de las notas. Este punto es clave porque si no he realizado el punto número 1, de nada servirá. Conozco mucha gente que dice "si no sabes toda la canción no importa, no te preocupes, lo importante es vivir el momento". Yo creo que la responsabilidad de sacar bien la canción es clave, claro mucha veces hemos sacado bien la canción y nos paramos equivocando en vivo, pero el margen de error será menor. El sentir o vivir una canción significa emocionarte con ella al momento de tocarla, para esto también sirve la visualización, porque entras en el mundo de la canción. Si la canción es de amor, siente amor, si la canción es de oscuridad, siento la oscuridad, si la canción es de esperanza, siente la esperanza.

5. Minutos antes de ejecutar una canción o realizar tu presentación, descansa, respira mucho y toma agua. Luego de eso, anda al baño... Y verás como estarás mucho más tranquilo y relajado.


6. Trata de aislarte por un tiempo de personas del público, invitados, fans, etc, para que sus comentarios no influyan en tu ejecución. El estar solo antes de tocar ayuda enormemente. Porque cuando tenemos mucha gente a nuestro alrededor nos pondrán más nerviosos. Salvo estés tomando alcohol o drogándote, que esto no es lo recomendable.

7. Siempre cuando vayas a iniciar el concierto dedícale a alguien  muy especial tu presentación. Si quieres decirlo en vivo lo haces, pero no hay necesidad, eso es solamente para ti.

Dentro de mis clínicas y presentaciones en vivo, cuando ejecuto mis temas trato de disfrutar y sentir el tema con los ojos cerrados (por pasajes). Ya los tengo bien memorizados, un ejemplo de esto es el solo principal de mi canción "Confused". Esta es la parte que siempre espero con ansias, por ejemplo, dentro de una canción.

Saludos, we rock.

miércoles, 21 de septiembre de 2016

¿Y si calibro yo mi guitarra?

Una de las preguntas más recurrentes en mi canal del YouTube y también sugerencia por supuesto (y que agradezco mucho) es acerca de realizar videos de calibración de guitarras y bajos. En este artículo les doy algunas sugerencias importantes de este tan hermoso arte, que constituye parte del gran arte de la luthería.




Cuando calibramos una guitarra necesitamos muchos conocimientos previos acerca de la construcción de la guitarra. La luthería es una tradición muy antigua que en la actualidad todavía se mantiene, es por esa razón que los mejores luthieres no solamente hacen sonar perfecto nuestra guitarra o bajo sino que también han estudiado  muchos años  con maestros reconocidos los cuales han practicado con cientos de instrumentos musicales para perfeccionar día a día su técnica.

Dentro de los libros de luthería podemos encontrar muchos componentes para el estudio y desarrollo del aprendizaje. Pero siempre con la supervisión del maestro luthier. Por lo tanto, la calibración es todo un arte que implica siempre la supervisión de alguien mayor en jerarquía de conocimientos y experiencia.



¿Qué pasaría si yo calibro mi guitarra?
La calibración es una práctica que se le hace a la guitarra 100 % científica ya que trabaja con medidas, escalas y tensiones muy precisas. Además de esto, los componentes que tiene nuestra guitarra tienen diferentes valores y medios de uso (esto quiere decir que todas las piezas tienen una razón de existir), si yo calibro mi guitarra sin supervisión, corro el riesgo de malograr mi guitarra de forma temporal o para siempre (con el "giro de la muerte": cuando el perno del alma se "roba" o se sale de su sitio). Por lo tanto, si por calibrar mal causa un desperfecto de la guitarra, esto te puede costar mucho más caro que ir a un luthier profesional.


Si quiero aprender a calibrar la única opción es asistir a talleres y cursos de calibración y si no tengo de la disponibilidad por diferentes razones, mejor calibra tu guitarra con alguien que sepa.

Los libros o videos que puedas encontrar solo te servirán como referencia pero sinceramente no te los recomiendo. He visto a muchos amigos, alumnos y ex-alumnos malograr sus guitarras terriblemente. La calibración no es una cuestión de juego, es una operación a tu instrumento.

lunes, 12 de septiembre de 2016

La fama vs La popularidad: La visión como profesor

Este artículo ha sido motivado por una lectura muy interesante publicada en la revista Somos de El Comercio Nro 1553, artículo escrito por Pedro Suárez Vertiz donde comenta algunas cosas acerca de los grupos y artistas peruanos. 


La diferencia que existe en niveles socio-económicos y culturales en nuestro continente es notoria cuando expresamos, cada uno, nuestro punto de vista acerca de lo que es importante al buscar el éxito de nuestro proyecto musical, y sea el estrato que sea, lo notamos claramente al agrupar a tres grandes categorías de músicos apenas estos se ponen a definir la problemática del artista moderno nacional: Músicos aspirantes, en formación y por ultimo músicos logrados. Entendiendo a músicos logrados a los que le ha llegado la prosperidad a su vida profesional. La mayoría de este tipo de músicos son conocidos, tienen fama y popularidad. Y cuando nos mencionan las claves acerca de cumplir con los objetivos soñados, con mucha autoridad, nos expresan gran cantidad de consejos y puntos de vista muy razonables, tanto así que aquellos que quieren triunfar y tener éxito en la música optamos por seguir sus aportes. Pero la realidad a veces es otra, y las circunstancias van cambiando. Es el caso actual de los artistas y músicos modernos en el presente. 



El liderazgo que ofrece un músico logrado en la opinión pública es importantísima ya que como "gestores, sostienen la continuidad cultural" (cita del artículo); sin embargo por ejemplo, muchas veces, por citar un caso, la mayoría de estudiantes de música tienen posiciones opuestas e incluso aversión a los artistas más conocidos y populares cuando se trata de hablar acerca de la fama y popularidad. ¿Por qué?


En nuestro país la mayoría de los estudiantes de música tienen una controversia entre la música comercial y lo que ellos prefieren, esto reforzado por la exigencia familiar y social del desconocimiento de qué es un músico en realidad. Este amor-odio a la música que generan los estudiantes hacia todo lo comercial o popular es una característica sobre todo en los inicios. En estos últimos 10 años las cosas han cambiado porque poco a poco vemos nuevos músicos y alumnos tocando desde baladas hasta electrónica, cumbia hasta metal, rock comercial hasta jazz... cosa que no era tan lógico y común en el pasado.  Así mismo, los conciertos nacionales cada vez son más populares y con más gente, podemos fácilmente comprar entradas para estos conciertos en los malls y centros comerciales. Ahora todavía existen carencias de todo tipo, sin embargo, en el artículo de Pedro creo que hay ciertas omisiones (lean el articulo y verán a que me refiero). 

La tecnología ha aumentado y mejorado el conocimiento y reconocimiento de las bandas nacionales, no solo en redes y plataformas virtuales, si no que la difusión de los productos musicales cambio dramáticamente. Cierto que falta difusión, pero estamos viviendo ya un cambio en el rock y pop sudamericano, más en nuestro país. Hace poco el ministro de cultura fue a un festival de metal peruano, esos son los avances que necesitamos por citar un ejemplo: Cambio de un paradigma con respecto a un genero musical e ir a los festivales.


Falta mejorar también nuestro tope (es decir nuestro referente y visión hacia donde vamos en el arte) musical cultural, nuestra visión internacional actual está dada por algunos peruanos que han triunfado en el exterior, y si bien estos son nuestros referentes, debemos apuntar más alto y la visión no solamente se puede basar en la experiencia de alguien reconocido y amado por nuestra sociedad.  Quizás siendo un músico querido o famoso, uno de nuestros máximos referentes, podría cumplir una etapa clave para el oyente, lector o fan al mencionar que nos falta para avanzar mas, pero para los estudiantes, los futuros músicos estos consejos u opiniones deben ir más arriba, para esto la fama y popularidad será una consecuencia del resultado de una visión no solo nacional, si no global (por no llamarla internacionalizada).


El tope es lo internacional, sin descuidar obviamente nuestras raíces, musicalmente hablando. Nuestros grandes ejemplos como Susana Baca, Eva Ayllón, Pedro Suárez Vertiz, Gian Marco, Charlie Parra, Damaris y otros conjuntos peruanos de cumbia han calado ya renombre internacional (si me olvido de algunos o no menciono a muchos, disculpen). Pues ahora como dice el refrán, cuando llegues a la cima, "sigue subiendo", es un imperativo para nuestros nuevos talentos que estarán  mucho mejor preparados porque en nuestras sociedades ya existen escuelas, universidades, institutos y gran cantidad de recursos de todo tipo no para alcanzar fama muy popularidad, sino también para elevar nuestras composiciones, mejorar profesionalmente como músicos y crear una gran movida peruana y latinoamericana de una gran generación que ya está gestándose. Ya grupos peruanos y muy jóvenes están girando a nivel internacional, esto ya es un hecho. No nos olvidemos.



Recordemos que el cariño y la popularidad es más rica cuando viene en conjunto así que avancemos todos, músicos, estudiantes, compositores, artistas e intérpretes.

WE ROCK!

La fama vs La popularidad: La visión como profesor

Este artículo ha sido motivado por una lectura muy interesante publicada en la revista Somos de El Comercio Nro 1553, artículo escrito por Pedro Suárez Vertiz donde comenta algunas cosas acerca de los grupos y artistas peruanos. 


La diferencia que existe en niveles socio-económicos y culturales en nuestro continente es notoria cuando expresamos, cada uno, nuestro punto de vista acerca de lo que es importante al buscar el éxito de nuestro proyecto musical, y sea el estrato que sea, lo notamos claramente al agrupar a tres grandes categorías de músicos apenas se ponen a definir la problemática del artista moderno nacioanl: Músicos aspirantes, en formación y por ultimo músicos logrados. Entendiendo a músicos logrados a los que le ha llegado la prosperidad a su vida profesional. La mayoría de este tipo de músicos son conocidos, tienen fama y popularidad. Y cuando nos mencionan las claves acerca de cumplir con los objetivos soñados, con mucha autoridad, nos expresan gran cantidad de consejos y puntos de vista muy razonables, tanto así que aquellos que quieren triunfar y tener éxito en la música optamos por seguir sus aportes. Pero la realidad a veces es otra, y las circunstancias van cambiando. Es el caso actual de los artistas y músicos modernos. 



El liderazgo que ofrece un músico logrado en la opinión pública es importantísima ya que como "gestores, sostienen mucha continuidad" (cita del artículo); sin embargo por ejemplo, muchas veces, por citar un caso, la mayoría de estudiantes de música tienen posiciones opuestas e incluso aversión a los artistas más conocidos y populares cuando se trata de hablar acerca de la fama y popularidad. ¿Por qué?


En nuestro país la mayoría de los estudiantes de música tienen una controversia entre la música comercial y lo que ellos prefieren, esto reforzado por la exigencia familiar y social del desconocimiento de qué es un músico. Este amor-odio a la música que generan los estudiantes hacia todo lo comercial o popular es una característica sobre todo en los inicios. En estos últimos 10 años las cosas han cambiado porque poco a poco vemos nuevos músicos y alumnos tocando desde baladas hasta electrónica, cumbia hasta metal, rock comercial hasta jazz... Así mismo, los conciertos nacionales cada vez son más populares y con más gente. Todavía existen carencias, sin embargo, en el artículo de Pedro creo que hay ciertos errores. La tecnología ha aumentado y mejorado el conocimiento y reconocimiento de las bandas  nacionales... Cierto que falta difusión, pero estamos viviendo un cambio en el rock y pop sudamericano, más en nuestro país.



Falta mejorar también nuestro tope musical cultural, nuestra visión internacional está dado por algunos peruanos que han triunfado en el exterior, y si bien estos son nuestros referentes, debemos apuntar más alto y la visión no solamente se puede basar en la experiencia de alguien reconocido, y quizás siendo un musico querido o famosos uno de nuestros máximos referentes podría cumplir una etapa clave pero los estudiantes, los futuros músicos deben ir más arriba, para esto la fama y popularidad será una consecuencia del resultado de una visión no solo nacional, si no global (por no llamarla internacionalizada).


El tope es lo internacional, sin descuidar obviamente nuestras raíces, musicalmente hablando. Nuestros grandes ejemplos como Susana Baca, Eva Ayllón, Pedro Suárez Vertiz, Gian Marco, Charlie Parra, Damaris y otros conjuntos peruanos de cumbia han calado ya renombre internacional (si me olvido de algunos, disculpen). Pues ahora como dice el refrán, cuando llegues a la cima, "sigue subiendo", es un imperativo para nuestros nuevos talentos que estarán  mucho mejor preparados porque en nuestras sociedades ya existen escuelas, universidades, institutos y gran cantidad de recursos de todo tipo no para alcanzar fama muy popularidad, sino también para elevar nuestras composiciones, mejorar profesionalmente como músicos y crear una gran movida peruana y latinoamericana de una gran generación que ya está por venir.



No nos olvidemos de que el cariño y la popularidad es más rica cuando viene en conjunto así que avancemos todos, músicos, estudiantes, compositores, artistas, intérpretes y más.