Mucho más que enseñar acordes, escalas y técnica
Hace poco publiqué un video en mi canal de YouTube en el que comparto cuatro pilares que considero fundamentales para enseñar guitarra eléctrica y, en realidad, cualquier instrumento musical.
🎥 Puedes ver el video completo aquí:
En el video presento estos conceptos de una manera directa y práctica. Sin embargo, considero que el tema merece desarrollarse con mayor profundidad, porque detrás de cada uno de estos pilares existe una idea mucho más amplia acerca de lo que significa enseñar música. Después de muchos años dedicados a la guitarra, a la enseñanza y a trabajar con estudiantes de diferentes edades, niveles, intereses y objetivos, he llegado a una conclusión bastante clara:
Saber tocar bien un instrumento no significa necesariamente saber enseñarlo.
Un gran guitarrista puede poseer una técnica extraordinaria, conocer cientos de escalas, dominar complejos recursos armónicos o tener mucha experiencia sobre un escenario y, aun así, encontrar grandes dificultades cuando tiene que transmitir ese conocimiento a otra persona.
Porque enseñar implica algo diferente.
Escuchar.
Organizar.
Adaptarse.
Comprender cómo aprende otra persona.
Y, sobre todo, entender que nuestra función como profesores no debería limitarse a mostrarle al estudiante qué tocar, sino ayudarlo progresivamente a comprender cómo aprender. A partir de esta idea considero que existen cuatro grandes pilares que pueden ayudarnos a construir una enseñanza instrumental mucho más sólida:
1. Conocer al alumno.
2. Tener una metodología.
3. Tener claro qué entendemos por música.
4. Enseñar al estudiante a aprender por sí mismo.
Veamos cada uno con mayor profundidad.
1. CONOCER AL ALUMNO
Probablemente este sea el punto de partida de todo proceso educativo. Y aunque pueda parecer evidente, muchas veces es precisamente lo que menos hacemos. Es muy común que un profesor tenga una estructura mental previamente establecida:
“Primero enseño esto, después esto, luego aquello.”
El problema aparece cuando esa estructura comienza a aplicarse prácticamente de la misma manera a todos. Pero los estudiantes no son iguales. Cada persona llega a una clase de música con una historia diferente, una edad distinta, determinados gustos musicales, expectativas, experiencias anteriores, facilidades, dificultades y, sobre todo, una razón particular por la que decidió aprender un instrumento.
No es lo mismo enseñar guitarra eléctrica a un adolescente que sueña con tocar metal que a una persona adulta que siempre quiso aprender blues y recién ahora dispone del tiempo para hacerlo. Tampoco es igual enseñar a quien quiere convertirse en músico profesional que a quien simplemente quiere tocar algunas canciones después del trabajo.
Ambos pueden progresar.
Ambos merecen una buena formación.
Pero probablemente no necesitan exactamente el mismo camino.
El profesor necesita aprender a preguntar
Antes de decidir qué enseñar deberíamos tratar de comprender algunas cosas.
¿Por qué decidió estudiar guitarra?
¿Qué guitarristas admira?
¿Cuánto tiempo puede practicar?
¿Quiere tocar en una banda?
¿Quiere improvisar?
¿Quiere componer?
¿Quiere acompañarse mientras canta?
¿Lo hace profesionalmente o simplemente disfruta aprendiendo música?
Estas preguntas pueden modificar completamente nuestras decisiones pedagógicas. Por ejemplo, si un estudiante adolescente llega fascinado por Yngwie Malmsteen, probablemente podremos utilizar ese entusiasmo para introducir determinados elementos técnicos, como el alternate picking, ciertas escalas, secuencias o ejercicios de coordinación. En cambio, si otra persona quiere fundamentalmente tocar blues, seguramente tendremos que dedicar especial atención al bending, vibrato, fraseo, dinámica y sonido.
Pero la responsabilidad del profesor es la misma:
encontrar el camino adecuado para esa persona.
Enseñar al alumno que tenemos delante
Existe una tentación muy común entre los profesores de instrumento: enseñar aquello que a nosotros nos gusta tocar. Y es comprensible. Naturalmente tendemos a transmitir aquello que conocemos mejor. Pero enseñar no debería consistir en fabricar pequeñas versiones de nosotros mismos. Nuestro trabajo consiste en ayudar al estudiante a descubrir y desarrollar su propia relación con la música. Esto no significa darle únicamente lo que quiere. Un profesor también debe introducir conocimientos que el alumno todavía desconoce y que considera importantes para su formación.
La diferencia está en saber cómo conectarlos con sus intereses. Ahí comienza realmente la pedagogía. Siempre he pensado que conocer a un alumno se parece bastante a afinar una guitarra antes de comenzar a tocar. Podemos tener una excelente guitarra, un gran amplificador y toda la técnica del mundo. Pero si el instrumento está desafinado, algo fundamental está fallando desde el inicio.
2. TENER UNA METODOLOGÍA
El segundo pilar es la metodología. Una clase puede ser entretenida. Puede ser inspiradora. Puede incluso producir avances momentáneos. Pero si no existe cierta organización detrás del proceso, tarde o temprano aparecen los vacíos.Una metodología significa que existe un camino. No necesariamente un camino rígido. Pero sí una estructura que permita saber aproximadamente:
dónde está el alumno, hacia dónde queremos llevarlo y qué necesitamos trabajar para llegar hasta allí.
En guitarra eléctrica existen muchas áreas que podemos desarrollar:
postura;
coordinación;
afinación;
acordes;
power chords;
ritmo;
lectura;
técnica;
bending;
vibrato;
alternate picking;
palm muting;
escalas;
arpegios;
improvisación;
repertorio;
teoría;
armonía;
sonido;
efectos;
interpretación;
práctica con otros músicos.
El problema no es la falta de contenido. El problema es cómo organizarlo.
No confundir metodología con rigidez
Tener metodología no significa convertir las clases en una receta matemática. Un programa educativo necesita estructura, pero también flexibilidad. Podemos tener objetivos generales claramente establecidos y, al mismo tiempo, adaptar el recorrido a cada estudiante. En realidad, aquí comienzan a relacionarse los dos primeros pilares.
Conocer al alumno nos permite adaptar la metodología.
La metodología nos permite organizar aquello que el alumno necesita.
Una buena planificación debería permitirnos además observar el progreso. Si después de varios meses no podemos explicar qué ha mejorado un estudiante, qué dificultades mantiene y cuál debería ser su siguiente objetivo, probablemente estamos simplemente acumulando clases. Y enseñar no debería convertirse en una sucesión de encuentros independientes. Tiene que existir continuidad.
Teoría y práctica deberían encontrarse
Otro aspecto que considero importante es evitar que teoría y práctica vivan en universos diferentes.Cuando explicamos una idea musical, debemos buscar inmediatamente una forma de escucharla y utilizarla.
Si enseñamos un acorde, debemos colocarlo dentro de una progresión.
Si hablamos de ritmo, debemos tocar sobre música.
Si trabajamos técnica, necesitamos entender en qué situación musical puede utilizarse.
Porque el conocimiento musical adquiere verdadero sentido cuando comienza a convertirse en sonido.
La importancia del repertorio
Las canciones cumplen una función extraordinaria dentro del aprendizaje. Una canción puede convertirse en un pequeño laboratorio musical. Dentro de ella podemos trabajar: ritmo, técnica, armonía, sonido, interpretación, memoria, estructura, coordinación, e incluso expresión. Por eso considero importante que los estudiantes tengan contacto relativamente temprano con música real. Estudiamos ejercicios para desarrollar herramientas. Pero finalmente esas herramientas existen para hacer música.
3. TENER CLARO QUÉ ES LA MÚSICA
Este probablemente sea el pilar más filosófico de los cuatro. Y justamente por eso considero que es uno de los más importantes. Antes de enseñar música deberíamos preguntarnos:
¿Qué entendemos nosotros por música?
Dependiendo de nuestra respuesta, nuestra forma de enseñar cambiará completamente. Si pensamos que aprender música significa solamente ejecutar correctamente determinadas notas, probablemente nuestras clases estarán centradas fundamentalmente en precisión. Si pensamos que significa dominar información teórica, posiblemente centraremos gran parte del proceso en conceptos. Pero la experiencia musical es mucho más amplia. En la música encontramos ritmo, melodía, armonía, timbre, dinámica, articulación, intención, silencio, tensión, reposo y expresión. Y todos esos elementos interactúan.
La música no termina cuando tocamos la nota correcta
En guitarra eléctrica esto resulta especialmente evidente. Podemos tocar exactamente las mismas notas y producir resultados completamente diferentes. Una misma frase puede sonar agresiva, delicada, melancólica o prácticamente inexpresiva dependiendo de cómo la toquemos. Un bending ligeramente desafinado cambia completamente una frase. Un vibrato modifica la personalidad de una nota. La dinámica transforma un riff. Un cambio en la articulación modifica una melodía. El timbre producido por nuestra guitarra, amplificador y efectos también participa en el mensaje. 1Todo esto forma parte de la música. Por eso un estudiante no debería aprender solamente: qué notas tocar. También necesita aprender: cómo hacer que esas notas tengan sentido.
Técnica al servicio de la música
La técnica instrumental es indispensable. Necesitamos coordinación, precisión, control, velocidad y recursos. Pero la técnica no debería convertirse en el objetivo final. Es una herramienta. Podemos compararla con el vocabulario de un idioma. Cuantas más palabras conocemos, más posibilidades tenemos de expresarnos. Pero conocer miles de palabras no garantiza que tengamos algo interesante que decir. Con la guitarra sucede algo parecido. Podemos dominar escalas, arpegios, tapping, sweep picking, alternate picking o cualquier otra técnica. La pregunta es:
¿qué hacemos musicalmente con todo eso?
Cuando un estudiante comprende esta diferencia comienza a dejar de pensar solamente como ejecutante y empieza progresivamente a pensar como músico.
Escuchar también es estudiar música
Hay además algo que considero fundamental: aprender música no consiste únicamente en tocar.
Escuchar diferentes guitarristas.
Escuchar otros instrumentos.
Escuchar diferentes épocas.
Escuchar estilos que normalmente no tocaríamos.
Escuchar arreglos.
Escuchar silencios.
Escuchar cómo respira una frase.
Mientras más desarrollamos nuestra capacidad de escuchar, más posibilidades tenemos de comprender lo que sucede dentro de la música. Y cuando escuchamos mejor, también comenzamos a tocar de otra manera.
4. ENSEÑAR AL ALUMNO A APRENDER POR SÍ MISMO
Este cuarto pilar puede parecer paradójico. Porque una de las principales responsabilidades de un profesor debería ser conseguir que, progresivamente, el alumno dependa menos de él. Naturalmente siempre podemos continuar estudiando con profesores. Los músicos profesionales lo hacen constantemente. Pero existe una diferencia enorme entre buscar orientación y ser completamente dependiente de alguien para poder aprender.
Un buen estudiante necesita desarrollar autonomía. Necesita comenzar a reconocer: qué está haciendo bien, qué está haciendo mal, qué necesita practicar, cómo organizar su estudio, cómo resolver un problema técnico y cómo buscar información cuando no conoce algo. Ese proceso es fundamental.
Aprender a practicar
Muchas personas creen que practicar significa simplemente repetir. Pero repetir no garantiza aprender. Si repetimos algo incorrectamente durante mucho tiempo, podemos incluso consolidar el error. Por eso necesitamos desarrollar una práctica más consciente. Por ejemplo, frente a una dificultad técnica podemos preguntarnos:
¿Cuál es exactamente el problema?
¿La sincronización?
¿Un cambio de posición?
¿La digitación?
¿El tempo?
¿La tensión muscular?
¿La memoria?
Cuando identificamos el problema podemos comenzar a diseñar una estrategia. Quizás tengamos que disminuir el tempo. Aislar dos notas. Repetir únicamente un cambio de posición. Modificar la digitación. Practicar con metrónomo. Grabar nuestra ejecución. O trabajar solamente algunos compases. Ese proceso transforma completamente la práctica.
Grabarse es una herramienta extraordinaria
Actualmente tenemos una ventaja enorme que generaciones anteriores no tenían con tanta facilidad. Prácticamente todos llevamos una cámara y una grabadora en el bolsillo. Grabar nuestra propia interpretación puede convertirse en una de las herramientas más útiles para estudiar. Porque mientras tocamos nuestra atención está dividida entre muchas cosas. Pero cuando posteriormente observamos el video podemos concentrarnos exclusivamente en analizar.
Postura.
Afinación.
Fraseo.
Sonido.
Tensión.
Articulación.
Incluso presencia escénica.
El estudiante comienza así a desarrollar algo importantísimo: capacidad de autoevaluación.
Aprender a dividir los problemas
Otra habilidad fundamental consiste en aprender a fragmentar. Cuando una canción completa resulta difícil, no tenemos que practicar necesariamente toda la canción. Podemos trabajar ocho compases.
Después cuatro. Después dos. Incluso una sola transición entre dos notas.
Los músicos que aprenden a estudiar de esta manera progresivamente descubren que los problemas aparentemente grandes están formados por problemas mucho más pequeños. Y los problemas pequeños suelen ser solucionables.
El verdadero objetivo: autonomía
Por eso considero que uno de los mayores logros de un profesor ocurre cuando un estudiante comienza a decir:
“Creo que debería practicar esta parte más lento.”
“Voy a trabajar primero esta sección.”
“Voy a grabarme para escucharlo.”
En ese momento está ocurriendo algo extraordinario. Ya no estamos solamente enseñándole guitarra. Estamos enseñándole a aprender guitarra. Y esa herramienta podrá acompañarlo durante toda su vida musical. El mejor profesor no debería aspirar a crear una dependencia permanente. Debería aspirar a que el estudiante se convierta progresivamente en su propio maestro.
LOS CUATRO PILARES TRABAJAN JUNTOS
Estos cuatro conceptos no deberían entenderse como elementos aislados. En realidad forman parte de un mismo proceso. Conozco al alumno para comprender quién está aprendiendo. Construyo una metodología para organizar el proceso. Tengo claro qué entiendo por música para saber hacia dónde quiero dirigir ese aprendizaje. Y finalmente enseño al estudiante a aprender por sí mismo para que pueda continuar desarrollándose incluso cuando yo ya no esté a su lado.
Podríamos resumirlo de esta manera:
PERSONA → PROCESO → MÚSICA → AUTONOMÍA
Primero está la persona. Después organizamos su aprendizaje. Luego desarrollamos su comprensión musical. Y progresivamente construimos su independencia. Desde mi perspectiva, ahí aparece una diferencia fundamental entre simplemente dar clases y realmente formar músicos.
ENSEÑAR GUITARRA ES TAMBIÉN ENSEÑAR A PENSAR
Con los años he comprendido que muchas de las cosas más importantes que puede recibir un estudiante de música no aparecen necesariamente escritas en una partitura.
Aprender a escuchar.
Aprender a tener paciencia.
Aprender a enfrentarse a una dificultad.
Aprender que equivocarse forma parte del proceso.
Aprender a observarse.
Aprender a corregirse.
Aprender a desarrollar criterio.
Todas estas habilidades aparecen constantemente cuando estudiamos un instrumento. La guitarra termina convirtiéndose también en un medio a través del cual desarrollamos determinadas capacidades personales. Por supuesto, queremos que nuestros estudiantes toquen mejor.
Pero también queremos que progresivamente comprendan qué están haciendo, por qué lo están haciendo y cómo pueden continuar avanzando. Ahí es donde la enseñanza comienza a adquirir una dimensión mucho más profunda.
Nota importante
Podríamos tener decenas de métodos, libros, aplicaciones, plataformas digitales y herramientas educativas. Todas pueden ser útiles. Pero ninguna reemplaza algunos principios fundamentales de la enseñanza. Para mí, estos cuatro continúan siendo esenciales:
Porque antes de enseñar necesitamos comprender a quién estamos enseñando.
2. Tener una metodología.
Porque aprender requiere dirección, progresión y objetivos.
3. Comprender qué es la música.
Porque nuestro trabajo no consiste únicamente en enseñar movimientos físicos o información, sino en ayudar al estudiante a producir, comprender y expresar música.
4. Enseñar a aprender.
Porque finalmente queremos formar estudiantes capaces de continuar creciendo por sí mismos.
Después de muchos años enseñando guitarra eléctrica sigo aprendiendo sobre estos cuatro aspectos. Porque enseñar también obliga al profesor a continuar aprendiendo. Y probablemente ahí se encuentre una de las partes más interesantes de nuestra profesión:
cada nuevo alumno vuelve a enseñarnos cómo enseñar.
🎸 MIRA EL VIDEO
Si quieres escuchar estos cuatro pilares explicados directamente con ejemplos aplicados a la guitarra eléctrica, puedes ver el video completo aquí:
¿Cuál de estos cuatro pilares consideras más importante en la enseñanza musical?
¿Conocer al alumno, tener una metodología, comprender realmente la música o enseñar al estudiante a aprender por sí mismo?
Kike Yompian
Guitarrista · Docente · Director de MasterMusic
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