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miércoles, 6 de noviembre de 2019

Todos lo hacen por hobby


No te ha pasado que cuando ensayando con tu banda, algunos o todos los integrantes ¿no ponen de su parte? ¿siempre alguien llega tarde? ¿siempre eres tú el que cuadra los ensayos? ¿nadie busca tocadas? Todas estas cosas pasan normalmente en una banda, y aunque resulte extraño todos pasamos por lo mismo. En este artículo te daremos algunas breves recomendaciones de cómo superar esta etapa y entender los casos más típicos que relacionan a tu banda y su entorno.

1. ¿Por qué ellos no ponen de su parte?

La personalidad o más dicho el temperamento de cada persona es diferente, para ir directamente al grano, no todos tienen la predisposición y objetivos similares. Si bien a todos les gusta la música algunos pueden hacerlo por diversión, por ilusión, motivación... y ninguna de estas sirve para llegar lejos. Lo que se necesita no es solamente pasión por la música sino como lo repetimos en varios artículos anteriores (futuros también) un verdadero amor por la música, combinados con altos grados de inspiración y perseverancia.

2. Casos análogos y extraordinarios 

Para que puedas entender el punto anterior, es necesario que te diga algunos ejemplos muy comunes y que seguro te identificarás con algunos de ellos.

Caso 1

Tenía un alumno asombroso con oído absoluto, una memoria casi enciclopédica y una técnica increíble. Este joven estudiante, faltaba a muchas clases, llegaba tarde, estaba más pendiente de la enamorada y además de esto, no tenía la ambición propia de aquellos apasionados en tener una banda o grabar sus propios temas. Después de algunos años, me enteré que había dejado la música y estaba trabajando como vendedor en un almacén. El tocar bien no te asegura nada.

Caso 2

Las sorpresa llegó cuando me enteré que uno de nuestros alumnos, en la escuela Mastermusic, tenía su estudio de grabación, era productor musical y él siempre era el encargado de grabar sus guitarras en muchos de sus trabajos. Este estudiante era sujeto de bullying por escuchar grupos de pop y canciones muy comerciales cuando cursaba nuestro programa de músico, sin embargo, siguió adelante inclusive aún cuando tenía problemas en técnicas de metal y shredding. El persistir siguiendo un objetivo definido, siempre rinde frutos.

ESTOS SON CASOS VERDADEROS, Y PODRÍA CITARLES DECENAS DE EJEMPLOS.

3. Fluir y deslizarse en la ola

"Lo que no te mata te hace más fuerte", todas las quejas que podemos tener acerca de las falencias de mi banda, harán que esté en una constante crítica y forma de mejorar progresivamente tu alrededor, por eso, si tú sientes que no son responsables con la banda, y aunque suene radical, no lo son también  indispensables... así que los puedes sacar o tú retirarte y empezar algo mejor. No obstante, no te des por vencido, sé constante apoyando a la banda, porque con esto aprenderás mucho (inclusive pensando que tú estás haciendo cosas que ellos deberían hacer, es decir, que son de su responsabilidad) tú aprenderás mucho haciendo de todo. Esto es lo que aprendí en mi curso de administración de personal, "quien conoce más, tiene el poder". 

No pierdas la alegría, la espontaneidad y las ganas de seguir adelante con tu banda. Lo retos más grandes (las olas), prueban a las personas y las hacen mejores. 

4. Todo pasa y un nuevo escalón

A veces cuando no hay nada que solucionar, debemos esperar a que todo se diluya, si no hay solución para que preocuparse. Te quedará la experiencia y podrás empezar algo mejor. ¿Por qué te menciono siempre esta frase? Porque quien te habla, le han cerrado puertas, rechazado de bandas, ¿imaginas? A pesar de ello, he tenido muchos éxito a nivel profesional, mi ejemplo se puede replicar a muchos de ustedes que están ansiosos de tener una banda y creo que como es normal ser famosos... Arriésgate y sigue avanzando. 

Un momento de éxito compensa el fracaso de años - Robert Browning

viernes, 26 de octubre de 2018

El metrónomo


El entrenamiento con el metrónomo es muy importante, como lo han mencionado muchos músicos e instructores, y estoy seguro que tú también lo intuyes sin necesidad que alguien te lo haya dicho. En este artículo mencionaré las razones del porqué debes practicar con metrónomo y también las de porqué no hacerlo sin el.


METRÓNOMO

El metrónomo (del griego μέτρον métron ‘medida’ y νόμος nómos ‘ley, norma’) es un aparato utilizado para indicar tiempo o pulso de las composiciones musicales. Produce regularmente una señal, visual o acústica, que permite a un músico mantener un pulso constante al ejecutar una obra musical.





Según la definición, la indicación del pulso es clave para poder llevar la canción a un tiempo constante y/o con las variaciones que se nos pidan. De tal forma cada vez que no seguimos "el tiempo de una canción" sonará descuadrado y desordenado... Eso también lo suponías. El tema está cuando tenemos que grabar en un estudio de grabación o hacer una presentación en vivo, no solamente se da cuenta el público que estás fuera de tiempo, si no también los integrantes de tu banda, el ingeniero de sonido y todas las personas de tu alrededor. Por eso es importantisimo que siempre estés a tiempo.


AÑOS DE PRÁCTICA

La manera más importante de practicar con el metrónomo es a través de un sistema muy conocido por todos los profesores que es empezar con los diferentes bpm's (golpes por minuto o beats per minute, escritos generalmente en la parte superior izquierda del pentagrama) especificados en el siguiente listado: 
  • Larghissimo: extremadamente lento (menos de 20 ppm); usado en raras ocasiones. 
  • Largo: muy lento (20 ppm). 
  • Lento moderato : (20 - 40ppm).
  •  Lento: lento (40 - 60 ppm).
  •  Grave: lento y solemne (≈40 ppm).
  •  Larghetto: más o menos lento (60 - 66 ppm)
  •  Adagio: lento y majestuoso (66 - 76 ppm); para Clementi, el movimiento más largo no era el largo sino el adagio.
  • ​Adagietto: un poco menos lento que el adagio (70 - 80 ppm); poco usado. 
  • Tranquillo: tranquilo. 
  • Tranquillamente.
  •  Afettuoso: (72 ppm). Andante: al paso, tranquilo, un poco vivaz (76 - 108 ppm). 
  • Andante moderato: con un poco más de celeridad que el andante (92 - 112 ppm). 
  • Andantino: más vivo que el andante moderato; sin embargo, para algunos significa menos vivo que el andante. 
  • Moderato espressivo 
  • Moderato: moderado (80 - 108 ppm). 
  • Allegretto grazioso. 
  • Allegretto: un poco animado; sin embargo, en algunas piezas se toca como allegro y en otras como andante. 
  • Allegro moderato. 
  • Allegro: animado y rápido (110 - 168 ppm). 
  • Vivace: vivaz. Vivo: rápido y vivaz
  •  Allegrissimo: más rápido que el allegro; poco usado. 
  • Presto: muy rápido (168 - 200 ppm). 
  • Vivacissimo: más rápido que el vivace; poco usado. 
  • Vivacissimamente: Más rápido que el Vivacissimo.
  •  Prestissimo: muy rápido (más de 200 ppm). 
  • Allegro prestissimo con fuoco: extremadamente rápido (más de 240 ppm).


Algunas cuestiones que debes tomar en cuenta para la práctica del metrónomo es que debes empezar por el tiempo más lento, nunca te saltes. Grábate cuando practiques con el metrónomo y así puedas observar o mejor dicho escuchar tus errores. No solamente practiques escalas si no también ritmos de todos los estilos y géneros.

EL RELOJ INTERNO

Cuando tú interiorizas el metrónomo, es decir ya  posees una especie de indicador constante que te permite saber el tempo, la velocidad y cualquier variación en el pulso, es el momento de salirse del metrónomo. Es decir ya comenzarás a adquirir la capacidad de poder adelantarte o retrasarte un poquito en el tiempo de una manera consciente y natural, en esto consiste el ya no depender de un metrónomo, para muchos esto es la maestría del dominio del pulso.


Esto se adquiere con muchos años de práctica dónde el tiempo, el pulso, el metrónomo quedan relegados a un segundo plano, pero vuelvo a repetir, esto se consigue con muchos años de práctica y es allí dónde vienen los grandes maestros de una línea metodológica muy especial dónde te dicen "No practiques con el metrónomo". Cuando ellos te dicen esto, es justamente porque quieren crearte un reloj interno, que en la primera fase es seguir un tiempo definido y constante como si lo hicieras con un metrónomo físico.

NOTA FINAL

Existen dos grades tendencias en el mundo de la música, dónde muchos te dicen que el metrónomo no se debe dejar nunca, y la otra posición es dónde te dicen no practicar con metrónomo, que es muchas veces mal entendido. Lo que realmente significa es que debemos crear un reloj interno y no depender de una máquina, En el mundo actual y en toda grabación se debe usar el metrónomo, pero a lo que se refiere la segunda posición es que tenemos que humanizar nuestro pulso.



WE ROCK!

viernes, 12 de octubre de 2018

Quiero aprender a hacer solos.



Las escalas y las técnicas son de uso popular y archi conocido en el lenguaje común entre los guitarristas eléctricos de varias generaciones. Todos quieren aprender a hacer solos espectaculares, dotados de mucho virtuosismo en la ejecución, sin embargo nos olvidamos de algo crucial: El acompañamiento.

Acompañar

Definición
-Estar [una persona] con otra o ir junto a ella.
-Compartir un afecto o un estado de ánimo.

Una de las características importantísimas de cualquier canción, como muchos de ustedes lo sabrán , es el aspecto rítmico, y que casi siempre, nos olvidamos también del aspecto armónico. La mezcla de las dos harán una base increíble, que dotará de la atmósfera necesaria para una improvisación, melodía o cualquier cosa que lleve escalas y técnicas, suene espectacular. En la actualidad existen muchas canciones dotadas de grandes y pulidos solos, pero su  base rítmica y armónica se descuidan mucho. Es una gran pena, pero es un hecho que los grandes riffs están ausentes en esta última generación. 



¿No te ha pasado que escuchas una pequeña frase rítmica e inmediatamente reconoces la canción? A esto nosotros le llamamos el famoso "Rock Clásico", una época dónde los grandes riffs estaban por encima de un gran solo. Esto es lo que tenemos que aprender desde que nos iniciamos en el mudo de la composición, donde siempre necesitaremos la creación de una base rítmica con mucho sentimiento que refleje la personalidad del tema, una melodía que conmueva y una armonía con acordes que den una atmósfera precisa y que sea el espacio de trasmisión de todo lo que contiene una obra de arte.

Anécdota: El Gran guitarrista Marty Friedman mencionó que cuando entro a Megadeth, Mustaine le enseñó a componer muchos riffs de guitarra y grandes rítmicas que después plasmó en sus composiciones como solista.


Ocuparnos


Todos amamos practicar ejercicios de digitación, esto lo veo continuamente en mis clases. Pero cuando haces, por ejemplo, arpegios rítmicos, ritmos de funk, de jazz o incluso  ritmos de metal siempre escucho la siguiente frase: "No pensé que era tan difícil". Y bueno acá no hay necesidad de razonar mucho, los procesos de aprendizaje tanto rítmicos como armónicos (y en conjunto) demandan muchas horas y años de práctica. Al tocar acordes y hacer nuestros primeros acompañamientos, tenemos la idea errónea de que todo será igual o parecido. Pero como lo digo en mi vídeo "Estoy estancado", la idea es profundizar y no quedarse en conceptos del común de la gente como por ejemplo "Eso es fácil" "Necesito aprender más cosas" "Eso ya lo sé" Etc.


El trabajo rítmico/armónico


Todo instrumentista debe solicitar a sus profesores, instructores o maestros, géneros, grupos y repertorio que lo ponga en apuros y exigencias, permitiendole aprender la gran importancia de las secciones rítmicas a parte de los solos y/o melodías.

Aunque parezca contradictorio, muchas veces estas exigencias (ritmos y acordes) no están en canciones dónde hay mucha presencia de la guitarra. Y te preguntarás ¿Cuáles son los temas que me recomiendas como reto para sacar? Esto lo escribiré en otro artículo y casi seguro también saldrá en mi canal de Youtube. Por ahora te recomiendo pedir referencias a aquellos que están en una escala más alta a la de tú a nivel como guitarrista o músico.

Conclusiones


Los solos de guitarra, las improvisaciones y las técnicas se verán más imponentes cuando armemos el rompecabezas de un excelente cuadro llamada CANCIÓN, las piezas que nos faltan no podemos olvidarlas (Ritmo y armonía). De lo contrario habrán huecos y vacíos que no justificarán el gran trabajo de crear un gran solo.

We Rock!

sábado, 25 de agosto de 2018

Decidí estudiar música Parte 1


En todos los estudiantes que he recibido desde la década de los 90's, sigo observando el alto grado de deserción sobre todo en los alumnos más entusiastas, y mas aun al momento de inscribirse en un curso de música. Al ocurrir esto, decidí investigar en diferentes instituciones, tanto europeas como estadounidenses para ver si sucedía lo mismo, y posteriormente ver cuales eran las causas. En este artículo te haré algunas recomendaciones para que puedas llevar correctamente tus estudios y no  "Empezar como potro salvaje y parar como mula".




Preparación:
Uno de los factores que más desmotiva a los futuros estudiantes, es la restricción metodológica, es decir las diferentes formas y técnicas de enseñar, esto quiere decir como la academia, taller, instituto, escuela o universidad te va formando.
Al enfrentarnos la profesor, este aplicará un sistema para inducirnos diversos conocimientos, ya sea de técnica, teoría y todos aquellos temas que siempre quisiste aprender, estos seguirán un orden, una secuencia y un tiempo definido. Estas son las tres características importantes de una metodología, es decir "COMO TE VAN A ENSEÑAR".

Prepararte para tus primeras clases significa entender que habrá una disciplina, un orden y una secuencia, basada en el tiempo de aprendizaje. Si aprendiste tus primeras lecciones a través de un amigo, familiar, YouTube, o descargaste un método es casi seguro que te chocará al principio. Pasar de un método empírico a un método científico a veces es un poco difícil. La virtud a cultivar en tus primeras clases es la paciencia.

En uno de mis últimos vídeos llamado "déjame practicar" uno de mis suscriptores mencionó que dentro de poco se iba a separar (se había comprado 8 guitarras); una de las razones típicas de los apasionados a la música es la obsesión que tienen por comprarse TODO lo que tiene que ver con este arte. Por lo tanto, es casi seguro, que si te vas a inscribir en un curso de música, la segunda preparación que debes hacer es acerca del tema económico. Para esto te servirán algunas preguntas a resolver:

-¿Cuál es tu presupuesto a invertir?
-¿Durante cuánto tiempo piensas estudiar?
-¿Tu entorno familiar está dispuesto a invertir en ti?
-¿Sabes que tipo de preparación musical necesitas?
-¿Sabes la cantidad  de horas que debes practicar?

Para poder responder esto, vamos a acudir a uno de mis artículos "Soy intermedio" dónde clasificamos a cuatro tipos de estudiantes de música:
1.-Estudiar por entretenimiento.
2.-Estudiar por un gran hobby.
3.-Estudiar semi-profesionalmente.
4.-Estudiar profesionalmente.

Aquí podemos hablar directamente de presupuestos y obviamente con todos los beneficios de estudiar en una institución o profesor destacado es diferente a aprender por tu propia cuenta; definitivamente los puntos tres y cuatro, van desde los $200 mensuales hasta  los $60000 (Berklee) al año. Entre los puntos uno y dos puedes tener una clase inclusive gratuita, $3, $20, etc.


Como verás existe toda una gama de precios a escoger que estarán determinados por tus requerimientos y necesidades, si tienes tu presupuesto bien definido y cultivas la virtud de la paciencia, escogiendo el lugar correcto alcanzarás tus primeras metas. Si no fuese así adquirirás una de las grandes características de los estudiantes insatisfechos llamada "FRUSTRACIÓN".

En la segunda parte de este artículo, hablaremos del tema  "La frustración y como acabar con ella".

-We Rock-