sábado, 8 de diciembre de 2018

¿Qué cualidades debe reunir un buen músico?


Aquí una publicación que leí y me pareció super, hay mas cualidades extra musicales que las mismas para ser un buen músico jijijiji: 

+Técnica adecuada

Saber tocar bien su instrumento, sea el nivel de virtuosismo que tenga ( osea , a parte del dominio de velocidad y precisión que tenga en su instrumento, debe saber como tocarlo y sacar el sonido adecuado). 

 +Conocimiento 

De la capacidad sonora de su instrumento ( debe poder manejar todos los tipos de sonidos y matices que puede lograr con su instrumento) y de el carácter de su instrumento, quiere decir que en un contexto de banda, donde hay que tocar canciones y no solamente hacer solos, un músico debe saber cual es el papel y el carácter adecuado para su instrumento, y poner primero la musicalidad del grupo frente a su auto-indulgencia por resaltar frente a los demás.

 +Disciplina y amor

Por el instrumento (practicar disciplinadamente su instrumento, estar interesado en mejorar y sentir que cada vez toca mejor o conoce mejor su instrumento o instrumentos.  

+Vocabulario musical 

Si bien esto puede variar, la música tiene un vocabulario que es importante saber para trabajar con otros músicos, y uno debe tratar de aprender todo lo que pueda de el, así como también de teoría musical abstracta.

Cualidades extra-musicales 

+Humildad

Un músico jamas termina de aprender, y nadie tiene todas las respuestas o las mejores ideas por encima de todos. Un músico debe explicar y argumentar porque sus ideas deben ser usadas y no simplemente apelar a superioridad o altanería. 

 +Respeto 

Respetar ideas contrarias, géneros contrarios con valor musical, y a músicos principiantes que no tengan el mismo nivel de habilidad natural o tengan mas dificultades que uno.

 +Honestidad

La música es también un negocio y una responsabilidad. Un músico , especialmente profesional, debe dejar las cosas claras con sus contratistas u otros músicos y discutir los tabúes del negocio musical para poder obtener el mejor resultado para el y para todos los demás.

 +Curiosidad 

Sea el genero que sea, y el instrumento que sea, un puede aprender de otro músico algo nuevo, y preguntar con humildad y respeto por conocimiento nuevo siempre es bien visto. No olvidar agradecer por las enseñanzas que recibes.

ESCRITO POR LUX (YAHOO)


domingo, 2 de diciembre de 2018

CLASES CON KIKE, ultima promoción del 2018

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IMPORTANTE LAS SIGUIENTES PROMOCIONES NO son validas para PERÚ. Para precios vigentes en Perú ir al siguiente LINK: Escuela Mastermusic



viernes, 30 de noviembre de 2018

4 Impactos tecnológicos para los guitarristas


En mis redes sociales y canal de Youtube el mayor tema de preguntas es sobre equipos: El amplificador, el pedal , el cable, la guitarra e inclusive preguntas sobre las diferentes formas de grabación, todas están orientadas a tener un mejor sonido. Así como cuando hablamos de tecnología casi todos se refieren al celular, la tablet o la laptop en el YouTube, sucede exactamente igual cuando hablas de tecnología en la guitarra. En este artículo hablaremos de la importancia que tiene estar al día con la tecnología y a la vez de esos momentos de cada músico, sea el nivel que fuere, en la que ya no es tan importante las innovaciones tecnológicas, si no de tu propio toque.

Los amplificadores con efectos incluidos 

Ya puedes sincronizar tu celular al amplificador, mandarle una pista y programar los efectos cuando desees. La utilidad es beneficiosa para aquel que está aprendiendo a diferenciar sonidos como el flanger, chorus, delay, etc. Pero a medida que el  oído del músico se va refinando vas encontrando algunos detalles que antes no escuchabas más aún cuando entras a un estudio de grabación, o quieres emular el sonido de uno de tus guitarristas favoritos.
Si comparas un amplificador con efectos incluidos y un amplificador a tubos (este ultimo con efectos) te darás cuenta que la diferencia es abismal. Lo análogo tiene un brillo y definición muy especial que no lo encuentras en cualquier amplificador que tenga todo incorporado.... por ahora la tecnología de amplificadores con EFXs aun no ha llegado a superarlos.

Los emuladores y procesadores de última generación

Todavía muchos de ellos son muy costosos, sin embargo la fidelidad a crecido notablemente al tal punto que muchos músicos profesionales solamente los usan inclusive para tocar en vivo (sin participar de amplificadores y efectos físicos), estamos hablando del Fractal, el Kemper y el Helix entre los más conocidos.  ¿Y porqué han sido también acogidos a pesar de su precio? La respuesta es muy simple y obvia, su gran facilidad de conectividad y transporte (aparte de su gran sonido por supuesto).

Software y plugins

Nadie se imaginaría en los 70's u 80's que  un programa podría suplantar a un stack completo de Marshall o recrear el sonido del propio Slash con presionar solo una tecla. Y es así como poco a poco los grandes equipos y todo el hardware utilizado en años pasados se va resumiendo simplemente en un programa. Que quizás aún no alcanza el nivel de los amplificadores con efectos incluidos, pero si proporciona grandes beneficios como por ejemplo el grabar directamente a la computadora, sin necesidad de ir a un estudio de grabación.

Tablet y smartphone

Ya es posible conectar tu guitarra o bajo aquí, inclusive puedes hacer un recital en la calle o grabar parte de tus composiciones en el teléfono. Cuando tenemos la disponibilidad de acceder a la tablet puesta en tu mochila, la cosa se facilita enormemente, si quieres compartir una idea con el cantante de tu banda "lo grabas en ese momento y se lo mandas a su whatssap" desde tu teléfono, así de sencillo. Quizás de las innovaciones tecnológicas estas dos son las más increíbles y eficaces para cualquier persona que componga.

¿Y de qué me sirve volver a saber todo esto? 

El correcto uso de todas las herramientas tecnológicas van a permitir que mi arte se reproduzca, difunda y comparta lo más rápido posible, aminorando  los costos para los principiantes y amateurs; sin embargo para los que son profesionales, esto será un paso previo para obtener una mejor calidad de sonido, y en consecuencia la cruda realidad que siempre sucede cuando nos damos cuenta que el sonido de alta performance siempre tendrá costos más elevados.
No quiero decir con esto que lo análogo sea mejor pero la naturaleza y la física dan ese toque especial que no te da lo digital.

We Rock!

sábado, 24 de noviembre de 2018

Cómo sonar bien con equipos baratos



Antes de explicar este importante sistema (que es más intuitivo que algo específico) las guitarras con materiales de alta gama, llamadas "Guitarras caras" por su calidad de construcción y dependiendo del estilo musical que se toque, en un estudio de grabación o en un escenario de alta performance siempre serán superiores en sonido que una "Guitarra barata" (Gama baja). Antes de empezar este artículo recomendaremos como sonar mejor con equipos baratos,sin embargo aclaremos lo siguiente.


¿Escuchas la diferencia?

Existen varios aparatos de medición dónde se comprueba que la señal y sonido de una guitarra de alta gama es superior que el de una barata. Hace tiempo hice la prueba con mi Custom Shop "La gringa" comparándola con otras Stratocasters de gama media y baja. Grande fue mi sorpresa cuando estos aparatos de medición digitales y análogas demostraban que su campo aural, rango dinámico, calidad de armónicos y muchas frecuencias excitadas eran superiores y completas. No había duda de esta demostración, lo que hice después fue grabarlas, y los resultados fueron prácticamente los mismos. 

Sin embargo en la vida cotidiana he probado guitarras de gama muy baja que suenan muy bien o en el mejor de los casos, guitarras que no suenan muy bien pero le agarramos el "truco", para que esta pueda sonar mejor. A veces el oído engaña porque el ejecutante que toca muy bien siempre sacará el mejor sonido de la guitarra, sea por felling, sea por alto nivel técnico, sea por que ese instrumentista maneje muy bien las dinámicas, etc. 
Lo mismo sucede si al contrario tú le pones una Custom Shop a un principiante esta guitarra "Sonará mal".

Recomendaciones

Las guitarras de gama baja pueden llegar sonar bien o muy bien cuando le encuentras el sonido que puedes explotar dentro de ella. Esto va a depender mucho de la marca y modelo que tengas de guitarra, por ejemplo si tienes una Epiphone  LP100 y si utilizas esta guitarra sin ningún tipo de efectos, si utilizas la pastilla del puente sonará muy "Latosa", cosa diferente si utilizas la pastilla de arriba. Otro ejemplo es con una Squier Bullet si quieres ponerle distorsión el truco será utilizar será utilizar la segunda posición y bajarle un poquito el tono... Estos son unos de los cientos de trucos que tienen las guitarras baratas para sonar bien. por eso los músicos experimentados pueden hacer sonar una guitarra económica, no solamente porque son buenos instrumentistas si no porque también pueden dominar el instrumento.

Instrucciones

1.-Aprende a conocer tu instrumento
Mientras más practiques e investigues sobre como mejorar tu toque, tu guitarra de gama baja sonará mejor

2.- Ubica las debilidades de tu guitarra
Dónde suena peor, que trastes debes evitar o por lo menos tocar más fuerte y que pastillas no suenan bien.

3.-Tunear
Cuando hayas ubicado las carencias de tu guitarra puedes ir viendo que reemplazar. Recuerda que al ser una guitarra de gama baja tienes que pensar bien si vale la pena invertir dinero o comprarte una mejor guitarra. A cerca de tunear la guitarra ya he escrito un artículo del cual te copio el link aquí: https://goo.gl/6iNQj6

4.-Excepciones a la regla 
Una entre miles de estas guitarras económicas puede sonar espectacular. Recuerdo que una vez probé una Squier que sonaba brutal, me dio pena no llevarla al estudio para comprobar si servia para grabar, sin embargo el oído confunde, pero parecía que esta era una de esas pocas excepciones


Conclusiones

Ninguna guitarra es buena ni mala de acuerdo a las circunstancias. Pero no podemos negar que una guitarra de gama alta siempre va a ser mejor que una guitarra de gama baja y por el contrario una guitarra de gama baja no siempre sonará mal. Sin embargo para un estudio de grabación profesional la opción es siempre calidad y a eso debemos aspirar todos, no quedarnos en nuestra zona de confort.

WE ROCK!


domingo, 18 de noviembre de 2018

¿Existe el amplificador ideal?


Después de comprar nuestra primera guitarra viene ahora el gran dilema, ¿Qué amplificador debo comprar?. Este amplificador que enfatizará o atenuará ciertas frecuencias de nuestra guitarra y con algunos efectos como la distorsión hará que, yo, suene como los grandes que siempre soñé. En este artículo les daré algunas pautas sencillas, pero creo importantes para poder elegir el mejor amplificador.

Tipos de amplificador

 Dentro de los modelos, series y tipos de amplificadores de cada fabricante existen los denominados:
  • Amplificadores de válvulas (a vacío)
  • Amplificadores de estado sólido
  • Amplificadores híbridos
  • Amplificadores modeladores
  • Amplificadores de guitarra acústica
Antes de poder desarrollar la diferencia y características de cada uno, voy a explicar un poco de la estructura general de los amplificadores de una manera muy sencilla. Esta podrá ayudarte a profundizar mas adelante sobre especificaciones mas técnicas y sofisticadas.

Estructura

Normalmente los amplificadores contienen dos etapas o circuitos de amplificación y es común que mantengan aparte un circuito de ecualización.
La primera etapa llamada "Preamplificador" (llamado también previo, que puede haber más de uno), amplifica la señal de la guitarra hasta un nivel que pueda estimular la etapa de potencia.
La "Etapa de potencia" (o de salida) aumenta la amplitud de la señal de entrada hasta provocar que el  parlante (altavoz) produzca sonido.

Por eso los amplificadores se pueden encontrar en dos configuraciones: En combinación, llamado combo que incluye un amplificador y uno o más altavoces en un gabinete;  el amplificador independiente también llamado cabezal. Existen también los llamados pre amplificadores, usados por profesionales, estos no tienen la etapa de potencia.


Los amplificadores de válvulas 

También llamados amplificadores a tubos, se les distinguen sobre todo por su tono clásico, sonido cálido y su gran personalidad de acuerdo a la marca y generalmente de mayor potencia que un amplificador a transistores. Las válvulas fueron componente electrónico que se usó en los amplificadores de la década de los 70's, se caracterizan también por darle mayor temperatura y peso al amplificador, algo que es característico cuando vas a cargar tu amplificador antes o después de un concierto .

Los amplificadores de estado sólido

La característica fundamental es que son mucho más baratos por que están basados en semi conductores de estado sólido, estos también son llamados amplificadores de transistores y a comparación de su antecesor son más ligeros, más fáciles de construir y más fiables, en este sentido decimos fiables porque son más versátiles para diferentes estilos musicales por ejemplo hay muchos guitarristas que prefieren el PEAVEY-5150 porque tiene un sonido muy característico, con un ataque muy agresivo, obviamente por los tubos y la configuración de los altavoces, a diferencia de los guitarristas de jazz que prefieren amplificadores a transistores como el ROLAND JAZZ CHORUS.


 Amplificadores híbridos 

Un híbrido implica una de dos combinaciones de amplificación, válvulas y transistores. De este modo puede disponer de un amplificador de válvulas alimentado por un circuito pre amplificador a transistores. Alternativamente un pre amplificador a válvulas puede alimentar una etapa de salida de transistores (esta es una variación). Particularmente esta es una opción que yo prefiero.



Amplificadores modeladores  

La tecnología de micro procesadores permite el uso de efectos digitales para crear diferentes sonidos dentro de un mismo amplificador y pueden ser programados con tonos simulados de diferentes modelos de amplificadores. Esto si bien parecería algo muy "plástico o sintético" ya no lo es tanto por la gran fidelidad y emulación que poseen al momento de escuchar y sentir su sonido característico.


Amplificadores de guitarra acústica

Estos sin muy similares a los amplificadores para teclados, con una respuesta plana de frecuencias, y suelen estar diseñados de modo que ni la potencia ni los altavoces introducen coloración adicional al sonido .

¿Qué amplificador es el que me conviene entonces?

Para aquel que inicia en el mundo de la guitarra siempre es recomendable un amplificador a transistores, no sólo porque será fácil de transportarlo a cualquier lugar dónde desees practicar, si no también por que su sonido plano hará que te familiarices con los diferentes efectos que te pueda dar el mismo amplificador, pedales análogos y/o digitales.

Para aquellos que tienen más de tres o cuatro años tocando la guitarra, les recomiendo que si van a comprar un amplificador a tubos, cerciórense bien y prueben varios amplificadores a válvulas antes de compra uno. La inversión al ser muy alta puede valer la pena, por que tendrás un sonido muy característico según el que hayas escogido; pero si no te gusta o no te sientes cómodo, es porque un amplificador de este tipo colorea mucho el sonido o no da los parámetros que si te da uno a transistores. Sin embargo, tengo que mencionarte que la fidelidad de un amplificador a tubos da claramente un toque mas profesional a tu sonido.

Si ya eres un profesional o estás en vías de hacerlo, la idea no es tener un sólo amplificador si no varios, uno a tubos y otro a transistores, los cuales te permitirán usarlos en dónde te soliciten y acorde al estilo y género musical en el que te desenvuelvas.


Mi experiencia 

Yo uso para estudio de grabación y presentaciones en vivo grandes el "JCM900" de Marshall, para mis clases presenciales, mis prácticas y ensayos  Marshall Valvestate (El inglés de primera generación) y para mi habitación diferentes modeladores de amplificadores en mi celular o pc.

We Rock!

viernes, 9 de noviembre de 2018

¿Puedo triunfar con esta imagen que tengo?


Saludos amigos, como sabrán siempre leo sus comentarios tanto en el facebook, youtube e instagram, que son mis redes favoritas también y dónde saco la mayoría de los artículos que escribo todas las semanas. Gracias a ustedes por sus excelentes ideas, comentarios y también memes jiji.

¿Eres lindo o linda?

Cuando observamos a los grandes artistas, sus espectaculares vídeos, la gran fama y la enorme cantidad de publicaciones existentes, hablando no solamente de sus increíbles canciones, si no también del atractivo físico que poseen, muchos de ustedes seguro envidiarán o codiciarán (en el mejor de los casos) todo ello. De ahí la gran cantidad de memes, como por ejemplo este:


Hay que recordar que existe algo que está en boga últimamente, se llama "Branding personal" y algo que también desde hace mucho tiempo se conoce como los "asesores de imagen". Amigos entendamos por favor, lo que vemos en las redes sociales y en todos los canales de información de todos los grandes artistas, pasa por miles de filtros antes de publicarse. Y esto es un pequeño dato porque la verdad es que existe toda una gran infraestructura dónde varias personas trabajan por mostrarte lo que tu ves por ejemplo en un vídeo como este:





Ahora desde el punto de vista también quiero agregar lo siguiente, todos los grandes artistas tienen un carisma muy especial que muchas veces sobrepasa la belleza física (claro es cierto que muchos se retocan, inclusive se modifican el cuerpo y rostro). Pero acaso ¿No conoces algún artista que no sea realmente muy agraciado físicamente pero que es bella o bello?


Steven Tyler, un carisma impresionante.


Si te consideras feo o fea.... voy a salirme un poquito del tema pero hago un paréntesis. No entiendo a las personas que ponen diciéndole feo o fea a alguien que ósea ¿Ellos son bonitos? JAJAJA, me gustaría colocar una impresión de pantalla de eso... volvemos al tema. Yo soy testigo presencial  y también he tenido experiencias al respecto de que la belleza física no importa. Tenía un amigo que se llamaba R. que me enseñó todas las "técnicas" para que una chica pueda salir contigo y se quede fascinada con tu sola presencia, si eres feo realmente, la primera impresión será un punto en contra, pero después "Si sabes hacerla bien" se volteará la torta. Esto no es un comentario a lo Cristian Cruz (Youtuber que habla de seducción) si no que tienes que entender que lo más importante es desarrollar tu propio carisma y esto se logra con el transcurso de los años, aquí la clave es tener fe en ti y desarrollar tus conocimientos, del como hacer para educir lo mejor de ti (repito desarrollar tus conocimientos) siendo una persona segura, sincera, alegre y prospera.


¿Eres bueno o malo?



Aparentar algo que no eres es muy común en la actualidad, muchas veces vemos artistas e inclusive personas cercanas sonrientes y/o felices pero en su vida personal no lo son, tanto así que cuando nos tomamos un selfie o una foto grupal muchos conocidos ponen la cara de malo y el gesto de la mano cornuta, aparentando ser muy "Malotes", pero en su día a día son mansos gatitos (xd) y también pasa lo contrario, blancas palomitas pero lobos furiosos cuando te das la vuelta. Bueno y en el caso de las chicas, las que me leen ya sabrán que poses ponen para verse más lindas ¿No? jijij.




Una de las cosas que debemos cultivar es la sinceridad de mostrarnos siempre tal como somos, si bien es análogo al punto anterior, no finjas algo que no eres porque después viene la depresión y viene por que no puedes mantener esa falsa imagen tanto tiempo. Por ejemplo si dices que eres malo y no lo eres, si dices que eres bueno y no lo eres, si dices que eres fea o feo y no lo eres; no puedes escaparte a lo que verdaderamente dice tu cuerpo. Conozco muchos casos de personas que se deprimen sin saberlo y esta es una de las grandes razones.


No tengo dinero, maldita pobreza ¿Qué hago?


La maldita pobreza de la que he escrito en artículos anteriores, debe convertirse en bendita pobreza y ¿Por qué llamarla bendita? Porque será el aliciente para seguir avanzando, progresando y mejorando nuestra en futura profesión, familia, emprendimientos personales y claro en la guitarra. Osea prosperidad por todos lados. 
Muchos de los grandes empresarios han logrado inmensas fortunas cuando no tenían absolutamente nada. 
"Sí, eso ya lo se Kike lo he visto y escuchado en miles de lugares". Entonces el reto es convertir nuestras necesidades en grandes oportunidades de crecimiento. Te invito a olvidarte de tus carencias económicas e invertir tu tiempo en estudiar y mejorar lo que estás por emprender. No es fácil, necesitas mucho esfuerzo y salir de tu zona de confort, por eso te sugiero que veas mi vídeo:




Los demás son mejores que yo


La comparación con los demás tiene doble filo, cada vez que nosotros queremos avanzar siempre habrá alguien mejor que yo. En este mundo tan competitivo muchos nos han metido en la cabeza que el mejor es aquel que tiene fama, sin embargo no es así en la vida real. Si quieres triunfar en la música debes diferenciarte de los demás, mejorarte a ti mismo y verás como poco a poco alcanzarás tus objetivos. Tienes que tener mucha paciencia y constancia, ya que encontrar tus fortalezas o más bien dicho activarlas te puede demorar muchos años.
Las condiciones innatas y favorables que pueda poseer alguien "Per se" (Por si mismo// De por si) no son una garantía que alguien triunfe en la música. Quizá puedan relucir estos músicos sus condiciones innatas por un tiempo, pero si no son constantes, esa llama inicial del querer ser un músico se apagará lentamente. Por lo tanto si en este momento hay alguien mejor que tú no te sientas mal ni te quejes, las mejores esculturas se tallan día a día (tardan años en terminarse) . La piezas de porcelana se pueden romper en un solo día.

We Rock!

miércoles, 31 de octubre de 2018

¿Quieres ser músico?¿Estas seguro?


A dos entrañables amigos, Carlos y Juan se les ocurre dedicarse a la música; su motivación puede ser autentica y nacida de una necesidad del Alma, fundirse con la armonía las grandes composiciones, crear obras de arte y vivir su vocación; o bien un simple gusto o apetito psíquico por grabar canciones, subirse a los escenarios y tener millones de vistas en las redes sociales, motivado inconscientemente por algún vídeo o idea de como es la vida de un famoso músico, el ser admirado, fama, viajes, conciertos, dinero, etc.


A los años, Carlos, con solo adquirir la guitarra, el amplificador, picks y tener sus tablaturas poco a poco se le fue desvaneciendo el entusiasmo. Con unas pocas tocadas y aun anotándose inclusive en un curso acelerado de música, al tiempo todos sus implementos de músico, estaban arrimados en un rincón de su habitación… Ahora piensa en otra cosa, ve la posibilidad de terminar la universidad, dedicarse a los negocios y tener una familia, esposa e hijos. 

Juan, al contrario sintió la verdadera afición por el instrumento y la convicción del músico, y a pesar de la falta de apoyo, estudio humildemente por varios años. Se atrevió a mostrar sus composiciones al publico, a veces con poca gente, a veces con mucha. Las horas dedicadas al arte robaron mucho tiempo de sueño y se olvido muchas veces de reuniones familiares, de dormir y hasta de comer. 


A los músicos de corazón, los años no deterioraran su entusiasmo y dentro de las limitaciones de su cuerpo físico, será músico hasta la muerte. Este ultimo caso es la Vocación autentica, de UN impulso nacido del Alma mas que del cuerpo. Podemos decir con absoluta convicción, que todo aquel impulso que, observado detenidamente durante un tiempo prudencial, permanece incólume y digno – si además noble – de ser llevado a la practica. En el mundo de la acción y cotidianidad, veremos si el tiempo carcome y difumina rápidamente el entusiasmo en esos primeros años a aquellos que dicen dar "todo por la música". Esta será la “prueba de fuego”, la constancia y la paciencia.



WE ROCK!"

viernes, 26 de octubre de 2018

El metrónomo


El entrenamiento con el metrónomo es muy importante, como lo han mencionado muchos músicos e instructores, y estoy seguro que tú también lo intuyes sin necesidad que alguien te lo haya dicho. En este artículo mencionaré las razones del porqué debes practicar con metrónomo y también las de porqué no hacerlo sin el.


METRÓNOMO

El metrónomo (del griego μέτρον métron ‘medida’ y νόμος nómos ‘ley, norma’) es un aparato utilizado para indicar tiempo o pulso de las composiciones musicales. Produce regularmente una señal, visual o acústica, que permite a un músico mantener un pulso constante al ejecutar una obra musical.





Según la definición, la indicación del pulso es clave para poder llevar la canción a un tiempo constante y/o con las variaciones que se nos pidan. De tal forma cada vez que no seguimos "el tiempo de una canción" sonará descuadrado y desordenado... Eso también lo suponías. El tema está cuando tenemos que grabar en un estudio de grabación o hacer una presentación en vivo, no solamente se da cuenta el público que estás fuera de tiempo, si no también los integrantes de tu banda, el ingeniero de sonido y todas las personas de tu alrededor. Por eso es importantisimo que siempre estés a tiempo.


AÑOS DE PRÁCTICA

La manera más importante de practicar con el metrónomo es a través de un sistema muy conocido por todos los profesores que es empezar con los diferentes bpm's (golpes por minuto o beats per minute, escritos generalmente en la parte superior izquierda del pentagrama) especificados en el siguiente listado: 
  • Larghissimo: extremadamente lento (menos de 20 ppm); usado en raras ocasiones. 
  • Largo: muy lento (20 ppm). 
  • Lento moderato : (20 - 40ppm).
  •  Lento: lento (40 - 60 ppm).
  •  Grave: lento y solemne (≈40 ppm).
  •  Larghetto: más o menos lento (60 - 66 ppm)
  •  Adagio: lento y majestuoso (66 - 76 ppm); para Clementi, el movimiento más largo no era el largo sino el adagio.
  • ​Adagietto: un poco menos lento que el adagio (70 - 80 ppm); poco usado. 
  • Tranquillo: tranquilo. 
  • Tranquillamente.
  •  Afettuoso: (72 ppm). Andante: al paso, tranquilo, un poco vivaz (76 - 108 ppm). 
  • Andante moderato: con un poco más de celeridad que el andante (92 - 112 ppm). 
  • Andantino: más vivo que el andante moderato; sin embargo, para algunos significa menos vivo que el andante. 
  • Moderato espressivo 
  • Moderato: moderado (80 - 108 ppm). 
  • Allegretto grazioso. 
  • Allegretto: un poco animado; sin embargo, en algunas piezas se toca como allegro y en otras como andante. 
  • Allegro moderato. 
  • Allegro: animado y rápido (110 - 168 ppm). 
  • Vivace: vivaz. Vivo: rápido y vivaz
  •  Allegrissimo: más rápido que el allegro; poco usado. 
  • Presto: muy rápido (168 - 200 ppm). 
  • Vivacissimo: más rápido que el vivace; poco usado. 
  • Vivacissimamente: Más rápido que el Vivacissimo.
  •  Prestissimo: muy rápido (más de 200 ppm). 
  • Allegro prestissimo con fuoco: extremadamente rápido (más de 240 ppm).


Algunas cuestiones que debes tomar en cuenta para la práctica del metrónomo es que debes empezar por el tiempo más lento, nunca te saltes. Grábate cuando practiques con el metrónomo y así puedas observar o mejor dicho escuchar tus errores. No solamente practiques escalas si no también ritmos de todos los estilos y géneros.

EL RELOJ INTERNO

Cuando tú interiorizas el metrónomo, es decir ya  posees una especie de indicador constante que te permite saber el tempo, la velocidad y cualquier variación en el pulso, es el momento de salirse del metrónomo. Es decir ya comenzarás a adquirir la capacidad de poder adelantarte o retrasarte un poquito en el tiempo de una manera consciente y natural, en esto consiste el ya no depender de un metrónomo, para muchos esto es la maestría del dominio del pulso.


Esto se adquiere con muchos años de práctica dónde el tiempo, el pulso, el metrónomo quedan relegados a un segundo plano, pero vuelvo a repetir, esto se consigue con muchos años de práctica y es allí dónde vienen los grandes maestros de una línea metodológica muy especial dónde te dicen "No practiques con el metrónomo". Cuando ellos te dicen esto, es justamente porque quieren crearte un reloj interno, que en la primera fase es seguir un tiempo definido y constante como si lo hicieras con un metrónomo físico.

NOTA FINAL

Existen dos grades tendencias en el mundo de la música, dónde muchos te dicen que el metrónomo no se debe dejar nunca, y la otra posición es dónde te dicen no practicar con metrónomo, que es muchas veces mal entendido. Lo que realmente significa es que debemos crear un reloj interno y no depender de una máquina, En el mundo actual y en toda grabación se debe usar el metrónomo, pero a lo que se refiere la segunda posición es que tenemos que humanizar nuestro pulso.



WE ROCK!

martes, 16 de octubre de 2018

Zona de confort, para músicos


La zona de Confort es un entorno conocido que nos hace sentir seguros y protegidos. Pero el que no arriesga, no gana, y hay que salir de ella para ‘crecer’. Es una zona mental donde no se tiene sentido de riesgo. La zona de confort es una serie de barreras que tu como músico o estudiante te has puesto o aceptado como un estilo de vida, para evitar asumir riesgos y garantizarse la ausencia de miedo o ansiedad. Es “un estado de comportamiento en el que la persona actúa desde una postura de falsa seguridad, llevando a cabo una serie de comportamientos para conseguir un nivel constante de comodidad sin sentido del riesgo”, actúa como un refugio que nos hace sentir seguros por tratarse de un entorno bien conocido por nosotros. 



La zona de confort encierra todo aquello que solemos hacer y no nos da miedo (por ejemplo aprender solo un tipo de música y no otras para los que se requieran mayores conocimientos o aptitudes, por temor a no saber desarrollarlos; no invertir en un profesor o método y preferir ser autodidacta), así como las personas con las que convivimos o nos relacionamos, y en cuya compañía nos sentimos seguros a pesar de que no cumplan nuestras expectativas (por ejemplo, seguir con la misma banda donde nadie pone de su parte, pero a la que por temor a quedarse sin ella no reclamas). 


Salir de la zona implica tomar decisiones difíciles, significa que tienes que hacer algo con lo que no te sientes cómodo, con el propósito de abandonar tu rutina y vencer tus miedos. No salir de nuestra zona de confort puede llegar a convertirse en una gran obstáculo y limitación personal, ya que perdemos la oportunidad de enfrentarnos a nuevos retos, vivir nuevas experiencias, o incluso conocer gente nueva, tocar con músicos mejores que uno por ejemplo. No abandonar jamás el entorno conocido hará que disminuyan progresivamente tus habilidades, y que nuestra expectativa se reduzca cada vez más. Y esto no sería tan grave si no fuera porque con esa actitud también podemos ver mermada significativamente nuestra capacidad para ser grandes músicos o una gran banda. Ejemplos que a veces nos da miedo y donde salimos de nuestra zona de confort: 

✔Tocar con una banda de un género diferente al que estás acostumbrado. 
✔Subirte a improvisar a un Jam session. 
✔Mostrar tus canciones a gente desconocida, un productor musical, alguien que toca mejor que tú, un profesor o maestro de música. 
✔Tocar en la calle, tú solo(a) 
✔Tener una sesión de fotos con fotógrafo profesional y maquillado. 
✔Estudiar teatro y dominio escénico. 
✔Estudiar géneros musicales que no tengan guitarra. 
✔Saca de oído y toca canciones infantiles. 
✔Sacar canciones de moda y tocarlas en público. 
✔Baila en una calle concurrida. 
✔Cántale a tus padres o familiares 




Aprendizaje a ese lugar que es nuevo para nosotros, en el que nos sentimos un poco desprotegidos. Sabemos que hay cosas por descubrir, ahí sentimos incertidumbre, y nos vemos obligados a desarrollar nuevas herramientas y estadios de conocimiento para salir de esa incertidumbre. ZONA MÁGICA es en la que te pueden ocurrir cosas maravillosas, que aún no conoces porque aún no has estado ahí, es la zona de los GRANDES RETOS. Al escapar de nuestra zona de confort comenzamos a tomar conciencia de nuestros miedos y nuestras barreras mentales, de nuestros pensamientos limitantes. Cuando sintamos ansiedad o estrés reconoceremos que estamos en un terreno nuevo e inseguro que hay que explorar, o cuando sintamos envidia de otros que están en el punto al que queremos llegar sabremos qué dirección tomar, aceptando el esfuerzo como un reto. 


Atreverse a hacer las cosas de otra manera, atreverse a equivocarse y a ir más allá de lo conocido, amplía nuestro horizonte en conocimientos, emociones y crecimiento personal. La vida cambia y el cambio es incertidumbre, y podemos aprender a adaptarnos a situaciones nuevas aceptándolas como un reto, cambiando lo que se pueda de la situación o cambiando nosotros/as mismo/as, reconociendo tanto nuestros miedos como nuestras fortalezas para afrontar la situación. Más formas de salir de tu zona de confort:

WE ROCK!

viernes, 12 de octubre de 2018

Quiero aprender a hacer solos.



Las escalas y las técnicas son de uso popular y archi conocido en el lenguaje común entre los guitarristas eléctricos de varias generaciones. Todos quieren aprender a hacer solos espectaculares, dotados de mucho virtuosismo en la ejecución, sin embargo nos olvidamos de algo crucial: El acompañamiento.

Acompañar

Definición
-Estar [una persona] con otra o ir junto a ella.
-Compartir un afecto o un estado de ánimo.

Una de las características importantísimas de cualquier canción, como muchos de ustedes lo sabrán , es el aspecto rítmico, y que casi siempre, nos olvidamos también del aspecto armónico. La mezcla de las dos harán una base increíble, que dotará de la atmósfera necesaria para una improvisación, melodía o cualquier cosa que lleve escalas y técnicas, suene espectacular. En la actualidad existen muchas canciones dotadas de grandes y pulidos solos, pero su  base rítmica y armónica se descuidan mucho. Es una gran pena, pero es un hecho que los grandes riffs están ausentes en esta última generación. 



¿No te ha pasado que escuchas una pequeña frase rítmica e inmediatamente reconoces la canción? A esto nosotros le llamamos el famoso "Rock Clásico", una época dónde los grandes riffs estaban por encima de un gran solo. Esto es lo que tenemos que aprender desde que nos iniciamos en el mudo de la composición, donde siempre necesitaremos la creación de una base rítmica con mucho sentimiento que refleje la personalidad del tema, una melodía que conmueva y una armonía con acordes que den una atmósfera precisa y que sea el espacio de trasmisión de todo lo que contiene una obra de arte.

Anécdota: El Gran guitarrista Marty Friedman mencionó que cuando entro a Megadeth, Mustaine le enseñó a componer muchos riffs de guitarra y grandes rítmicas que después plasmó en sus composiciones como solista.


Ocuparnos


Todos amamos practicar ejercicios de digitación, esto lo veo continuamente en mis clases. Pero cuando haces, por ejemplo, arpegios rítmicos, ritmos de funk, de jazz o incluso  ritmos de metal siempre escucho la siguiente frase: "No pensé que era tan difícil". Y bueno acá no hay necesidad de razonar mucho, los procesos de aprendizaje tanto rítmicos como armónicos (y en conjunto) demandan muchas horas y años de práctica. Al tocar acordes y hacer nuestros primeros acompañamientos, tenemos la idea errónea de que todo será igual o parecido. Pero como lo digo en mi vídeo "Estoy estancado", la idea es profundizar y no quedarse en conceptos del común de la gente como por ejemplo "Eso es fácil" "Necesito aprender más cosas" "Eso ya lo sé" Etc.


El trabajo rítmico/armónico


Todo instrumentista debe solicitar a sus profesores, instructores o maestros, géneros, grupos y repertorio que lo ponga en apuros y exigencias, permitiendole aprender la gran importancia de las secciones rítmicas a parte de los solos y/o melodías.

Aunque parezca contradictorio, muchas veces estas exigencias (ritmos y acordes) no están en canciones dónde hay mucha presencia de la guitarra. Y te preguntarás ¿Cuáles son los temas que me recomiendas como reto para sacar? Esto lo escribiré en otro artículo y casi seguro también saldrá en mi canal de Youtube. Por ahora te recomiendo pedir referencias a aquellos que están en una escala más alta a la de tú a nivel como guitarrista o músico.

Conclusiones


Los solos de guitarra, las improvisaciones y las técnicas se verán más imponentes cuando armemos el rompecabezas de un excelente cuadro llamada CANCIÓN, las piezas que nos faltan no podemos olvidarlas (Ritmo y armonía). De lo contrario habrán huecos y vacíos que no justificarán el gran trabajo de crear un gran solo.

We Rock!

miércoles, 3 de octubre de 2018

Leyendas de la guitarra vs los guitarristas actuales.


Hace poco salio el vídeo dónde Hedras Ramos improvisaba con Steve Vai, en este se apreciaba la gran técnica depurada, soltura y llena de recursos de Hedras... realmente impresionante. Obviamente no sólo es la diferencia de 32 años (por un lado Steve Vai con 58 y Hedras con 26) si no que indica prácticamente el gran y vasto tiempo en la evolución de la guitarra eléctrica,  como por ejemplo la improvisación modal, los licks de fusión, la nueva ergonomía de la guitarra, etc.
En el siguiente artículo les sugeriré la visión que debemos tener todos los músicos con respecto a las leyendas de la música, en nuestro caso de la guitarra eléctrica, y la comparación con los próximos y quizás "Guitar heroes" por aparecer.

Hedras abrazando a Vai

Quiénes son leyendas



Todos aquellos que han dejado monumentales canciones dotadas de sentimiento, grandes melodías y riffs, pero por sobre todo composiciones trascendentes, aquellas que el tiempo no puede borrar. Esto sucede así por que lo trascendente nunca pasa de moda, y para entenderlo necesitaremos algunos ejemplos.

-"Highway to hell" es uno de los clásicos más pedidos por el público aficionado al rock, sin embargo este hit rompe barreras generacionales de tal manera que podemos escucharlas hasta en remixes de música electrónica. Ya han pasado prácticamente tres generaciones completas 80´s, 90´s y millennial's y no pasa de moda esta genial canción. 


¿Que pasaría si pongo a Angus Young, a Slash y a Joel O'Keeffe a improvisar juntos?


Obviamente nos daríamos  cuenta la gran diferencia que existe entre los tres, sin embargo el género es prácticamente el mismo. Quiero llegar al punto dónde examinemos con que criterios evalúo a una banda o a un gran guitarrista. Lo primero son las composiciones, las canciones que nos hacen vibrar y sentir muchas emociones. Es cierto la técnica es muy importante, pero a medida que van pasando los años, todos los jóvenes músicos van mejorando diversos aspectos, tanto prácticos como teóricos.

¿Que pasaría si comparo a Jimi Hendrix con Stevie Ray Vaughan?


Aquí está el ejemplo más contundente. Sin Hendrix, quizá no hubiese existido un SRV. Se acuerdan que hace un momento te mencione que los más importante son las canciones, esas que pasan de generación en generación. De nuevo repetimos esta analogía en el campo de los guitarristas, que hubiese pasado si Walter Giardino no hubiese escuchado a Yngwie Malmsteen y este a su vez no hubiese escuchado a Ritchie Blackmore (Si ya sé ninguno de los dos primeros dice que escuchó al otro).

La idea que quiero trasmitirles es que siempre hay antecesores de un estilo o género en especifico, un bagaje anterior que nutre a la siguiente generación, y que sin ella no existiría la futura y siguiente evolución, como por ejemplo en la improvisación de Hedras Ramos vs Steve Vai.

Estaba dictando clases cuando uno de los profesores de la escuela Mastermusic me avisó sobre este vídeo, y claro Steve Vai es una generación de grandes guitarristas con muchísimos aportes para las siguientes camadas de grandes ejecutantes de la guitarra moderna. Quién no puede olvidar esa majestuosa canción "For the love of god"  y que todo fanático de la guitarra y del shred alguna vez estuvo tentado a sacar. Sin embargo Hedras quizás es uno de los exponentes más jóvenes latinoamericanos de la guitarra moderna. Su estilo es mucho más fusionado y atendible para la nueva generación

Conclusiones
Técnicamente hablando, las leyendas de la guitarra fueron lo máximo en su época, pero lo que trascendió en ellos fueron sus composiciones. El reto de los nuevos y grandes guitarristas es hacer nuevas canciones con grandes dosis de técnicas pero por sobre todo canciones que perduren a lo largo del tiempo. Particularmente creo que uno de los más grandes guitarristas dónde se están apoyando las futuras generaciones es Guthrie Govan y nuevos géneros musicales están aportando una renovación en la cultura guitarrística como ejemplo claro de esto son los chicos de Polyphia.




WE ROCK!

domingo, 23 de septiembre de 2018

Cuando un músico practica mas de la cuenta - Parte II


Continuando con las disertaciones y análisis mencionados anteriormente, seguiremos hablando de los factores importantes a cerca de aquellos músicos que practican entre 6, 8 y hasta 12 horas diarias.

Fluir
No nos ha pasado muchas veces que cuando estamos enamorados, el tiempo transcurre de una manera totalmente diferente, o cuando tenemos un problema muy grave, y en el mejor de los casos, cuando disfrutamos algo de una forma placentera,"el tiempo se pasa volando" o "que rápido pasó la hora"... estas expresiones tienen que ver mucho con el concepto de fluir. Y acá va  mi primera recomendación.
El libro titulado "Fluir" de "Mihály Csíkszentmihályi" es una lectura obligatoria para aquel que desea practicar más de la cuenta sin despilfarrar el tiempo  o temer aburrirse.


El "Fluir" es un importante concepto en psicología que podríamos definir como el estado mental en el cual una persona está inmersa en la actividad que ejecuta, y que se caracteriza por un sentimiento de total implicación con la tarea que se experimenta, mientras la actividad está en curso. Lo más interesante de  todo esto es que está enlazado con la felicidad  y/o placer, ya que al ejecutar dicha actividad (en nuestro caso la música) la persona se encuentra completamente concentrada y absorta.
En este estado de abstracción es cuando decimos que hemos perdido la noción del tiempo (distorsión del sentido temporal) o que se nos ha pasado el tiempo volando. Durante este estado de "Fluir" es normal alcanzar la plenitud creativa, dejarnos llevar sin distracciones, y disfrutar de las tareas por el mero placer de realizarlas, sin perseguir el éxito. En otras palabras se  disfruta  la tarea en sí misma y no del objetivo a cumplir.

Con granos en la cara:


Es habitual que en la adolescencia, y en la mayoría de casos en los hombres, tengamos acné en la cara y estoy seguro que a muchos que les ha pasado esto. Se miran al espejo y se sienten terrible... y tú me preguntarás ¿Kike  que tiene que ver esto con tocar la guitarra?....
Pues aquí les explicaré mi experiencia del "Fluir".
Si bien para muchos la música es un refugio, para otros como tú y yo es felicidad pura, muchos años de prácticas y amanecidas, quedándote dormido inclusive acostado en el piso oyendo una canción y tratando de sacarla a oído, hicieron que mis días se hicieran los más felices de toda mi adolescencia, el hecho de practicar y fluir, hacía que me olvidara de los problemas cotidianos de cualquier adolescente, como el "sufrir por amor" o por "tener granos en la cara". Sin embargo después de esta dolencia de mi juventud, se quedo marcada por las cicatrices en mi rostro actual, que con alegría me hacen recordar ese estado de fluir, en el cual, no importaba nada más que el seguir practicando.


¿Pero cómo me concentro? ¿ Cómo fluyo? 


Alcanzar estados frecuentes de fluidez haciendo música, practicando, haciendo cosas que nos gustan y en lo que poco a poco comenzamos a ser buenos, nos ayudan a ser felices, nos hacen crecer como personas, aumentan nuestra estima y nos fortalecen ante la adversidad o potenciales trastornos, tanto físicos como psíquicos , por lo tanto para poder concentrarse lo principal es:

  1. La intención de querer hacerlo
  2. Soltar y relajarte 
Esto implica hacer un esfuerzo consciente de relajar tus pensamientos, sentimientos y dejarte llevar por la práctica sin condicionamientos de ningún tipo. A continuación te mencionaré dos ejemplos de como hacerlo:


A) Carlos es un músico estudiante de bajo eléctrico, tiene una relación de pareja de años y los fines de semana asiste a una academia para perfeccionarse en el instrumento. Sin embargo su tiempo es limitado, y también quiere dedicarle tiempo de calidad a su relación de pareja y obviamente la disciplina que le exige su trabajo para poder cumplir con sus obligaciones cotidianas. Él a veces se siente mal, al no poder ocupar y practicar las horas de bajo como él quisiera. 
Un día él aprendió el concepto de fluir y aparte a concentrarse también, realizaba dos prácticas de forma frecuente, al momento de practicar sus lecciones trataba de dejar todos sus pensamientos acerca de su pareja, sus compromisos de trabajo y todo aquello que podía interferir mentalmente con sus horas de clase y/o práctica. Entendió que para disfrutar y aprovechar más sus ejercicios de música, necesitaba simplemente concentrarse en lo que estaba haciendo. 
Lo segundo que hacía era concentrar toda su atención en los pocos días que tenía, los agendaba en su celular con un recordatorio diciendo: "Día para soltar mis emociones negativas y concentrarme para lo que soy bueno".


B) Juan era un estudiante que tenía oído absoluto, el apoyo de sus padres y era un excelente promesa en la música por sus capacidades innatas. Sin embargo nunca estudiaba sus lecciones, sobre todo las que tenían que ver con entrenamiento auditivo, ya que sin esfuerzo reconocía las notas con solo escucharlas. Sus clases y ejercicios, después de un tiempo, se volvieron mecánicos. Un día se interesó en trabajar y obtener dinero y por sus capacidades intrínsecas, fácilmente consiguió un puesto en una tienda de música. Ahora Juan trabaja en esta tienda como uno de los vendedores estrella. Gana mucho dinero en comisiones y fue sido promovido como jefe de ventas, el fluir para él estaba en vender, no en tocar la guitarra.



El músico que practica sea mucho o poco,  sus resultados posteriores estarán determinados por el como fluyes en lo que te has propuesto y cuales son los sentimientos que te generan. ¿Cuáles son tus intenciones más profundas?¿La sabes?
Siempre digo que cuando tú quieres obtener algo en la vida debes tener tus objetivos claros, si no los tienes va a ser bien difícil conseguir lo que quieres.

We Rock!