martes, 16 de agosto de 2022

La guitarra eléctrica ¿Deporte de alto rendimiento o forma de arte?


Para aprender ciertas técnicas avanzadas, es importante perfeccionar métodos de práctica óptimos,  más parecidos al entrenamiento físico que a la expresión musical (algo de suma importancia que hablan todos los músicos). Esto no es nada nuevo y no debería haber controversia alguna. Construir un "vocabulario" más amplio y un lenguaje técnico en un instrumento musical también es muy importante para expandir tu capacidad de expresarte con la guitarra.

Los aspectos competitivos de la técnica de la guitarra también son importantes para mantener el instrumento fresco y empujarlo hacia adelante, y eso no tiene nada de malo. Pero, ¿Dónde encaja la técnica de la guitarra en el aspecto artístico de la música y por qué tantas personas tienen opiniones diferentes sobre lo que constituye un uso válido de la técnica avanzada?  

En aras de un análisis más puro, por hoy, dejemos de lado el aspecto de la "envidia" de este debate y tratemos solo los argumentos que se hacen a partir del desacuerdo lógico entre los músicos sobre este tema.  



Experiencia auditiva versus experiencia visual

Si bien se pueden usar técnicas de guitarra extremadamente avanzadas y de vanguardia como un medio para crear dinámicas dentro de una composición musical, la mayoría de las veces se usan simplemente como un medio para llamar la atención. En otras palabras, estas técnicas tienen más que ver con el arte de la interpretación que con el arte de la composición musical. Una buena manera de pensar en esto es observar a los grandes guitarristas instrumentales de la actualidad cuya música realmente no está destinada a ser escuchada tanto como a ser vista.  

Ser creativo con el desarrollo de nuevas técnicas que sean visualmente más atractivas es una forma segura de llamar la atención  y/o aumentar la intensidad de una actuación. Lo impresionante de las técnicas de guitarra sofisticadas son mucho más "tangibles" que la naturaleza del "oído del espectador" en la composición musical en sí misma. Esto conduce a una especie de carrera armamentista entre los guitarristas para desarrollar la próxima nueva técnica de guitarra que los catapultará al centro de atención de la comunidad guitarrística. En otras palabras, esta es un área en la que no es raro ver más tiempo dedicado a desarrollar y practicar técnicas que a componer música. Esto alimenta mucho a los críticos de "parafernalia versus arte" que cuestionan la validez de la música que es más o menos un vehículo para demostrar nuevas técnicas. 

Al leer esto, es casi seguro que habrás escuchado algo parecido a: "Suena veloz, pero ¿puedes hacer sonar la guitarra con pocas notas?". Si dejamos a un lado la absurda interpretación literal de esa pregunta, podemos ver fácilmente que pretenden contrastar la habilidad técnica en bruto con la expresividad emocional. Esta parece ser la raíz del debate. 

Sin embargo, hay varios problemas para atacar el problema desde este ángulo. La más notable es que es imposible crear un espectro que vaya desde la expresividad emocional hasta la destreza técnica en bruto. Muy pocos lo han logrado, inclusive hay casos en que estos interpretes psicológicamente quedaron muy mal (te recomiendo ver la película SHINE). 

Quizás una mejor manera de enmarcarlo sería ver estos aspectos como "dimensiones" (mundos) de la música. Es fácil decir que el trabajo de guitarra altamente técnico que carece de expresión emocional es "unidimensional". Sin embargo, se vuelve un poco más complicado cuando intentas darle la vuelta a ese argumento.


¿Qué representa la "expresión emocional" en la guitarra eléctrica?

Si bien es bastante fácil describir una técnica de guitarra avanzada, definir la "expresión (emocional)" en la guitarra eléctrica en términos concretos es bastante difícil de hacer. Diferentes guitarristas tienen ideas muy diferentes que a veces se contradicen por completo. Mientras que los instrumentos acústicos tienen el beneficio de la dinámica de volumen, la naturaleza comprimida de una señal de guitarra eléctrica sobrecargada (más comprimida en el proceso de mezcla de una grabación profesional) prácticamente elimina la capacidad de usar el volumen como medio de expresión emocional.  

Si creamos una sección transversal imaginaria de debates sobre este tema, podemos extraer algunos términos clave de lo que la gente parece pensar que permite una expresión emocional efectiva en la guitarra eléctrica. Estas herramientas aparentes para la expresión casi siempre incluyen cosas como vibrato, bends y van tan lejos como incluir expresiones faciales e incluso "articular" las notas mientras el guitarrista las toca. Los dos últimos se pueden eliminar de inmediato, ya que la expresión emocional se puede percibir en una grabación sin el beneficio de ver la actuación. Los dos primeros definitivamente parecen ser efectivos para expresar emociones, pero se puede demostrar fácilmente que no son necesarios para que las emociones se expresen a través de la guitarra eléctrica.  

Piense en un guitarrista eléctrico cuyas raíces están estrictamente en la música clásica barroca con absolutamente ninguna influencia de los estilos de guitarra Blues o Rock. Este guitarrista no usaría vibrato ni bends en ningún momento, pero aun así podría ser muy eficaz para expresar emociones solo a través de la melodía y el fraseo. Además, es fácil transmitir emoción en un trabajo de guitarra altamente técnico que consiste en un aluvión constante de notas basado únicamente en el movimiento de las notas que se tocan. Este, por supuesto, es el contenido emocional de la música y podría expresarse con la misma facilidad en cualquier instrumento capaz de tocar esas mismas notas en el mismo orden. Esto nos lleva a una demostración muy reveladora,  

Este parece ser el punto de divergencia entre dos aspectos de la expresión emocional en la guitarra. Está la expresión dinámica que se permite mediante el uso de técnicas específicas en la guitarra que se han asociado con una especie de "vocabulario emocional" y está el contenido musical de las notas que se están tocando.  

Sobre ese tema, los dejo con esa reflexión para que saquen sus propias conclusiones.

¿Entonces, alto rendimiento o arte?

Si la música se tratara puramente de expresión emocional, entonces es poco probable que se hubieran desarrollado técnicas avanzadas para empezar. Sin embargo, la música tiene aspectos sociales que moldean enormemente el camino que ha tomado a lo largo de los años. Cuando las ideas de fama y éxito financiero entran en la ecuación, es inevitable que surja una competencia no artística. Esta competencia ha llevado a avances increíbles en la técnica de la guitarra a lo largo de los años y, al mismo tiempo, ha mantenido la guitarra fresca y relevante para las nuevas generaciones. Sería un error tratar de invalidar los frutos de las fuerzas competitivas en el trabajo en la historia y la técnica de la guitarra. 

Dicho esto, existe una distinción obvia entre un guitarrista que simplemente se ha centrado en los aspectos competitivos de la guitarra y un guitarrista que utiliza las técnicas desarrolladas a través de la competición como medio de expresión dinámica en las obras artísticas. Sin embargo, los esfuerzos de ambos guitarristas cumplen roles importantes y cada uno es válido por sus propias razones.  

En resumen, la guitarra eléctrica moderna puede verse tanto como un "deporte" competitivo como una forma de arte y creo que los guitarristas eléctricos modernos tienen muchas razones para estar agradecidos por ello. 



jueves, 16 de junio de 2022

"Profe, cuando estoy tocando al frente de otros nada me sale"


¿Te pones nervioso en publico?

¿Cómo puedes estar seguro de que tocarás bien bajo presión?

¿Alguna vez has interpretado una canción para tus amigos y te pones tan nervioso que ni siquiera podías recordar los acordes? 

Por supuesto que sí, nos ha pasado a todos. Es fácil ponerse nervioso  cuando no estamos preparados. Sin embargo canalizada correctamente esta energía "nerviosa" puede conducirte a una gran actuación. Bueno, primero veamos un problema con el que todo guitarrista se ha topado en un momento u otro:

Practicas una canción con mucha exigencia y un día, eres capaz de tocarla a la perfección. Te emocionas porque piensas “¡ya está!” Pero luego, al día siguiente vas a tocarla nuevamente, y ahora no puedes hacerlo a la misma velocidad o con el mismo nivel de fluidez. Este problema es especialmente grave cuando se incluyen otros factores, como tocar frente a una audiencia. Cuando estas concentrado perfectamente, puedes ejecutar perfectamente; sin embargo, si hay distracciones o un publico, cometes muchos errores.

Ahora, tienes un próximo gran espectáculo por venir ¿Qué puedes hacer para asegurarte de no estropearlo, de no ponerte nervioso y equivocarte?

He reunido tres reglas básicas que puedes adoptar para protegerse contra este problema en esos momentos clave:

  1. Cualquier cosa que aprendas que esté en el límite de tu habilidad para tocar, NO está lista para tocar.
  2. No dejes de practicar la velocidad de algo simplemente consiguiendo los BPM mínimos necesarios. Para estar listo para el rendimiento, siempre debes poder tocar perfectamente una canción a 115% BPM o más.
  3. Si no puedes tocar algo perfectamente con los ojos cerrados, será mejor que puedas tocarlo perfectamente mientras te mueves.

Parece bastante simple, ¿verdad? Déjame desglosarlo.

Cuando aprendes algo que va más allá de tus habilidades, cualquier pequeña variable puede afectar negativamente en tu habilidad para ejecutarlo. La razón de esto es que tenemos días buenos, días regulares y días malos. Algunos días tus dedos se sentirán más rígidos que otros, algunos días podrás concentrarte mejor que otros, etc. Si quieres decir que has perfeccionado algo, básicamente necesitas poder tocarlo a la perfección SIEMPRE, aun tengas miedo de que te despidan de tu trabajo o estés enfermo de gripe. Brutal, lo sé. Pero esa es la verdad.  




El resultado final debería ser que, en tus peores días, puedas tocar fácilmente todo a la perfección y, en sus mejores días, puedes tocar todo lo que quieras mejor de lo que necesitas.

lunes, 23 de mayo de 2022

El secreto detrás de la gran improvisación


Imagina que estás en una gran reunión de personas esperando que una banda entre y toque. La banda cancela en el último minuto dejando a todos decepcionados y aburridos. La reunión necesita música en vivo y tú eres la única persona que puede tocar la guitarra. Una guitarra acústica está disponible pero no tienes canciones listas ni nada preparado. ¿Serías capaz de entretener al público y mantenerlo ocupado durante una hora sin preparativos, sin repertorio y nada más que una guitarra acústica?

Si aún no estás familiarizado con lo que voy a decirte, es muy probable que tu respuesta a esa pregunta sea un rotundo "no". Y, si eso es cierto, puedo suponer que has encontrado más que un poco de frustración en el ámbito de la improvisación de guitarra. 

Entonces, ¿Qué puedes hacer al respecto?  

Si te has metido en la improvisación en serio, estoy seguro de que estás bastante familiarizado con los siguientes términos: escalas, corridas, frases, progresiones, etc.



Todas las cosas que mencioné anteriormente definitivamente ocurren de una forma u otra en una gran sesión de improvisación de guitarra. También son conceptos importantes para tener una comprensión firme. Sin embargo, si crees que es el conocimiento que rodea a estos términos y clasificaciones lo que permite una mejor improvisación, te equivocas. La realidad es que todos estos términos y clasificaciones no son más que un mapa apenas adecuado de cómo nuestras mentes perciben los patrones en el sonido y la música. 

Si bien las etiquetas nos ayudan a aprender conceptos musicales básicos y desarrollar ideas conceptuales (lo que nos lleva a progresar en la forma en que podemos expresarnos a través de la música), también pueden ser una gran limitación. Uno de los aspectos potencialmente más destructivos de esta limitación es cómo puede limitar nuestra percepción de lo que es la música y, del mismo modo, cómo nos acercamos a ella.  

Así que, por un momento, olvídate de escalas, acordes, arpegios, etc. y coge tu guitarra acústica. Si estás debidamente inspirado y comienza a tocar, eventualmente encontrarás algunos sonidos increíbles. Todo lo que estás haciendo allí puede ser diseccionado y clasificado en escalas, arpegios, etc. Sin embargo, es la acción de practicar la improvisación en la guitarra sin preocuparte por estas limitaciones lo que te permite comenzar a pensar en el instrumento en términos de cómo suena. 

Bien, entonces, ¿Cuál es el verdadero secreto detrás de la gran improvisación de guitarra?   

La respuesta a eso se puede resumir en dos palabras: emoción y expresión.

Debido a que todos tenemos apreciaciones tanto innatas como condicionadas por la música, simplemente "tocando" con tu guitarra, eventualmente te encontrarás ejecutando cosas que son muy agradables para el oído, solo en virtud de seguir a donde te lleva tu "oído". . Piensa de esta manera: si tu "oído" es el juez final de lo que es bueno en la música, entonces también debería ser la guía final en la creación de esa música.

En este caso, tu "oído" es la parte de ti que se conecta emocionalmente con lo que estás tocando. No solo lo escuchas, sino que lo escuchas de tal manera que te hace sentir bien. Cuanto más practiques para encontrar cosas para tocar que te hagan sentir de diferentes maneras, más compleja se vuelve tu capacidad para expresar emociones a través de la guitarra. Es el contenido emocional de la música que estás tocando lo que realmente capta la atención de la gente y la mantiene. Esa es la verdadera razón por la que puede encontrarse uno con canciones o pasajes musicales que desea reproducir una y otra vez y nunca olvidar. Al aprovechar esto para la improvisación, lo mismo puede ser cierto para cualquier cosa que toques en la guitarra.

No se trata de complejidad o virtuosismo, se trata puramente de sentimiento. 

Si te pararas frente a esa audiencia hipotética y no hicieras nada más que romperla con escalas y volar a través de patrones de "sweeps", la audiencia se sorprendería por unos momentos, pero perdería interés rápidamente. El virtuosismo puede desempeñar un papel importante en la expresión, sin embargo, sin contenido emocional, se reduce al equivalente de ver a alguien haciendo girar las baquetas de forma experta. Definitivamente es genial de ver, pero se acaba bastante rápido la atención. 

Veámoslo desde un ángulo ligeramente diferente. ¿Cuál es la razón fundamental por la que la gente escucha música?  Cambia la forma en que se sienten de una manera positiva.

Entonces, ¿Cómo se improvisa de una manera que sea auténticamente expresiva y provoque una reacción emocional positiva y de simpatía en otras personas?  

Si realmente quieres saber qué diferencia a un gran improvisador de uno mediocre, todo se reduce a quién ha dedicado más tiempo a cultivar su capacidad de expresar libremente las emociones en la guitarra en tiempo real.  



Es posible practicar solos sobre una pista de acompañamiento durante horas al día sin hacer ningún progreso significativo en esa dirección. Sin embargo, si sigues este consejo, la próxima vez que practique solos sobre una pista de acompañamiento, su improvisación tendrá mucho más contenido emocional. El verdadero truco aquí es pasar tiempo regularmente con tu guitarra, solo, sin preocuparte por escalas o progresiones de acordes. Tienes que aprender a "escuchar" a tu mente subconsciente y dejar que dicte cómo sonará la música. Deje que sus dedos se muevan hacia arriba y hacia abajo en el diapasón donde lo deseen. Eventualmente, llegará a un punto en el que escucharás la nota que "se supone que" vendrá a continuación y tendrás que buscarla a tientas para encontrarla. Y, después de haber estado haciendo esto el tiempo suficiente, tus dedos sabrán exactamente dónde ir para encontrar la nota que necesitas.

En ese punto, ninguna nota que toques mientras improvisas será arbitraria. Aunque lo estés inventando en el momento, sonará como una pieza musical compuesta y emocionalmente cautivadora. Una vez más, no tiene que ser complicado. Todo lo que es importante es cuán expresivo es. Puedes complicarte más adelante.

Haz esto durante 10 minutos al día durante los próximos 30 días y luego ve al próximo JAM sesión de tu localidad (o reúnete con otros músicos e improvisen juntos) y sorpréndete de cuánto se ha transformado tu interpretación de solos.  

Un guitarrista que realmente conoce su instrumento puede entretener fácilmente a una audiencia sin ninguna preparación simplemente tocando lo que siente.