sábado, 14 de septiembre de 2019

¿En qué me inspiré para hacer Mon Glamour?


Saludos amiga y amigo. Siempre es importante para mí, cuando realizo un proyecto, saber el objetivo y la razón de lo que hago, no solamente porque tengo un fin en mente, sino porque me permite disfrutar lo que hago, lo mas consciente posible. De paso me sirve para las entrevistas 😉.

"Mon Glamour", la hice pensando en el motivo que me generó escuchar los grupos que más me gustaban en mi adolescencia, específicamente los grupos de hard rock y heavy metal que tenían teclado, como por ejemplo Bon Jovi y las power ballads de aquellas épocas. 
Y yendo un poco más allá, la belleza y glamour propia de la época, de las chicas y chicos, de ese encanto natural ochentero. Más adelante me di cuenta que el tema y el nombre de la canción iba más allá, es así como descubrí la etimología de la palabra glamour. Proviene de un vocablo anglosajón referente a esa magia que proviene del interior de cada uno y que más adelante se transformó en un hechizo que encantaba a todos. 


"El término proviene de la palabra grammar, voz utilizada en la región anglosajona para referirse a los sabios practicantes del ocultismo y las artes mágicas. El término se designa en el siglo XVIII para referirse a un tipo de hechizo, que se fue modificando hasta terminar en un concepto más específico que refería a un tipo de hechizo en el que se alteraba la percepción de la realidad de una persona." (Wikipedia)


Luego los franceses lo tomaron como actualmente lo conocemos, ya más profano. Por lo tanto, este tema trata de eso y en cada sección de la canción hay una parte bien definida, que paso a explicarles detalladamente:

INTRO (0.00-0.18)

Esta parte tiene un teclado con las cuerdas forzadas de la guitarra eléctrica. El teclado representa esa belleza latente que tienen todos y la guitarra eléctrica representa ese grito interior que siempre nos despierta hacia un mundo mejor. 

ESTROFA 1 Y 2 (0.19-0.41)

En esta sección la batería representa el caminar y sentirse bell@ (no les ha pasado que cuando caminan, sea en un atardecer o en la mañana, cuando te cae el viento en el rostro, en plena garúa limeña, en la calle o en la playa te sientes muy bien, no solamente de ánimo sino también físicamente… eso representa)

PRE CORO (0.42 – 0.52)

Pero todo es un descubrir, uno no se siente con belleza sea interior o exterior, sino que es un proceso de encontrarse uno poco a poco.

CORO (0.53 – 1.19)

En esta sección donde hay simplemente tres notas (y otras dos notas más complementando simplemente la melodía) representa la magia y esa puerta que nos abre a la belleza interior. Eso que embellece nuestros actos, nuestra apariencia física, nuestras palabras, etc.

ESTROFA 1 (1.20-1.34)

BRIDGE (1.35-2.02)

Representa justamente el glamour que sobresale e inspira. Con diferente colores o personalidades. Por eso que en esta sección hay una parte más suave de la guitarra y otra segunda más fuerte. 

SOLO 1 (2.02-2.32)

Representa la libertad y la fuerza. 

SOLO 2 (2.33-3.02)

Representa la vitalidad y energía… luego para dar finalmente otra vez al glamour.


jueves, 12 de septiembre de 2019

La guitarra sin límites

La imagen puede contener: 1 persona, tocando un instrumento musical, guitarra y barba


Tour clínicas & MASTERCLASS 2019

✅ Atención academias, talleres y escuelas de música, directores, gestores culturales y emprendedores que quieran llevar mis clínicas y obtener una o varias fechas de mi gira 2019 y saber las condiciones, pueden escribirme a kikeyompian@gmail.com o vía inbox.


✅ Más de 42 fechas realizadas en diferentes partes del Perú con un éxito total, hemos realizado una serie de clases maestras de Guitarra eléctrica, no solamente para los fanáticos de este hermoso instrumento, sino también charlas para todo tipo de instrumentistas. Lugares donde he girado:
- Tacna / Puno / Arequipa / Cusco / Ayacucho / Ica / Huancayo / Pucallpa / Cajamarca / Trujillo / Piura / Juanjui / Lima…

✅ En la actualidad soy director de la Escuela Mastermusic, youtuber con más de 35 mil suscriptores, miembro de la escuela de filosofía IEFI, nombrado como los 25 casos más exitosos de emprendimiento musicales por la UPC, Licenciado en administración, diplomado en Marketing Digital, guitar clinician de Fender en Perú

Correo: kikeyompian@gmail.com

martes, 3 de septiembre de 2019

PRS: La Historia


Si ha habido un fabricante que ha logrado amenazar a las marcas tradicionales que denominan el mercado de las guitarras, ése ha sido PRS: Paul Reed Smith. Un típico instrumento PRS está construido con unos estándares de calidad extremadamente elevados, tiene un aspecto exquisito, es cómodo utilizar y altamente versátil, capaz de un amplio abanico de sonidos. Todo este lujo implica unos precios de venta bastante elevados, que hacen de las PRS guitarras para músicos profesionales o bien amateurs que se tomen muy en serio su afición.

Paul Reed Smith nació en 1956 en Bethseda (Meryland). De adolescente, estaba obsesionado con la música y tocó en numerosos grupos de instituto. Consciente de que ése no iba a ser su camino, empezó a construir sus propios instrumentos a los 16 años; al principio realizaba cuerpos nuevos para mástiles ya existentes pero, poco después, un vendedor de guitarras local quedó lo bastante impresionado con la reparación que Smith había hecho a la Les Paul de un amigo como para ofrecerle un trabajo a tiempo parcial en su tienda, mientras terminaba el instituto.

A la vez que empezaba la carrera de matemáticas, Smith empezó a construir sus instrumentos desde cero. Merodeaba por los backstages en los grandes conciertos de Washington D.C. y Baltimore con la esperanza de conseguir contactos. Finalmente, 1975, logró despertar el interés de una estrella del rock  cuando se presentó en un concierto de Ted Nugent con una de sus guitarras. Éste le encargó una versión de cuerpo sólido de una Gibson Byrdlant, una guitarra eléctrica Archtop de cuerpo hueco elegida por muchos músicos de jazz de la década de 1960. Smith, cada vez más seguro de sí mismo, hizo un pacto con Nugent: "Si no te enamoras de la guitarra, te devuelvo el dinero". Nugent lo hizo y todavía conserva de instrumento.

Resultado de la imagen para ted nugent guitarra prs y un rifle

Smith comprendió que la clave para ser un lutier famoso era que las estrellas del rock usaran sus instrumentos. Antes de entregarle su guitarra a Nugent, tuvo la oportunidad de enseñársela a Peter Framptom, el guitarrista inglés que entonces disfrutaba de éxito mundial con su álbum Framptom Comes Alive! Framptom también le pidió que le construyera una guitarra.

Resultado de la imagen para Peter Framp llega vivo


Con el avance de su carrera Smith fue cada vez más hábil a la hora de contactar con los músicos ricos y famosos del rock:

En 1976, en un concierto en el Capital Center de Washington, Smith tuvo la oportunidad de conocer a uno de sus objetivos principales en una actuación que unía a Carlos Santana con la banda de Chick Corea, Return To Forever. Aunque a Santana le gustó la guitarra, no se comprometió a comprar ninguna. Sin embargo, Al Di Meola, de Return To Forever, quedó muy impresionado y llegó a un acuerdo con  Smith; Di Meola ha usado guitarra PRS desde entonces.

Imagen relacionada

Resulta impactante cuánto se parecen las guitarras a los modelos que una década más tarde saldrían de la cadena de fabricación, con cuerpos de Les Paul posteriores a 1958 con doble indentación, tapas suavemente arqueadas y diapasones ornamentales con instrumentaciones de aves. En el verano de 1977, Smith había fabricado un  total de sólo 17 guitarras, pero empezaba a tener una impresionante lista de clientes. Sin embargo, todavía tenía una meta escurridiza: "Sabía que si lograba fabricar una guitarra para Carlos Santana, lo demás vendría solo". Smith tuvo una segunda oportunidad a finales de 1980, y esa vez logró que la estrella mexicana le encargara un instrumento.

Resultado de imagen para prs santana version economia

En 1985, Smith advirtió que había llevado la fabricación de instrumentos a medida tan lejos como había podido, y reunió suficiente capital para crear una pequeña fábrica en Annapolis (Maryland). Los primeros instrumentos que salieron de la cadena de producción fueron las PRS Custom en distintas variantes. las guitarras se vendían por unos 1.500 dólares. A continuación aparecieron los modelos Standard, Signature y limited Edition; más tarde, las series Artist; Mc Carty y los exóticos instrumentos Private Stock.

Resultado de imagen para prs mccarty

En 1992, PRS empezó una serie irregular de guitarras Dragón. Inspirada en un sueño que Smith había tenido a los 16 años, en que aparecía una guitarra con un dragón incrusta largo del mástil, la Dragón 1 apareció con impactantes mosaicos de dragones. A pesar de que costaban unos 8 mil dólares, se vendieron casi inmediatamente; su valor actual roza lo 30 mil dólares.


La marca PRS es admirable por su compromiso. La maderas nobles exóticas y la artesanía estadounidense de calidad tienen un precio, pero ésas son las bases sobre las que se ha construido el éxito de la empresa.

viernes, 30 de agosto de 2019

4 Recomendaciones para músicos profesionales con estrés


Hace poco realicé un viaje de tres semanas y media por España y Francia. Durante estos días experimenté una grana satisfacción de haberlo realizado en un momento donde estaba realmente cansado y estresado por las múltiples obligaciones de mi trabajo y profesión. En este artículo te mencionaré algunos consejos, de acuerdo a mi experiencia y estudios, para sobrellevar de una manera alegre y feliz tus responsabilidades laborales y artísticas. 

Vacaciones urgente

Muchos músicos olvidan, porque le inconsciente colectivo está impregnado en todos, que tanto artistas como aquellas personas relaciones a las diferentes disciplinas la danza, la música, la literatura, etc, necesitan de nosotros un tiempo de descanso, recarga de energías y soltar nuestros compromisos laborales referentes al arte. Recuerda siempre que el secreto del guerrero es el reposo. 
Por lo tanto, si llevas más de uno año que no tomas vacaciones te recomiendo de carácter urgente tomes unas como mínimo 15 días.

Muchos confunden nuestras giras como vacaciones, porque visitamos lugares, países y viajamos en diferentes medios de transporte, como bus, tren, avión, etc. Así mismo, ya estando en esos lugares muchos se dan la vida loca tomando, estando con mujeres, hombres, pero no es así. La responsabilidad de ser un músico profesional incluye centrarse en el objetivo, DAR UN BUEN ESPECTÁCULO. Es por esta razón que el común de las personas piensan que ser músico y trabajar lo que uno quiere, está genial, "que suerte". Vuelvo a repetir el músico responsable no está pensando en un viaje de placer, sino en cumplir un objetivo claro, dar un buen desempeño y espectáculo.

"Cuando no se encuentra descanso en uno mismo, es inútil buscarlo en otra parte" - François de La Rochefoucauld 


La familia nos necesita



Sea en vacaciones o no, un fin de semana, un feriado, necesitamos compartir con las personas más cercanas en nuestro círculo familiar. El por qué es una razón muy sencilla, ellos conocen nuestros defectos y virtudes, seremos uno más de la familia donde podamos expresar con naturalidad todo lo que no podamos hacer cuando estamos delante de nuestros admiradores, pero a la vez también poder resolver con las personas con el cual hemos resuelto diferentes problemas juntos. Esta parte es crucial porque compartir un buen desayuno, una película, una actividad en conjunto y el resultado de estas te motivará siempre a mejorar siempre por aquellas personas que amas.

"La familia es la patria del corazón" - Giuseppe Mazzini


Haz ejercicio



Hay muchas disciplinas deportivas que pueden añadirse a nuestra vida cotidiana. Sé que para muchos será diícil, pero hay una que nunca falla que son las caminatas. Puedes ir caminando hasta el lugar de los ensayos, hacer tus compras de la semana, cualquier día. Si dispones de algún presupuesto puedes hacer gimnasio, natación, fútbol,  todo es bueno. Aquí el punto clave son las endorfinas ( sustancias naturales sintetizadas por el cerebro que, entre otras cosas, alivian el dolor como sólo pueden hacerlo los opiáceos que incluyen a la morfina, la heroína y la codeína. Sin embargo, las endorfinas no tienen los efectos secundarios que acarrean las drogas al sistema nervioso) que estas a su vez nos prepararán para momentos de tensión y diferentes problemas que suceden en nuestra cotidianidad. Los ejercicios son activadores de las endorfinas. Por eso el dicho "cuando tienes problemas camina mucho y verás como parece la solución en la marcha".

"El sol, el agua y el ejercicio conservan perfectamente la salud a las personas que gozan de una salud perfecta" - Noel Clarasó 


Disciplinas de introspección 



Muchos colegas en la actualidad están haciéndose un espacio para practicar hermosas disciplinas como el yoga, la meditación, taichi, chi kung, que mejorarán increíblemente el balance emocional que debemos tener obligatoriamente pasado los 30 años. El ajetreo continuo, las preocupaciones, responsabilidades, siempre conllevan un grado alto de tensión que provoca muchas dolencias y enfermedades producidas por la psique humana... No es casualidad que el 70% de músicos sufra de ansiedad (estadística con muchas fuentes y estudios realizados) que más adelante conllevarían a diferentes trastornos de personalidad, depresión, etc. 

"Nada hay en la mente que no haya estado antes en los sentidos" - Aristóteles 


Por mi experiencia he visto muchos casos de artistas y músicos amigos míos con esquizofrenia y otras patologías. No es solo la alimentación, los ejercicios o la vacaciones, sino también una discipline mente, cuerpo y emociones. Así que si tienes un colega músico que esté practicando alguna de las disciplinas en este punto. Te sugiero que hables con él para que induzca a trabajar con ello.

lunes, 26 de agosto de 2019

La Gibson Les Paul Standard


En 1958 Gibson sustituye la "Les Paul Gold Top" por el modelo Standard, una guitarra idéntica, excepto por su acabado "sunburst", más conservador que la anterior, aunque dejaba a la vista la madera de arce de la tapa, a veces con efecto deslumbrante. La demanda de la Les Paul había decaído y posiblemente Gibson pretendía atraer a los compradores con gustos más tradicionales, que pudieran haberse echado atrás ante la chillona pintura dorada del modelo anterior. 


En 1961, Gibson dejó de fabricar ese modelo y presentó la línea SG. Sin embargo, en años posteriores, los guitarristas descubrieron que una Les Paul tocada a alto volumen producía un sonido pastoso y sostenido, ideal para las músicas basadas en los blues. Este renovado interés motivó el lanzamiento de algunos modelos Les Paul en 1968, pero curiosamente la estándar no apareció hasta 1975. Desde entonces se ha seguido produciendo de manera continuada.


Resultado de imagen para Gibson Les Paul Goldtop



El sonido de la Les Paul

Resultado de imagen para gibson les paul standard
Depende en gran medida de las maderas empleadas en su construcción. El concepto original consistí en un cuerpo de caoba que proporcionaba un tono profundo, con una tapa de arce para añadirle brillantes. La combinación ofrecía un buen mantenimiento del sonido sin que este llegara a ser demasiado fuerte. Los buenos resultados han hecho que se siguiera usando las mismas maderas. 


El mástil encolado y las grandes pastillas humbuckers acentúan el sostenimiento natural de la guitarra y amplían la gama tonal, como pretendía Les Paul al diseñar el instrumento. Todos estos factores han contribuido a su gran aceptación entre los músicos de todos lo estilos.


El precio de la Les Paul

Afines de los 60 y en manos de músicos como Erick Clapton en Inglaterra y Mike Bloomfield en los EE. UU., la Les Paul Standart alcanzó niveles de popularidad sin precedente. Su sonido pastoso y sostenido, que podía oírse tocado por Erick Clapton en el álbum "Blues Breakers" de John Mayali (1966) y por Bloomfield en el "East-West" de Paul Butterfield (1966), ejerció una considerable influencia sobre los músicos de época.




Las standard más cotizadas eran las fabricadas entre 1958 y 1961, pero durante dicho periodo sólo se fabricaron una 2 mil, por lo que la demanda superaba con mucho a la oferta, y los precios de las Les Paul se dispararon de tal manera que se ha llegado a la irónica situación de que estos instrumentos han quedado fuera del alcance de los simples músicos, y muchos de ellos han acabado encerrados en las cámaras de los bancos, como meras inversiones financieras. 

viernes, 2 de agosto de 2019



Este 15 de agosto se presentantará mi nuevo EP,  lanzando el primer single “Mon Glamour” en plataformas de streamming y descarga como Spootify, Apple Music, Deezer y muchas más.  Esta primera y nueva canción aparecerá también, en calidad de estreno, en el canal de YouTube, contando dentro de la alineación de músicos con:
♦Josie Romani (Baterista: Area7, Las Amigas de Nadie, Giovanni Derteano, Heartbreakers )
♦ Javier Figueroa ( Bajista: Ni voz ni voto, José Gaona, Nano Morris, Ramiro Saavedra )
♦ Miriam Maldonado ( Tecladista y vocalista de la banda de metal peruano VULTURE, músico, letrista y compositora )
El tema “Mon glamour” es un tema instrumental, composición original de Kike Yompian que será distribuida a nivel mundial por CD BABY. Además, grabada y mezclada en Solar Studios (Lima, Perú) con la producción de Aquiles Solar (Músico e ingeniero de sonido ganador del concurso G6 guitarristas peruanos en vivo). La producción audiovisual dirigida por Tomas Garnique de TTD films (Productora audiovisual especializada en la realización de material para la industria musical).
Este nuevo EP tendrá así mismo dos próximos singles y vídeos, que ya están programados lanzarse en septiembre y diciembre del año en curso. 





miércoles, 3 de julio de 2019

Las 2 tiendas más grandes de música en el mundo PT. 1

Antes de mostrarte un pequeño recorrido por las dos tiendas de instrumentos musicales más grandes del mundo, quiero agradecerle como siempre a ustedes, porque gracias a sus preguntas y comentarios, puedo hacer este tipo de artículos. Por eso te pido si tienes una sugerencia o comentario, te pido lo escribas en la caja de comentarios y no olvides de suscribirte a mi blog.


Just Music Berlin


Está en el corazón de las metrópolis de Alemania. incluso tiene diferentes locales en el norte y en el sur. Hamburgo, Berlín, Múnich y Dortmund, han escrito la historia de la música y han acompañado a los músicos entusiastas durante más de 30 años proporcionándoles los mejores instrumentos.

Esta empresa está conectada con su la ciudad y sus músicos, se comprometen en apoyar los nuevos proyectos. Si vas a la ciudad o tocas en la ciudad, te darán la bienvenida con la mejor selección de instrumentos en la ciudad del país. En él realizan muchos talleres, eventos de música y promociones de instrumentos musicales.






Página de FB de Just Music Berlin : https://www.facebook.com/justmusicberlin/

Musik Produktiv Deutschland

A esta empresa de música lo llamaron El Dorado para músicos, esta tienda de música está ubicada en Laggenbeck. Tiene más de 3000 metros cuadrados, en él podrás encontrar lo que estás buscando en instrumentos musicales. Eso es lo que quiere representar el fundador de la compañía, Günter Zierenberg, desde que abrió su primera tienda en un antiguo negocio de lácteos. Y por eso que cada día músicos de toda Europa encuentra su camino a este almacén de instrumentos.

Entre los aspectos más destacados de esta tienda de música sin duda, es la galería de guitarras, también llamada Red Room. Encontrarás marca como, Fender, Gibson y otros fabricantes principales. Cuenta con un stand de demostración solo para e-drums entre otros.





WE ROCK!!



miércoles, 26 de junio de 2019

Historia de B. C. Rich


Para ser un nombre tan inevitablemente asociado a la escena del metal, la marca B. C. Rich tiene su origen en una fuente bastante distinta. En 1966, un  exitoso lutier de guitarras acústicas llamado Bernardo Chávez Rico empezó a construir guitarras flamencas en su taller de Los Ángeles (California)


Tres años después "B. C. Rich" produjo su primera remesa de instrumentos eléctricos diz guitarras y diez bajos inspirados, respectivamente, en los modelos Les Paul y EB-3 de Gibson. En 1972, Rico fabricó la Seagull, con su distintiva forma que apunta en la dirección que iba a tomar la empresa.

La primera B. C. Rice que recibió un amplio reconocimiento fue la Mockingbird (clasificada como la "guitarra más molona de la historia" por la revista Guitar World en 2010). Ésta fue seguida por los modelos Eagle y Bich.


La Warlock surgió en 1981 y se considera la última entrada en las "cinco formas clásicas" de B. C. Rich. Su forma de garra fue ampliamente adoptada por la efervescente  cultura del metal del período.



Durante la década de 1980 se pusieron de moda las formas de guitarra poco ortodoxas: muchas de las mejores tienen su origen en diseños originales de B. C. Rich.

Página web de B. C. Rich Guitars: http://www.officialbcrichcustomshop.com/

WE ROCK!!

miércoles, 19 de junio de 2019

El nacimiento de la Guitarra eléctrica


Nadie inventó la guitarra eléctrica. El instrumento fue evolucionando a lo largo de una serie de experimentos y colaboraciones entre músicos, fabricantes y técnicos, y este proceso se desarrolló sobre todo en EE.UU. durante los años treinta y cuarenta. Lo que se buscaba era una guitarra que sonara más fuerte pero con la misma musicalidad que un instrumento acústico. Al principio, algunos diseñadores trataron de conseguirlo mediante artificios mecánicos, el más conocido de los cuales fue la guitarra resonadora. Poco a poco, se fue haciendo evidente que la solución más práctica consistía en la amplificación por medio de pastillas electromagnéticas; el primero en poner en práctica esta idea fue Rickenbacker. El método se aplicó con excelentes resultados a las guitarras steel, utilizadas para obtener el sonido hawaiano que gozaba de una enorme popularidad en los EE.UU. desde el final de la Primera Guerra Mundial.


A continuación, se aplicó la amplificación eléctrica a la guitarra "española", que es como se denominaba en aquella época a la guitarra "normal", menos popular hawaiana. 

Poco tiempo después, un puñado de visionarios entre los que se destacaban Les Paul, Paul Bigsby, Merle Travis y Leo Fender sustituyó la tradicional caja hueca de la guitarra por un cuerpo macizo, reduciendo así la interferencia del cuerpo con el timbre de la guitarra, simplificando la producción y abriendo el camino a la guitarra eléctrica moderna, tal como hoy la conocemos.

LA "SARTEN"

La primera pastilla electromagnética para guitarra fue la de la Frying Pan original, que constaba de dos grandes imanes de herradura que rodeaba las cuerdas y una bobina situada debajo de éstas. 

Las pastillas electromagnética se basa en un principio relativamente sencillo; cuando las vibraciones de una cuerda metálica perturban un campo magnético, se puede inducir una corriente en una bobina situada en dicho campo. La bobina genera una señal de corriente eléctrica cada vez que las cuerdas se pulsan y vibran, y esta señal pasa de la guitarra al amplificador, que le amplifica y la  transmite a un altavoz.

El prototipo de la Frying Pan se convirtió en 1932 en un instrumento de serie, fabricado por Ro-Pat-In, en una empresa fundada a tal efecto por Beauchamp, Rickenbacker y Barth. Estos instrumentos eran de aluminio y se ofrecían en dos versiones: la A22 y A25, que era más grande. Al poco tiempo, la Ro-Pat-In pasó a denominarse Electro Instrument Corporation, y en 1934 sus guitarras empezaron a ostentar la marca combinada Rickenbacker Electro.

En algunos  de los primeros instrumentos, el apellido Rickenbacker aparece mal escrito (Rickenbacher), un error que se repitió de vez en cuando durante los años siguientes.

Resultado de imagen para frying pan sarten prototipo de guitarraAl principio, la Frying Pan se vendió mal, según cuenta Richard Smith en su libro "The complete History of  Rickenbacker Guitars". Al parecer, el aluminio ocasionaba problemas de desafinación. El instrumento continuó apareciendo esporádicamente en los catálogos de Rickenbacker hasta los años cincuenta, pero ya a mediados de los treinta Rickenbacker se había enfrascado en la fabricación de una nueva serie de guitarras hawaianas eléctricas  que tuvieron un éxito más inmediato. Tenían forma de guitarra normal, pero con la caja más pequeña, y estaban hechas de chapa metálica o de baquelita.

WE ROCK!

martes, 11 de junio de 2019

Jackson & Charvel... ¿Que paso?



Es difícil hablar de Jackson Guitars sin detallar la relación de la compañía con la marca Charvel y, de hecho, con su fundador, Wayne Charvel.

Wayne Charvel había fundado la tienda de reparaciones Charvel´s Guitar Repair en Asuza (California), a principios de la década de 1970. Empezó dedicándose a la puesta a punto, las pequeñas reparaciones y la aplicación de nuevos acabados sobre las guitarras que llevaban a su tienda, pero poco a poco evolucionó hasta la fabricación de instrumentos a medida. Charvel tuvo dificultades cuando un acuerdo de venta y publicidad fallido terminó en los tribunales. Durante eses período, el guitarrista no profesional Grover Jackson conoció a Charvel mientras buscaba piezas en su tienda. Jackson, convencido de que podía cambiar la suerte de Charvel, aceptó trabajar para él a cambio de 10% de sus ganancias. La marca Charvel empezó a adquirir popularidad entre los guitarristas de rock de la Costa Oeste. Un año más tarde, en 1979, los problemas económicos personales de Charvel se agravaron y, para evitar que declarara la compañía en bancarrota, Jackson se la compró por unos 40 mil dólares.

La marca Charvel estaba ya al alza gracias al nuevo dinamismo aportado por Jackson cuando un joven guitarrista llamado Eddie Van Halen empezó a usar superstrat Charvel. En 1982, Van Halen apareció en la portada del álbum de debut de su banda, considerado uno de los clásicos del rock, luciendo su Charvel personalizada.

1.- La demanda de Charvel se disparó en cuanto el álbum alcanzó el éxito.
Ese mismo año, Randy Rhoads, guitarrista de Ozzy Osbourne, convenció a Jackson para que creara una Flying V de alto rendimiento.

Imagen relacionada

2.- El instrumento resultante, al que bautizó con el nombre del guitarrista tras prematura muerte en 1982, se consideró demasiado extremo como para encajar en la oferta de Charvel. Así, se lanzó bajo la marca Jackson, que no tardaría en ganarse una reputación como fabricante de guitarras de gama alta.

Resultado de imagen para corey beaulieu guitar

3.- Las marcas de Jackson y Charvel prosperaron una junto a la otra. A mediados de 1980, con el fin de ampliar su negocio, Jackson se unió a la Internacional Music Corporation. En 1990 vendió el resto de sus acciones a la IMC.

Imagen relacionada



En 2002, las marcas Jackson y Charvel fueron adquiridas por la potente Fender Corporation, propietaria ya de las marcas tan distinguidas como Gretsch y Guild.


WE ROCK!

jueves, 30 de mayo de 2019

La historia secreta de Ibanez

Muchos queremos saber las historias de las grandes marcas de guitarra, espero que les guste este articulo. WE ROCK!

En la actualidad la marca japonesa Ibanez, es uno de los mayores fabricantes de guitarras. la compañía ha tenido una historia convulsa en 1870, cuando el luthier Salvador Ibañez, abrió su primer taller en Valencia (España). Ibañez producía guitarras clásicas de gran calidad que vendía en todo Europa y exportaba a Japón a través de la compañía Hoshino Gakki de Nagoya.


Durante la guerra civil española (1936 - 1939) se sucedieron periodos de gran violencia en la capital Levantina y, en una batalla particularmente sangrienta, el taller de Ibañez fue destruido y muchos de sus empleados fallecieron. Los dos hijos de Ibañez que habían tomado el control de la marca tras la muerte de padre en 1920, también perdieron la vida durante la guerra. 

Hoshino Gakki, incapaz de suministrar más guitarras Ibañez a sus clientes, compró los derechos de la marca a los miembros sobreviviente de la familia y empezó a fabricar los modelos de Salvador Ibañez exclusivamente para el mercado japones. En una desgraciada repetición de lo ocurrido con el taller de Ibañez en Valencia, la fábrica Hoshino fue destruida en 1945 durante un bombardeo y tardó 5 años en retomar la producción. 


En 1957, las guitarras fabricadas por Hoshino tan solo llevaban el nombre "Ibanez". En 1962, la compañía entró en el mercado de las guitarras eléctricas. Losa primero catálogos de la marca muestran una mezcla de curiosos diseños japoneses junto a copias de modelos clásico estadounidenses y europeos; curiosamente la mayoría de copias se inspiraban en los modelos de Hagstrom y Burns. A finales de la década de 1960, empezó a disminuir la demanda de guitarra eléctricas de gama baja. 


Ibanez guitar 2375N - Catálogo 1977

A finales de 1970, guitarras como la Yamaha SG2000 demostraron que Japón era capaz de producir modelos de la más alta calidad. Ibanez, por su parte cambió de dirección y se centro en la creación de modelos originales. La siguiente década vio la aparición de gamas como: Iceman, Maxxas, Blazer, Roadstar y Axstar.


IBANEZ Roadstar

La colaboraciones con artistas célebres fueron otras de las claves del éxito de Ibanez. Empezaron de la década de 1970 con los modelos, George Benson y Paul Stanley (Kiss), y siguieron a la década de los 1980 con la Jemm y la Universe de 7 cuerdas, creadas por el visionarios Steve Vai. Actualmente Ibanez posee uno de los catálogos más amplios del mundo. con opciones a todos los bolsillos.


Nota: Las "guitarras "pleito de Ibanez". Las guitarras construidas por Ibanez, como la mayoría de las realizadas por los fabricadas por los principales japones durante la década 1960, eran copias de modelos clásicos de occidente. Durante la década de 1970 diversas copias Ibanez de modelos Gibson empezaron a filtrarse a Estados Unidos, lo cual termino en una demando en 1977. Curiosamente Gibson mencionaba el cabezal de las guitarras en un lugar de los cuerpos. Ibanez aceptó zanjar el c aso extrajudicialmente y desde entonces se concentro en la fabricación de diseños originales, con algunas de las mejores Superstrats producidas en serie.


Ibanez 1973 Gibson SG (copia)

lunes, 27 de mayo de 2019

¿La guitarra ideal existe? - Parte 1



Desde que iniciamos a tocar la guitarra eléctrica, a la par que aprendemos escalas, acordes, técnicas, ritmos y todo aquello que conlleva una ejecución correcta nos preguntamos como puedo sonar mejor. Es aquí que viene la gran pregunta... ¿Existe la guitarra ideal?
La sencillez esencial de la guitarra plantea un desafío a todo aquel que decida construir una guitarra, 1000 guitarra o 100 mil guitarras. ¿Cómo se puede mejorar un objeto tan sencillo y práctico?

Los Fabricantes y los primeros intentos


Este desafío ha sido aceptado por personas de muy distintas procedencias, que han fabricado instrumentos con la esperanza de proporcionar a los guitarristas algo cada vez más parecido a la guitarra definitiva. Algunos de estos diseñadores eran músicos, como el innovador e influyente Les Paul, que aplicó su mentalidad de instrumentista a los componentes físicos de la guitarra.


Otros eran ingenieros, deseosos de aplicar sus conocimientos de las materias primas o la electrónica a un objeto que combina la artesanía, la ciencias y el arte, como lo hizo en  los años 50 el reparador de radios Leo Fender, que introdujo la guitarra en la era de la producción en masa. 

A tener en cuenta


Mientras que una guitarra acústica produce sonido por el efecto de la vibración que provocan las cuerdas en el cuerpo y por el aire dentro de este, el sonido de una guitarra eléctrica es una señal producida por un campo electromagnético inducido, generado por la vibración de cuerda metálicas cercanas a la pastilla unos receptores sensibles ("pickup" en inglés). La señal es entonces moldeada de su camino a el amplificador usando una variedad de dispositivos o componentes que modifican el tono y otras características de la señal. Este hecho tan importante sera el desencadenante de cientos de combinaciones y sonidos a tener en la eléctrica en su recorrido al amplificador hasta los altavoces. 

Por eso todas las innovaciones de los fabricantes nos explican como se han interpretado , por cada uno de ellos un diseño básico que inspira a todos los amantes de la guitarra. Algunas ideas han tenido éxito; otras muchas han fracasado. Por eso, es importante reconocer que no hay guitarra mala si es que cumple con los requisitos básico que son:

- Buenas entonación (octavación)
- Madera aceptable 
- Electrónica decente 


Cada guitarrista buscará entonces la forma y el modelo y el sonido, de acuerdo a sus necesidades. Así poco a poco encontraremos la guitarra ideal o perfecta. Si somos músicos que tocamos en diferentes bandas con diversos estilos musicales, será más difícil que una sola guitarra pueda satisfacernos... Y es así que debemos respetar los gustos y preferencias de nuestros colegas que muchos con buena intención nos recomiendan las mejores modelos.

Continuará...

We rock!


viernes, 24 de mayo de 2019

¿La guitarra eléctrica disminuye en popularidad?



La guitarra ha venido experimentando sucesivos altibajos de popularidad desde el siglo XVII,pero en el siglo XX se convirtió en uno de los instrumentos musicales más populares.


Hasta tiempos recientes, se vendían en E.U. más guitarras que ninguna otra clase de instrumentos, aunque a partir de 1985 los nuevos miniteclados portátiles  pasaron a la cabeza. Aún así, el número de guitarras que se vendían en EE.UU. era superior al de casi todos los demás instrumentos. La NAMM (Asociación Nacional de Comerciantes Musicales) recoge estadísticas de ventas de distintas fuentes; según sus cifras, en 1989 se vendieron en EE.UU. más de 1.400.000 guitarras, superando con muchos a los 350 mil instrumentos de viento de madera, 320 mil sintetizadores y unos 138 mil pianos (en las dos últimas cifras se incluyen las exportaciones). La venta de teclado portátiles superó las 3 millones de unidades en esas épocas.



Las cifras de ventas de la NAMM, que se basan en cálculos de la industria y de la Comisión de Aranceles, permiten también apreciar el auge explosivo que experimentó la guitarra a principios de la década de los setenta, y que alcanzó su punto culminante en 1972, cuando se vendieron más de dos millones y medio de guitarras, como consecuencia de la revolución ocurrida en las músicas rock y folk, que tenía absorbida a la juventud del país. A partir de aquel año, las ventas de guitarras en los E.U. fueron decreciendo poco a poco, hasta alcanzar un mínimo en 1983 (coincidiendo con la recesión económica y la aparición de teclados a precios populares), pero luego volvieron a ascender hasta 1988, el último año del que disponemos de cifras en el momento de escribir este texto. En Japón, según cifras del Ministerio de Comercio Internacional, que incluyen las ventas nacionales y las exportaciones, en abril de 1990 se vendieron unas 54 mil guitarras, superando a los sintetizadores (26.500), los pianos (25.500) y los instrumentos de viento de madera (19.500), pero por detrás de los teclados portátiles (102.000) y los teclados electrónicos (166.000).


Durante los años 80, la guitarra empezó a perder su predominio en la música ´popular siendo superado por los instrumentos de teclado, en especial el sintetizador, pero también el sampler, un aparato que permite grabar digital-mente sonidos reales para luego tocarlos en cualquier tono por medio de un teclado. A partir de 1990 se hizo habitual el empleo de ordenadores para controlar los sintetizadores y sampler, y este cambio de orientación en la producción de música popular ha significado un cambio de suerte para algunos fabricantes de guitarras. Algunos de ellos han intentado coordinar las guitarras con los sintetizadores, reclamando para la guitarra un lugar entre los ordenadores y el equipo electrónico de estudio moderno, mientras que otros se dedican a mezclar diseños clásicos, en busca de una nueva combinación de efecto seguro.


Cuando Alan Holdsworth le decía a Matt Resnicoff "por desgracia ahora el negocio de la música está antes que la música; los de abajo tenemos que luchar contra ellos, y eso es lo que estamos haciendo" (guitar player 1990), estaba hablando desde el punto de vista del músico, pero también podría haber estado expresando los problemas del fabricante de guitarras modelo.


Ya en el periodo de los 2000 hubo un ligero repunte, sin embargo en lineas generales, la tendencia fue en una caída sostenida esta vez en todo el mundo. El repunte del cual hablamos fueron en los países emergentes como Perú, y otros como la región de Asia. En la pasada década, se vendió millón y medio de guitarras eléctricas al año; en 2016, apenas se superó el millón de instrumentos despachados. El descalabro se disimuló una vez mas, con un repunte en el consumo de guitarras acústicas; lo llaman el Efecto Taylor Swift ya que son chicas jóvenes las principales compradoras. 


Resultado de la imagen para taylor swift country

No obstante todas las fuentes de datos ofrecen el mismo panorama. La famosa y prestigiada revista especializada, Guitar player, señala que, según un estudio realizado por IBISWORLD (Compañía dedicada a la investigación de mercados), el sector habría crecido de forma sólida en el periodo 2011 - 2016. Según parece, dicho crecimiento habría sido de 1.24% anual y la expectativa es si siguiese creciendo es hasta el 2022. Esto se basa en la venta de guitarras acústicas de forma conjunta.

Otra de las voces de importancia también ha emitido un juicio positivo: la National Association Of Music Merchants, más conocida como NAMM (sí, la organización responsable de la feria), señala que las ventas de guitarras se ha visto incrementada un 28% durante los últimos 10 años. No obstante, Guitar Player también nos recuerda que las ganancias totales en EEUU procedentes de guitarras eran en 2006 de 6.600 millones de dólares, mientras que en 2017 fueron de 5.600 millones de dólares.

Esperemos entonces que el mercado siga creciendo... 

WE ROCK!!

miércoles, 8 de mayo de 2019

El guitarrista completo ¿Existe?


El guitarrista está siempre aprendiendo y cuanto más toca, más progresa. Existen muchos consejos, trucos, ejercicios y métodos, pero en honor a la verdad no hay ningún atajo. El único modo de mejorar es a fuerza de una práctica sostenida y con una buena cantidad de horas al día. En este artículo hablaremos de ciertas aproximaciones y conceptos de lo que es un guitarrista completo.

Según los diferentes métodos y manuales más consultados por los guitarristas modernos para ser un instrumentista completo hay que tener en cuenta que el progreso se realiza en 3 direcciones:


Técnica


La técnica es la parte mecánica y consiste esencialmente en lograr que los dedos hagan lo que uno quiere. En parte se trata de desarrollar coordinación, fuerza y movimientos independientes en los dedos de ambas manos; y en parte de memorizar posturas y digitaciones. Lo que se pretende es siempre poder tocar las notas que se desean, sin fallar y sin perder la medida. A esto se le suele llamar "memoria de los dedos", y para adquirirla el único método es la simple repetición. Es decir, hay que practicar mucho.

Teoría


Es la parte intelectual y se ocupa de como funciona la música. Todos los guitarristas aprenden algo de teoría sobre la marcha, aunque no piense mucho en ello. No obstante, la teoría de la música tiene una cierta mística que hace pensar a muchos guitarristas que se trata de algo complicado y difícil, cuando en realidad es más fácil de lo que parece.



"En los libros y programas académicos se suele decir al estudiante, directa o indirectamente, que debe aprender cientos de piezas musicales. Lo que no le dicen es que estos cientos de piezas están compuestos por los mismos malditos acordes, secuencias, escalas e intervalos. Constantemente se le hace pensar al principiante que tiene que aprender miles de cosas, pero no es así" --- Howard Roberts

En muchos campos de la teoría musical, lo intelectual se confunde con lo instintivo. Al ir desarrollando el "oído", se siente de manera instintiva lo que puede sonar bien o mal. La teoría de música puede considerarse como un simple método de analizar de lo que el oído nos dice.

"Gusto"


Es el aspecto más difícil de difinir. Se trata de lo que uno decide tocar. No existe más guía que la importancia de desarrollar un "sentido" para lo que tocan los demás músicos de la banda y lo que resultaría adecuado en ese contexto. En esto, como en todo, hay que ser crítico acerca del propio trabajo y escuchar con atención el resultado.

"Las partes que toca la guitarra solista pueden frases que no puedes decir, y haces que la guitarra los diga... la canción es la que dictas la que tocas, más que el estilo propio... como en los viejos blues llorones, donde el slide hablaba... no tiene sentido hacer un solo por que sí en una canción : debe surgir naturalmente en el contexto"--- Mark Knopfler


WE ROCK